AD ASTRA PER ASPERA

AD ASTRA PER ASPERA

Existe una mirada interna, una conversación sin réplica con nosotros mismos cada día que nos levantamos y nos colocamos el traje para salir al mundo exterior. Es una mirada de afuera hacia adentro, es esa voz en off, ese self-talk sin contestación aparente como sondas lanzadas al espacio esperando encontrar una respuesta.

Ad Astra es un viaje homérico plagado de infortunios pero sin ninfas tentadoras. Si la Ilíada fue el blockbuster de acción de la época (Star Wars, Matrix) en esta ocasión el viaje de nuestro héroe (un inconmensurable Brad Pitt) es la Odisea, mucho más madura, combinando lo exterior con lo interior, combinando la prosa de la acción con la poética del pensamiento. Nuestro Odiseo no está secuestrado en la isla Ogigia entre los brazos de la enamorada Calipso, pero aquí su único amor le dejará las llaves antes de salir por la puerta. Es una escena nada más empezar donde ya quedan claras dos cosas: una el tipo de película que vamos a ver y la soledad del héroe como elemento icónico de todo gran viaje. Es la soledad del héroe que ya se nos presenta hablándonos en primera persona a lo largo de toda su odisea. Pero como todo héroe necesitará de aliados para que la trama se vaya resolviendo. Es aquí donde la película del director de La Noche es Nuestra (2007) o Two Lovers (2008), James Gray muestra sus flaquezas…¿Podrían los actores secundarios ser eliminados del motnaje final y la historia cambiaría?…¿Podríamos eliminar todas las secuencias de acción?…¡Podríamos!. Sería el Solaris (2002) de Steven Soderbergh, solo que la constelación familiar en este caso era la esposa.

Roy McBride es Brad Pitt, un ingeniero que perdió a su padre en una misión sin retorno a Neptuno. El padre, al que nunca llegó a conocer, es Tomy Lee Jones, un ilustre del Hollywood clásico moderno, pero que a mí no me funciona ni como padre, ni como explorador de las estrellas. Su físico tan de mestizaje de la América india, y su rol histórico de hombre rudo al servicio de la ley no me dejan verlo en absoluto como un astronauta pionero en la búsqueda de inteligencia extraterrestre. Independientemente de mis visiones, el supuesto punto álgido de nuestro Omero al final de la película, en ese viaje a El Corazón de las Tinieblas que muchos han visto, es cuando tras superar todas los infortunios, el hijo por fin conocerá a su padre. Insulsa puesta en escena, decepcionante diálogo, (Marlon Brando improvisaba mejor su speech final en Apocalypse Now) y nula química entre Brad Pitt y Tomy Lee Jones.

Pero por suerte el planteamiento de James Gray (escribió el guión que filma) es el resultado final, del conjunto gracias al matrimonio: guión literario dice ¡Sí quiero! a guión técnico. Este combo perfecto es lo que permite que pese a todo lo descrito, en el momento que el padre decide desprenderse del todo de su hijo, funcione perfectamente la alegoría. El simbolismo de la ruptura a modo de cordón umbilical de todo lo que unía a un padre perdido con su hijo ansioso por encontrarlo, se resuelve en esa secuencia en el exterior de la nave. El hijo por fin se libera cual el héroe griego de los Dioses. Tras superar su áspero destino, tras superar todas la pruebas puede ahora ser libre, libre para decidir…y decide vivir.

Gravity (2013) es el referente visual más reciente que en muchos momentos me venía a la memoria. La secuencia inicial con las descargas cósmicas que destruyen esa especie de antena gigante orbital y la ya comentada secuencia final. Pero como diría aquel, la sombra del monolito es alargada, 2001:A Space Odyssey (1968): el ritmo, la iluminación en el interior de la nave (ese rojo Hal 9000), o el diseño de producción que nos sitúa en un futuro retro pero incierto, muy de las películas de los 70 (Rollerball, Fahrenheit 451, WestWorld). Pero si hay una película reciente que explora las galaxias del pensamiento utilizando de lanzadera la relación truncada padre e hija es esa maravilla disfrazada de biopic de Neil Armstrong en su lucha personal por alcanzar la Luna. Metáfora perfecta del pensamiento estoico per aspera ad astra. First Man (tenéis mi review http://www.especialistamike.com/first-man-odisea-interpersonal/ ).

Admito que soy un enamorado del sonido electrónico, de esa música ambiental de ceros y unos de Cliff Martínez ( Solaris, Drive), Julian Winding y su electro de diseño (The Neon Demon) y Hans Zimmer que con Black Hawk Down demuestra que no solo sabe de sonidos elctrónicos que tan bien representan el espacio como hizo con Interestellar. Una partitura que podría recordarnos a Ad Astra pero que tienen una génesis muy diferente. Y es que Max Richter, un joven compositor de origen alemán pero criado en Reino Unido de formación clásica «pura y dura» compone una serie de pasajes para poner color a las emociones y pensamientos del Omero. Pero es la colaboración con Nils Frahm, otro compositor alemán que combina electrónica con música clásica la que me hizo volar más allá de las estrellas. Aquí os dejo un mágico in crescendo de su álbum Spaces https://youtu.be/dIwwjy4slI8

Ad Astra es un gran viaje para emprender y para aprender. Conozco muchos cinéfilos padres, o debería decir, padres cinéfilos, porque una vez pasas ese umbral ya no hay retorno, que les ha volado la cabeza esta película. . Yo no puedo hablar mucho sobre este tipo de amor, pero sí reconozco el valor de todos esos estoicos y estoicas que no sucumben y demuestran siempre determinación en lo que hacen y en lo que dicen.

Creo que era Alejandro Jodorowsky quien dijo: el amor siempre toma rehenes.

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