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Coffy: Sexo, drogas y funk'n'roll PDF Imprimir E-Mail
Escrito por Max Rebo   
miércoles, 14 de julio de 2010
This is the end of your rotten life,  you motherfucker dope pusher !En aquel momento, en el 77, no lo supimos, pero después de asistir atónitos al estreno de La Guerra de las Galaxias (Star Wars, George Lucas) para millones de chicos nada volvió a ser lo mismo. Aquellos 120 minutos de arrebatos espaciales nos marcaron el camino a seguir en los más variopintos aspectos de nuestras vidas. Ejemplo número uno: las mujeres. Cuando la princesa Leia espetó a la panda de pardillos interestelares el mítico vaya un truño de rescate (no es literal), nos dejó sentenciados a nosotros también. Adiós a sufridas cenicientas, bellas durmientes y pacatas princesas de cuento: a partir de entonces nos gustarían las chicas guerreras, independientes y orgullosas, como Leia. Ella sería nuestra musa, nuestro referente cardinal, el Santo Grial a cuya búsqueda dedicaríamos afanosamente nuestros años venideros.

Ciertamente, hubo otras precursoras de este tipo de féminas aguerridas. En cierto sentido, lo fueron las fatales de los 40 (la Stanwyck, la Hayworth, la Bacall, la Turner). Pero sin duda, la expresión mujer de armas tomar (literal y metafóricamente) adquirió una nueva dimensión después de Pam Grier y su interpretación en Coffy (Jack Hill, 1973). Coffy, o su hermana Foxy Brown (Jack Hill, 1974), lo mismo da. Ambas obras son emblemas del denominado Blaxploitation, la corriente nacida en la década de los 70 con el objeto de adaptar los exploitation films al público negro. Sweet Sweetback's Baadasssss Song (Melvin Van Peebles, 1971) y Las Noches rojas de Harlem (Shaft, Gordon Parks, 1971) se disputan el honor de ser las pioneras de un género que no sobrevivió como tal más allá de los 70, pero que dejó perlas como Drácula Negro (Blacula, William Crain, 1972), una película a reivindicar y a descubrir con urgencia por todos aquellos que creen que el cuento del conde vampiro enamorado se lo inventó Francis Ford Coppola, 20 años más tarde.
 
Satanás: Karloff, Lugosi y Poe a la europea PDF Imprimir E-Mail
Escrito por Max Rebo   
viernes, 02 de julio de 2010
Karloff & Lugosi, sembrados como ellos solos...
Si bien la leyenda de la Edad de Oro del Terror de la Universal - la que abarca la década de los años 30, sin olvidar algunas gemas de los años 20 y los 40 - se cimenta en los cuatro mitos clásicos del género (Drácula, Frankenstein, La Momia y, en el furgón de cola, El Hombre Lobo), un buen puñado de películas menos conocidas pero igual de fascinantes enriquecieron el catálogo en sobremanera desde la segunda línea del frente. Films como The Man who laughs (Paul Leni, 1928), El Hombre Invisible (The Invisible Man, James Whale, 1933) o la perla negra que nos ocupa hoy, Satanás (The Black Cat, Edgar G. Ulmer, 1934). Esta familia de delicias artesanales está imbuida de un espíritu gótico-romántico de fuertes raíces europeas, debido a la aportación de un notable elenco de actores, directores y operadores de cámara que emigraron desde el Viejo Continente y dieron con sus huesos en la compañía fundada por otro extranjero, el alemán Carl Laemmle.

Además de la sensibilidad autóctona de los creadores, el carácter europeo provenía del sustrato literario (Mary Shelley, Bram Stoker, Victor Hugo) sobre el que se fundamentaron muchas de las historias. El caso de Satanás es distinto: aunque la acción se desarrolla en algún lugar perdido entre Austria y Hungría, la materia primordial de la que se nutre la película no es la literatura decimonónica europea, sino la estadounidense, ya que se trata de la adaptación de un relato de tintes autobiográficos de Edgar Allan Poe (The Black Cat, 1867). Para ser justos, deberíamos hablar de adaptación libre, o más bien libérrima: no es una versión fiel a la letra del cuento original, una narración extraordinaria sobre el trastorno de la personalidad debido al alcoholismo. Ulmer (Detour,1945) prefirió reescribir el libreto inspirándose en la esencia pura de la obra del genio de Baltimore, absorbiendo el espíritu de la misma y confiriéndolo a la pantalla en esta pequeña y extraña pieza.
 
Shock Waves: Zombies Nazis en salmuera PDF Imprimir E-Mail
Escrito por Max Rebo   
lunes, 03 de mayo de 2010
Terror en las Aguas, zombies malos, malos, malos...Probablemente, los nazis son los mayores hijos de puta que han poblado la tierra en los 4500 millones de años de historia del planeta y en casi 2 millones de años de género Homo. Digo probablemente porque, a buen seguro, han existido y existen mentes humanas igual de abyectas y hediondas que las que diseñaron y ejecutaron el tercer Reich, pero la magnitud de los crímenes organizados y perpetrados por el canalla del bigote y sus siniestros esbirros les hace merecedores de ese reconocimiento máximo: ellos fueron la más podrida de las escorias. Esa maldad inherente les convierte, con el debido distanciamiento, en excelentes villanos cinematográficos. Dejando de lado el cine serio sobre el Régimen, las películas de puro entertainment han sabido aprovechar el tirón de los pérfidos alemanes, desde Doce del Patíbulo (The Dirty Dozen, Robert Aldrich, 1967) hasta la saga de Indiana Jones, iniciada en En Busca del Arca Perdida (Raiders of the Lost Ark, Steven Spielberg, 1981). No hay término medio: a los seguidores de la esvástica se les odia o se les odia. Por eso nunca dejaremos de agradecerle a Tarantino el irreverente calvo a la Historia (en forma de catarsis flamígera) de sus gloriosos Bastardos.

Pero hay otras ópticas deformes o enfoques más frívolos desde los cuales se ha filmado a los nazis. Si su indiscutible felonía propicia el antagonismo, su reconocido talento para la manipulación de las masas y su capacidad para fascinar mediante la utilización maestra de la teatralidad y la parafernalia escénica provocan que campen a sus anchas por un tipo de cine mucho más cafre, donde se da rienda suelta a un erotismo fetichista proclive a toda suerte de variantes sádicas, ya sea de perspectiva arty como en Salon Kitty (Tinto Brass, 1976) o decididamente cutre como en Ilsa, la Loba de las SS (She Wolfe of the SS, Don Edmonds, 1975) y sus inevitables secuelas. Lo macabro y lo lúbrico-festivo se unen en estas obras en un matrimonio de dudosa catadura moral. Bastante más inocente es la aproximación a la temática nacionalsocialista en el género de terror (en el subgénero zombie, para ser más precisos), una relación nada descabellada teniendo en cuenta la vena ocultista de los cabecillas nazis y las connotaciones esotéricas de su ideología. Terror en las Aguas (Shock Waves, Ken Wiederhorn, 1976) es un pequeño hito en la filmografía marginal de muertos vivientes que caminan marcando el paso de la oca.
 
El Rojo en los Labios: Terror para gourmets PDF Imprimir E-Mail
Escrito por MAX REBO   
martes, 02 de marzo de 2010

Benditas Hijas de las Tinieblas...Hoy toca descorchar una de esas botellas que guardamos para las ocasiones especiales. No, no me refiero a uno de esos vinos de reconocido prestigio que se sirven en la mesa cuando la familia nos visita en Navidades y que garantizan el éxito de la velada. Me refiero a las delicatessen que nos reservamos para el placer solitario o para seducir a una buena compañía. Uno de esas ampollas que provienen de lo más recóndito de la bodega, de etiqueta apergaminada, de corcho reblandecido, de cantos bañados suavemente por el polvo de los siglos. Uno de esos vinos añejos a los que el tiempo proporciona un bouquet extraordinario, a la par que resta importancia a las imperfecciones que el mosto fermentado presenta en sus años de juventud. Se trata de una cosecha flamenca del 71, prensado a partir de nuestra uva favorita, uva de vampira decadente. Trash Collectors recupera en Dvd El Rojo en los Labios (Le Rouge aux Lèvres), de Harry Kümel, una delicia para los sibaritas del vampirismo, todo un deleite para cult hunters de postín. 


El buen epicúreo disfrutará desde la primera fase de la cata, aquella que se realiza con el más inmediato de los sentidos: la vista. Porque Le Rouge aux Lèvres es un auténtico regalo para los ojos, una película concebida teniendo en cuenta hasta el más mínimo detalle de cada plano y cada movimiento de cámara, donde cada secuencia es una pequeña historia en si misma y un triunfo de la mise en scène, que va mucho más allá del mero esteticismo y de la ramplonería habitual de obras similares pergeñadas en el marco del mal denominado Eurotrash. Una película filmada en un espléndido escenario (el Thermae Palace Hotel de Ostende), repleta de planos cargados de magnetismo,  poseedora de un arrebatador tratamiento de la luz y el color. Y como no, un festín para la mirada de los voyeurs, bendecidos por la presencia de la espléndida Delphine Seyrig (la Condesa Bathory), elegante y seductora al más puro estilo de una Marlene Dietrich a la francesa, o de la segunda de las hijas de las tinieblas (según reza el título americano), Andrea Rau (lona), cuya meláncolica presencia recuerda a otra diosa alemana de las artes, inclasificable, inigualable: Nico.

 
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