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	<title>Kike Saha &#8211; EspecialistaMike.com</title>
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	<description>Cine, Series, Frikadas</description>
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	<title>Kike Saha &#8211; EspecialistaMike.com</title>
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		<title>El único y verdadero Secreto de la Trompeta</title>
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		<dc:creator><![CDATA[Kike Saha]]></dc:creator>
		<pubDate>Tue, 11 Feb 2020 10:51:36 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
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					<description><![CDATA[El Secreto de la Trompeta (1995), o mejor dicho, El Secdleto de la Tlompeta (mid novedientod noventa y dinco) es una de las cosas más raras que vas a ver en tu vida. Es un corto demasiado largo (17 minutos) de Javier Fesser que se hace corto. Y cuando acabes de verlo, en tu cerebro se habrá hecho un nudo. El Secdleto de la Tlompeta (ESDLT) cuenta la historia de una bombona de butano. No. Es mentira. Este corto no cuenta ninguna historia. Lo he visto medio millón de veces y cuanto más lo veo, menos lo entiendo. No hay arco, no hay relato y no aprendemos nada. Los personajes no van a ninguna parte (aunque lo parezca) y no hay tesis, ni antítesis ni síntesis que valga. ¿Podríamos estar hablando del Akira español? Podríamos. Hace poco escuchaba a Scorsese hablar de cómo el cine es la mezcla de muchas artes (pintura, literatura, música, teatro, fotografía). Y sin embargo, hay algo intrínsecamente cinematográfico, algo que no puede existir en ninguna de esas otras artes. Algo exclusivo del cine. Eso es ESDLT, la destilación del arte cinematográfico: cómo contar una historia con imágenes en movimiento cuando no hay historia. Pero que no haya historia no significa que esté hueca, muy al contrario. Esto no es una de esas películas en la que un hombre se corta las uñas durante 25 minutos mientras escucha una gotera. Fesser no es un farsante y sabe bien lo que se hace. Iba a sugerir que la historia está desordenada como en Pulp Fiction (1994), pero no. Desordenar una historia, como hace Tarantino, es fácil. Desordenar lo que quiera que sea que desordena Fesser, no debe serlo tanto. Javier Fesser empezó dirigiendo spots publicitarios y controla el ritmo, la acción y la edición como nadie en España, un poco como Fincher. Y eso se ve en este corto y en realidad en casi todos sus trabajos como en El Milagro de P. Tinto, Mortadelo y Filemón o Camino. Campeones es quizá un producto más convencional. Los personajes de ESDLT están en su mayoría interpretados por familiares de Fesser y viejos amigos sin formación actoral, incluido el protagonista o la marioneta que interpreta al productor. Y éstos nos conducen a través de flashbacks y elipsis temporales. Se mean un par de veces en la cuarta pared y se salen de la ficción para explicarnos lo que vale un plano con helicópteros o lo mucho que trabajan los hombres y mujeres de telefónica. ¿Y cuál es el propósito de estos flashbacks y elipsis? Ninguno, mas allá de que Ramón Langa (voz en off) te apriete el nudo del cerebro mientras relata esta locura. En fin, esta con esta reseña sólo quería mostrar el amor que siento por El Secdleto de la Tlompeta, que está en Youtube cuando debería estar en un museo o en la universidad, porque además de brutalmente divertido, este corto es una clase magistral. No se de qué, pero magistral&#8230; casi seguro.]]></description>
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<p>El Secreto de la
Trompeta (1995), o mejor dicho, El Secdleto de la Tlompeta (mid
novedientod noventa y dinco) es una de las cosas más raras que vas a
ver en tu vida. Es un corto demasiado largo (17 minutos) de Javier
Fesser que se hace corto. Y cuando acabes de verlo, en tu cerebro se
habrá hecho un nudo.</p>


<p>El Secdleto de la Tlompeta (ESDLT) cuenta la historia de una bombona de butano. No. Es mentira. Este corto no cuenta ninguna historia. Lo he visto medio millón de veces y cuanto más lo veo, menos lo entiendo. No hay arco, no hay relato y no aprendemos nada. Los personajes no van a ninguna parte (aunque lo parezca) y no hay tesis, ni antítesis ni síntesis que valga. ¿Podríamos estar hablando del Akira español? Podríamos.</p>


<figure class="wp-block-image size-large"><img decoding="async" src="http://www.especialistamike.com/wp-content/uploads/2020/02/secretoTrompeta2.jpg" alt="" class="wp-image-14785"/></figure>


<p>Hace poco escuchaba
a Scorsese hablar de cómo el cine es la mezcla de muchas artes
(pintura, literatura, música, teatro, fotografía). Y sin embargo,
hay algo intrínsecamente cinematográfico, algo que no puede existir
en ninguna de esas otras artes. Algo exclusivo del cine. Eso es
ESDLT, la destilación del arte cinematográfico: cómo contar una
historia con imágenes en movimiento cuando no hay historia.</p>


<p>Pero que no haya historia no significa que esté hueca, muy al contrario. Esto no es una de esas películas en la que un hombre se corta las uñas durante 25 minutos mientras escucha una gotera. Fesser no es un farsante y sabe bien lo que se hace. Iba a sugerir que la historia está desordenada como en Pulp Fiction (1994), pero no. Desordenar una historia, como hace Tarantino, es fácil. Desordenar lo que quiera que sea que desordena Fesser, no debe serlo tanto.</p>


<p>Javier Fesser empezó dirigiendo spots publicitarios y controla el ritmo, la acción y la edición como nadie en España, un poco como Fincher. Y eso se ve en este corto y en realidad en casi todos sus trabajos como en El Milagro de P. Tinto, Mortadelo y Filemón o Camino. Campeones es quizá un producto más convencional.</p>


<p>Los personajes de ESDLT están en su mayoría interpretados por familiares de Fesser y viejos amigos sin formación actoral, incluido el protagonista o la marioneta que interpreta al productor. Y éstos nos conducen a través de flashbacks y elipsis temporales. Se mean un par de veces en la cuarta pared y se salen de la ficción para explicarnos lo que vale un plano con helicópteros o lo mucho que trabajan los hombres y mujeres de telefónica. ¿Y cuál es el propósito de estos flashbacks y elipsis? Ninguno, mas allá de que Ramón Langa (voz en off) te apriete el nudo del cerebro mientras relata esta locura.</p>


<figure class="wp-block-image size-large"><img decoding="async" src="http://www.especialistamike.com/wp-content/uploads/2020/02/secretoTrompeta.jpg" alt="" class="wp-image-14784"/></figure>


<p>En fin, esta con esta reseña sólo quería mostrar el amor que siento por El Secdleto de la Tlompeta, que está en Youtube cuando debería estar en un museo o en la universidad, porque además de brutalmente divertido, este corto es una clase magistral. No se de qué, pero magistral&#8230; casi seguro.</p>


<p></p>
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		<title>The Terror: Infamy</title>
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		<dc:creator><![CDATA[Kike Saha]]></dc:creator>
		<pubDate>Sun, 26 Jan 2020 12:18:50 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
		<category><![CDATA[Reviews]]></category>
		<category><![CDATA[Series]]></category>
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					<description><![CDATA[The Terror: Infamy de AMC es la segunda temporada de la recomendabilísima «The Terror», serie de 2018 basada en el libro homónimo de Dan Simmons. Esta segunda entrega es tan interesante como confusa. En primer lugar, no tiene nada que ver con la primera entrega. No es una continuación y sólo las unen un par de elementos estilísticos. En segundo lugar, es difícil definir su género: parece un drama de época con elementos de terror salpicado de gore, que en ocasiones lo convierten en un thriller sustentado en hechos reales. O tal vez sea sólo un cuento, un cuento crudo del siglo XVIII que no ha pasado por el filtro de Disney y en el que el lobo se come a la abuela y a los niños se les deja morir de hambre en el bosque. The Terror: Infamy cuenta la vida de los Nakayama, una familia de pescadores estadounidense de origen japonés que viven en California durante la Segunda Guerra Mundial. Para los aficionados a la historia esto será obvio, ya que la palabra infamia ha quedado fuertemente ligada al ataque a Pearl Harbour. La serie nos contará cómo el joven Chester Nakayama, ya nacido en EEUU, deberá lidiar con el embarazo de su novia, los problemas con su familia y en particular con su padre Henry Nakayama, el racismo que los Nakayama han de sufrir como actores y receptores y la guerra contra su pais de origen que acaba de estallar. Y por si todo esto fuera poco, a su familia le ha seguido un bakemono, un espectro del folclore japonés, que amenazará a la familia y a todo el que se acerque a ellos. Los Nakayama no conocen las vacaciones. Este bakemono nos va a revelar los trapos sucios de la familia Nakayama, que no dejan de aparecer hasta el último episodio. Al parecer el proverbial honor y sobriedad japonesas no están reñidos con meter la pata, ser mezquinos y echarle la culpa a otro&#8230; Vamos, que los japoneses se parecen mas a nosotros de lo que a ellos les gustaría. A través de este espíritu, conoceremos además parte de la tradición japonesa, que se mezclará con la tradición mejicana a través de la novia de Chester. Y resulta que esta mezcla no es tan exótica, ya que el recuerdo parece ser igualmente importante en ambas. Y como en la primera temporada (y esta es la única conexión entre ambas temporadas que he detectado) el mal en ocasiones vendrá de mano de los espíritus y en otras, de una forma mucho mas pedestre y menos desconcertante, de mano de los cabrones, que son muchos. Y a los protagonistas les resultará complicado discernir su origen, mezclando lo sobrenatural, con lo real y la locura. El reparto está conformado por actores poco conocidos salvo una maravillosa excepción: George Takei, el inolvidable timonel de la USS Enterprise Hikaru Sulu al que podréis ver en Star Trek, the original series en Netflix. Takei lleva años tratando de recuperar la memoria histórica de cómo sus conciudadanos de origen japonés fueron sacados de sus casas en 1942 y encerrados en campos de realojo durante tres años para evitar posibles actividades antiamericanas. Y quiere recuperarla porque él mismo, junto a su familia fue víctima de estos realojos. Aquí, Takei interpreta a Nobuhiro Yamato, un anciano conocedor de las tradiciones que funciona casi como una voz en off. Merece la pena ver esta serie de 10 episodios por varios motivos. Nos pone en contacto con la tradición sobrenatural de Japón, nos cuenta el sufrimiento de los japoneses, legítimos ciudadanos estadounidenses, que vieron cómo sus derechos desaparecieron en cuestión de horas. Insinúa cómo, muchos de ellos, se alistaron al ejército como traductores o en cuerpos especiales, donde debían probar su valor y patriotismo muy por encima de lo que se le exigía a un soldado regular. Pero es sobre todo la historia del drama de una familia y de cómo las culpas se heredan. Y la serie es bonita, muy bonita. Para la recreación histórica (California 1942-1945) se ha echado mano de efectos prácticos y CGI. Y este CGI, no sabemos si por accidente, por falta de medios o adrede, no es realista. No es realista del mismo modo que no es realista el patio de La Ventana Indiscreta o las vistas de La Soga o las Minas de Moria de La Comunidad del Anillo. No es realista, es mejor. Es bonita. Por ponerle una pega, la serie es algo irregular. En ocasiones la historia emplea refrescantes elipsis temporales que ponen en marcha el cerebro del espectador. En otras, se vuelve muy redundante y te deja adivinar conexiones que más tarde te revelan ceremoniosamente en un clímax descafeinado. Hay elementos del drama que parecen excesivamente desconectados de la trama principal. El arco de la historia tiene altibajos y queda la sensación de que sobraban un par de episodios. Pero en sus momentos mas bajos, la serie sigue funcionando, porque si bien el drama no avanza, sigue dándote la oportunidad de conocer un hecho histórico poco conocido. Así que ved The Terror: Infamy, y la primera temporada (The Terror)&#8230; y Star Trek, y leed sobre la segunda guerra mundial,&#8230; y desayunad bien, que es la comida más importante del día.]]></description>
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<p><strong>The Terror: Infamy</strong> de <strong>AMC</strong> es la segunda temporada de la recomendabilísima <strong>«The Terror»</strong>, serie de 2018 basada en el libro homónimo de <strong>Dan Simmons</strong>. </p>


<p>Esta segunda entrega es tan interesante como confusa. En primer lugar, no tiene nada que ver con la primera entrega. No es una continuación y sólo las unen un par de elementos estilísticos. En segundo lugar, es difícil definir su género: parece un drama de época con elementos de terror salpicado de gore, que en ocasiones lo convierten en un thriller sustentado en hechos reales. O tal vez sea sólo un cuento, un cuento crudo  del siglo XVIII que no ha pasado por el filtro de Disney y en el que el lobo se come a la abuela y a los niños se les deja morir de hambre en el bosque.</p>


<p><strong>The Terror: Infamy</strong> cuenta la vida de los <strong>Nakayama</strong>, una familia de pescadores estadounidense de origen japonés que viven en California durante la Segunda Guerra Mundial. Para los aficionados a la historia esto será obvio, ya que la palabra <strong>infamia</strong> ha quedado fuertemente ligada al ataque a Pearl Harbour. La serie nos contará cómo el joven <strong>Chester Nakayama</strong>, ya nacido en EEUU, deberá lidiar con el embarazo de su novia, los problemas con su familia y en particular con su padre <strong>Henry Nakayama</strong>, el racismo que los Nakayama han de sufrir como actores y receptores y la guerra contra su pais de origen que acaba de estallar. Y por si todo esto fuera poco, a su familia le ha seguido un <strong>bakemono</strong>, un espectro del folclore japonés, que amenazará a la familia y a todo el que se acerque a ellos. Los Nakayama no conocen las vacaciones.</p>


<p>Este bakemono nos va a revelar los trapos sucios de la familia Nakayama, que no dejan de aparecer hasta el último episodio. Al parecer el proverbial honor y sobriedad japonesas no están reñidos con meter la pata, ser mezquinos y echarle la culpa a otro&#8230; Vamos, que los japoneses se parecen mas a nosotros de lo que a ellos les gustaría.</p>


<p>A través de este espíritu, conoceremos además parte de la tradición japonesa, que se mezclará con la tradición mejicana a través de la novia de Chester. Y resulta que esta mezcla no es tan exótica, ya que <strong>el recuerdo</strong> parece ser igualmente importante en ambas. Y como en la primera temporada (y esta es la única conexión entre ambas temporadas que he detectado) el mal en ocasiones vendrá de mano de los espíritus y en otras, de una forma mucho mas pedestre y menos desconcertante, de mano de los cabrones, que son muchos. Y a los protagonistas les resultará complicado discernir su origen, mezclando lo sobrenatural, con lo real y la locura. </p>


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<p>El reparto está conformado por actores poco conocidos salvo una maravillosa excepción: <strong>George Takei</strong>, el inolvidable timonel de la USS Enterprise Hikaru Sulu al que podréis ver en <strong>Star Trek, the original series</strong> en Netflix. Takei lleva años tratando de recuperar la memoria histórica de cómo sus conciudadanos de origen japonés fueron sacados de sus casas en 1942 y encerrados en campos de realojo durante tres años para evitar posibles actividades antiamericanas. Y quiere recuperarla porque él mismo, junto a su familia fue víctima de estos realojos. Aquí, Takei interpreta a <strong>Nobuhiro Yamato</strong>, un anciano conocedor de las tradiciones que funciona casi como una voz en off.</p>


<p>Merece la pena ver esta serie de 10 episodios por varios motivos. Nos pone en contacto con la tradición sobrenatural de Japón, nos cuenta el sufrimiento de los japoneses, legítimos ciudadanos estadounidenses, que vieron cómo sus derechos desaparecieron en cuestión de horas. Insinúa cómo, muchos de ellos, se alistaron al ejército como traductores o en cuerpos especiales, donde debían probar su valor y patriotismo muy por encima de lo que se le exigía a un soldado regular. Pero es sobre todo la historia del drama de una familia y de cómo las culpas se heredan.</p>


<p>Y la serie es bonita, muy bonita. Para la recreación histórica (California 1942-1945) se ha echado mano de efectos prácticos y CGI.  Y este CGI, no sabemos si por accidente, por falta de medios o adrede, no es realista. No es realista del mismo modo que no es realista el patio de <strong>La Ventana Indiscreta</strong> o las vistas de <strong>La Soga</strong> o las Minas de Moria de<strong> La Comunidad del Anillo</strong>. No es realista, es mejor. Es bonita.</p>


<figure class="wp-block-image size-large"><img decoding="async" src="https://i.ytimg.com/vi/2X5a7LLoQro/maxresdefault.jpg" alt=""/></figure>


<p>Por ponerle una pega, la serie es algo irregular. En ocasiones la historia emplea refrescantes elipsis temporales que ponen en marcha el cerebro del espectador. En otras, se vuelve muy redundante y te deja adivinar conexiones que más tarde te revelan ceremoniosamente en un clímax descafeinado. Hay elementos del drama que parecen excesivamente desconectados de la trama principal. El arco de la historia tiene altibajos y queda la sensación de que sobraban un par de episodios. Pero en sus momentos mas bajos, la serie sigue funcionando, porque si bien el drama no avanza, sigue dándote la oportunidad de conocer un hecho histórico poco conocido.</p>


<p>Así que ved The Terror: Infamy, y la primera temporada (The Terror)&#8230; y Star Trek, y leed sobre la segunda guerra mundial,&#8230; y desayunad bien, que es la comida más importante del día.</p>
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		<title>Apollo 11</title>
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		<dc:creator><![CDATA[Kike Saha]]></dc:creator>
		<pubDate>Tue, 07 May 2019 23:35:53 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
		<category><![CDATA[Apollo 11]]></category>
		<category><![CDATA[Documental]]></category>
		<category><![CDATA[Todd Douglas Miller]]></category>
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					<description><![CDATA[El día que nos visiten los alienígenas y nos pidan el curriculum, nos vamos a ver algo apurados. “Vemos que han estado bastante atareados los últimos 70.000 años&#8230; ¿Pero si tuvieran que elegir solo una cosa, qué destacarían ustedes en su vida laboral?” Tal vez la respuesta sea este documental. La llegada del hombre a la luna resume de algún modo toda nuestra historia. Todos nuestros avances técnicos y científicos. Nuestros logros en física, química, matemáticas, ingeniería, medicina. Pero también nuestras miserias: nuestros miedos, nuestras envidias, nuestro belicismo. No hay arte alguno en Apollo 11. No es cine y a duras penas es un documental. Es sólo la realidad, la vida. El resumen en 93 minutos, de los 8 días más gloriosos de nuestra historia como especie. El absoluto desconocido Todd Douglas Miller ha sabido contar con increible maestría la peripecia de estos 8 días, echándose a un lado. No se ve su mano en ningún momento, más allá de haber limpiado y escaneado en 8K el material original, haber encontrado materia inédito y haber hecho un montaje y documentación extraordinario. De su mano, sólo ha añadido media docena de esquemas para que entendamos mejor cómo se desarrollaba la compleja misión y un par de temas musicales que encajan a la perfección. Para que nos hagamos una idea de su sobriedad: en el documental suena la canción Mother Country de John Stewart. Y suena sólo porque los astronautas lo escucharon en el Columbia a la vuelta, celebrando su epopeya. El director, en definitiva, ha sabido echarse a un lado para realizar una de las crónicas más emocionantes que yo haya visto en una pantalla. He estado tentado de apuntar que el documental era para “los muy cafeteros” debido a los aspectos técnicos que se citan continuamente durante la cinta. Cada palabra que se enuncia viene del centro de control en Houston, de los astronautas, del control de misión en Cabo Cañaveral, del periodista Walter Conkrite… Escucharemos a Armstrong, a Aldrin y a Collins intercambiar mensajes cripticos con Gene Krantz, Clifford Charlesworth, o Glynn Lunney&#8230; Pero no es verdad, no es una película para los muy cafeteros. Es una pieza maravillosa que todo el mundo debería ver ahora que parecemos estar olvidando que alguna vez el ser humano pisó otro cuerpo celeste. Y no, no he llorado durante el visionado, pero se me ha metido algo en el ojo en un par de ocasiones. “Y nos gustaría decir que, de parte de todos nosotros, aquí en Houston, y en realidad, de todos nosotros, en todos los paises del mundo, habéis hecho un magnífico trabajo. Corto.” Bruce McCandless, CAPCOM]]></description>
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<p>El día que nos visiten los alienígenas y nos pidan el curriculum, nos vamos a ver algo apurados. <em>“Vemos que han estado bastante atareados los últimos 70.000 años&#8230; ¿Pero si tuvieran que elegir solo una cosa, qué destacarían ustedes en su vida laboral?”</em> Tal vez la respuesta sea este documental.  </p>


<p>La llegada del
hombre a la luna resume de algún modo toda nuestra historia. Todos
nuestros avances técnicos y científicos. Nuestros logros en física,
química, matemáticas, ingeniería, medicina. Pero también nuestras
miserias: nuestros miedos, nuestras envidias, nuestro belicismo.</p>


<p>No hay arte alguno
en Apollo 11. No es cine y a duras penas es un documental. Es sólo
la realidad, la vida. El resumen en 93 minutos, de los 8 días más
gloriosos de nuestra historia como especie.</p>


<p>El absoluto desconocido Todd Douglas Miller ha sabido contar con increible maestría la peripecia de estos 8 días, echándose a un lado. No se ve su mano en ningún momento, más allá de haber limpiado y escaneado en 8K el material original, haber encontrado materia inédito y haber hecho un montaje y documentación extraordinario. De su mano, sólo ha añadido media docena de esquemas para que entendamos mejor cómo se desarrollaba la compleja misión y un par de temas musicales que encajan a la perfección. <br /></p>


<p>Para que nos hagamos una idea de su sobriedad: en el documental suena la canción Mother Country de John Stewart. Y suena sólo porque los astronautas lo escucharon en el Columbia a la vuelta, celebrando su epopeya. El director, en definitiva, ha sabido echarse a un lado para realizar una de las crónicas más emocionantes que yo haya visto en una pantalla.</p>


<p>He estado tentado de apuntar que el documental era para “los muy cafeteros” debido a los aspectos técnicos que se citan continuamente durante la cinta. Cada palabra que se enuncia viene del centro de control en Houston, de los astronautas, del control de misión en Cabo Cañaveral, del periodista Walter Conkrite… Escucharemos a Armstrong, a Aldrin y a Collins intercambiar mensajes cripticos con Gene Krantz, Clifford Charlesworth, o Glynn Lunney&#8230; Pero no es verdad, no es una película para los muy cafeteros. Es una pieza maravillosa que todo el mundo debería ver ahora que parecemos estar olvidando que alguna vez el ser humano pisó otro cuerpo celeste.</p>


<figure class="wp-block-image"><img decoding="async" src="http://www.especialistamike.com/wp-content/uploads/2019/05/step.jpg" alt="" class="wp-image-13349"/></figure>


<p>Y no, no he llorado durante el visionado, pero se me ha metido algo en el ojo en un par de ocasiones.</p>


<p><em>“Y nos gustaría decir que, de parte de todos nosotros, aquí en Houston, y en realidad, de todos nosotros, en todos los paises del mundo, habéis hecho un magnífico trabajo. Corto.”</em></p>


<p>Bruce McCandless,
CAPCOM</p>
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			</item>
		<item>
		<title>Spacewalker: ponte algo de abrigo que en el espacio refresca</title>
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		<dc:creator><![CDATA[Kike Saha]]></dc:creator>
		<pubDate>Tue, 09 Apr 2019 09:45:55 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
		<category><![CDATA[Alexei Leonov]]></category>
		<category><![CDATA[cine histórico]]></category>
		<category><![CDATA[cine ruso]]></category>
		<category><![CDATA[Dmitry Kiselev]]></category>
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					<description><![CDATA[En cine ruso actual parece tener sólo dos velocidades: o una agónica lentitud, o una velocidad epiléptica e incomprensible. Pudiera ser que los rusos entiendan el ritmo de la narración cinematográfica de un modo diferente al resto de nosotros. O pudiera ser que estén buscando las marchas que viven en la palanca de cambios, entre la primera y la quinta. El camarada Dmitry Kiselev parece haber encontrado estas otras marchas. En 2017 lo demostró dirigiendo The age of pioneers o Spacewalker, que en España, esta vez hemos tenido el buen gusto de no traducir. Este docudrama escapa con bastante solvencia del telefilm,… otro agujero en el que los rusos caen con frecuencia. Y cuenta, sin llegar a ser un biopic, la odisea de Alexei Leonov y Pavel Belyayev. La historia de la URSS está sembrada de gestas difíciles de creer, muchas de ellas relacionadas con la carrera espacial. Y ahora que en rusia están volviendo a aprender a hacer cine, nos las están contando. Historias que en ocasiones igualan la epopeya del Apolo XIII, como esta de Belyayev y Leonov, y otras que las dejan en mantillas, como la de la Salyut 7. Spacewalker cuenta la historia del primer paseo espacial. Tras las gestas de la URSS en el espacio con el Sputnik, Laika o Gagarin, el Kremlim le exige a Sergei Korolev, dirigente de la carrera espacial soviética, un nuevo éxito. Llegaba el momento de que un astronauta en órbita abandonara la nave y saliera por fin al inhóspito espacio exterior. Korolev, sin tiempo físico para diseñar una misión segura, prepara una misión suicida. Para llevarla a cabo eligen al comandante Alexei Leonov, un piloto de cazas mas temerario que valiente, que en caso de sobrevivir, se convertirá en el primer hombre en flotar en el espacio sin más protección que un traje rudimentario. Y para pilotar la nave, el más cauto y racional Pavel Belyayev. Por respeto a aquellos que no conozcan lo que ocurrió durante esta misión, no desvelaremos los detalles de la epopeya. Tan solo diremos que todo lo que pudo salir mal, salió catastróficamente mal. Estuvieron a punto de morir hasta en ocho ocasiones de las formas más creativas: por asfixia, congelación, malas descompresiones, hiperoxia, quemados de varias formas, por hipotermia y comidos por los lobos. Saber que Pavel murió de una peritonitis 5 años después de la misión o que Alexei Leonov continúa hoy con vida, no le resta a la historia ni un ápice de emoción. Uno llega a preguntarse, qué demonios hay que hacer para abatir a un ruso. Un problema de estas producciones rusas son los aliños mitológicos. El oscurantismo consustancial al telón de acero, hace que se haya creado una épica casi fantástica alrededor de los héroes de la URSS. Mientras que sus vecinos americanos emitían en directo sus avances en la carrera espacial, los soviéticos los ocultaban hasta que las misiones se habían concluido con éxito. Sólo entonces los hacían públicos. Esto, por cierto, no ha impedido que todos los idiotas del mundo duden de la llegada del hombre a la Luna pero no de la ascensión de Gagarin o de Titov a la órbita terrestre. Y esta oscuridad era abono para el campo de la mitología, que convertía a los cosmonautas en superhombres y ejemplos de lo que debía ser el héroe del pueblo soviético. Esta mítica aparece en la película, pero por suerte, muy moderadamente y con bastante buen gusto. Otro elemento que puede llegar a irritar, sobre todo a los que como yo, desconfiamos de la gente que no amanece de mala ostia, es el carácter vitalista de Leonov, que a veces parece exagerado y sobreactuado. La mala noticia es que es posible que fuera real y estén haciendo un retrato fiel del cosmonauta. La alegría y la sonrisa fácil era un requisito que la URSS valoraba en sus cosmonautas a sabiendas de que si tenían éxito, serían imagen de marca del pais. Finalmente, la película trata de ser muy fiel a la historia y se ahorra pocos detalles técnicos, que, si no se conocen de antemano, pueden llegar a ser algo confusos. Digamos que el director antepone en ocasiones la historia al drama. En resumen, una buena película, muy entretenida, muy reveladora, con un CGI que bien puede envidiar Hollywood, comparable a Salyut 7 en calidad y mucho mejor que el muy inferior biopic de Gagarin (First in Space).]]></description>
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<p>En
cine ruso actual parece tener sólo dos velocidades: o una agónica
lentitud, o una velocidad epiléptica e incomprensible. Pudiera ser
que los rusos entiendan el ritmo de la narración cinematográfica de
un modo diferente al resto de nosotros. O pudiera ser que estén
buscando las marchas que viven en la palanca de cambios, entre la
primera y la quinta.
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<p>El camarada <strong>Dmitry Kiselev</strong> parece haber encontrado estas otras marchas. En 2017 lo demostró dirigiendo<strong> The age of pioneers</strong> o <strong>Spacewalker</strong>, que en España, esta vez hemos tenido el buen gusto de no traducir. Este docudrama escapa con bastante solvencia del telefilm,… otro agujero en el que los rusos caen con frecuencia. Y cuenta, sin llegar a ser un biopic, la odisea de<strong> Alexei Leonov</strong> y <strong>Pavel Belyayev</strong>.</p>


<p>La historia de la URSS está sembrada de gestas difíciles de creer, muchas de ellas relacionadas con la carrera espacial. Y ahora que en rusia están volviendo a aprender a hacer cine, nos las están contando. Historias que en ocasiones igualan la epopeya del <strong>Apolo XIII</strong>, como esta de Belyayev y Leonov, y otras que las dejan en mantillas, como la de la <strong>Salyut 7</strong>.</p>


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<p>Spacewalker cuenta la historia del primer paseo espacial. Tras las gestas de la URSS en el espacio  con el Sputnik, Laika o Gagarin, el Kremlim le exige a <strong>Sergei Korolev</strong>, dirigente de la carrera espacial soviética, un nuevo éxito. Llegaba el momento de que un astronauta en órbita abandonara la nave y saliera por fin al inhóspito espacio exterior. Korolev, sin tiempo físico para diseñar una misión segura, prepara una misión suicida. Para llevarla a cabo eligen al comandante Alexei Leonov, un piloto de cazas mas temerario que valiente, que en caso de sobrevivir, se convertirá en el primer hombre en flotar en el espacio sin más protección que un traje rudimentario. Y para pilotar la nave, el más cauto y racional Pavel Belyayev.</p>


<p>Por
respeto a aquellos que no conozcan lo que ocurrió durante esta
misión, no desvelaremos los detalles de la epopeya. Tan solo diremos
que todo lo que pudo salir mal, salió catastróficamente mal.
Estuvieron a punto de morir hasta en ocho ocasiones de las formas más
creativas: por asfixia, congelación, malas descompresiones,
hiperoxia, quemados de varias formas, por hipotermia y comidos por
los lobos. Saber que Pavel murió de una peritonitis 5 años después
de la misión o que Alexei Leonov continúa hoy con vida, no le resta
a la historia ni un ápice de emoción. Uno llega a preguntarse, qué
demonios hay que hacer para abatir a un ruso.</p>


<p>Un problema de estas producciones rusas son los aliños mitológicos. El oscurantismo consustancial al telón de acero, hace que se haya creado una épica casi fantástica alrededor de los héroes de la URSS. Mientras que sus vecinos americanos emitían en directo sus avances en la carrera espacial, los soviéticos los ocultaban hasta que las misiones se habían concluido con éxito. Sólo entonces los hacían públicos. Esto, por cierto, no ha impedido que todos los idiotas del mundo duden de la llegada del hombre a la Luna pero no de la ascensión de Gagarin o de Titov a la órbita terrestre.</p>


<p>Y
esta oscuridad era abono para el campo de la mitología, que
convertía a los cosmonautas en superhombres y ejemplos de lo que
debía ser el héroe del pueblo soviético. Esta mítica aparece en
la película, pero por suerte, muy moderadamente y con bastante buen
gusto.
</p>


<p>Otro
elemento que puede llegar a irritar, sobre todo a los que como yo,
desconfiamos de la gente que no amanece de mala ostia, es el carácter
vitalista de Leonov, que a veces parece exagerado y sobreactuado. La
mala noticia es que es posible que fuera real y estén haciendo un
retrato fiel del cosmonauta. La alegría y la sonrisa fácil era un
requisito que la URSS valoraba en sus cosmonautas a sabiendas de que
si tenían éxito, serían imagen de marca del pais.</p>


<p>Finalmente,
la película trata de ser muy fiel a la historia y se ahorra pocos
detalles técnicos, que, si no se conocen de antemano, pueden llegar
a ser algo confusos. Digamos que el director antepone en ocasiones la
historia al drama.</p>


<p>En resumen, una buena película, muy entretenida, muy reveladora, con un CGI que bien puede envidiar Hollywood, comparable a <strong>Salyut 7</strong> en calidad y mucho mejor que el muy inferior biopic de Gagarin (<strong>First in Space</strong>).</p>


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