Hay películas que te gustan, películas que te sorprenden y películas que te hacen salir del cine con unas ganas irrefrenables de recomendárselas a todo el mundo. 5 minutos más pertenece, sin ninguna duda, a la tercera categoría. La nueva película de Javier Ruiz Caldera, escrita por Berto Romero y protagonizada por el propio humorista junto a Belén Cuesta y Javier Cámara, ha sido una de las grandes sorpresas de mi paso por Sitges 2026. Y eso que las expectativas estaban bastante altas.

Su premisa parte de un concepto que el cine ha explorado en numerosas ocasiones: un bucle temporal en el que los acontecimientos vuelven a repetirse una y otra vez. Sin embargo, basta con introducir una pequeña variación en las reglas para que la propuesta adquiera una personalidad propia. Y cuando detrás del guion está Berto Romero, un auténtico friki que conoce perfectamente los códigos de la ciencia ficción, uno ya puede imaginar que la cosa no se va a quedar en una simple repetición de situaciones cómicas.

Un bucle temporal con consecuencias

La película nos plantea un intervalo de cinco minutos que se repite constantemente. El mundo regresa al mismo punto temporal, pero hay una diferencia fundamental: todo lo que se rompe, se destruye o se gasta durante esos cinco minutos permanece así cuando el bucle vuelve a empezar.

Puede parecer un detalle menor, pero es precisamente esta regla la que marca la diferencia. En lugar de resetear absolutamente todo, la película introduce una acumulación de consecuencias que permite que cada repetición haga avanzar la historia. Los desperfectos se mantienen, las situaciones evolucionan y los personajes deben enfrentarse a un escenario que, aunque temporalmente vuelve al principio, ya no es exactamente el mismo.

Este planteamiento convierte lo que podría haber sido una sucesión de gags repetitivos en un mecanismo narrativo mucho más elaborado. Cada nuevo ciclo tiene sentido, aporta información y abre posibilidades que antes no existían. El espectador empieza a anticipar qué puede suceder, pero la película encuentra la manera de sorprendernos de nuevo.

Y ahí reside buena parte de su mérito: en comprender que una buena idea no basta por sí sola. Hay que saber establecer unas reglas, respetarlas y exprimirlas con inteligencia durante todo el metraje. 5 minutos más lo consigue con una naturalidad admirable.

Un ejercicio de estilo visual con mucho sentido

Otro de los aspectos más llamativos de la película es su apuesta formal. Las escenas están planteadas como planos secuencia, con sus particularidades, variaciones y pequeñas filigranas visuales. La repetición de un mismo intervalo temporal ofrece, además, una oportunidad estupenda para jugar con los movimientos de cámara, las posiciones de los personajes y las diferencias entre una vuelta y la siguiente.

La propuesta incluye también algunos recursos técnicos muy llamativos, con drones y soluciones visuales que enriquecen la puesta en escena. Hay momentos en los que resulta inevitable detenerse a pensar en la planificación que debe haber detrás de determinadas secuencias. No es únicamente una cuestión de exhibir músculo técnico: el dispositivo visual está al servicio de una historia que necesita mostrar cómo el mismo espacio y el mismo tiempo pueden transformarse de una repetición a otra.

Javier Ruiz Caldera demuestra una vez más su habilidad para moverse en terrenos donde el espectáculo, el ritmo y la comedia necesitan funcionar al unísono. La realización tiene personalidad, pero nunca pierde de vista lo verdaderamente importante: que el espectador disfrute de lo que está viendo y que cada decisión formal contribuya a la experiencia.

Ciencia ficción negra, sí; pero también una comedia desatada

El director comentaba que no entiende por qué la gente se ríe con la película, porque, al fin y al cabo, estamos ante ciencia ficción. Y, en cierto modo, tiene razón. Bajo las situaciones disparatadas hay una construcción fantástica que necesita coherencia interna. El guión no utiliza el bucle como una excusa para encadenar ocurrencias sin sentido, sino como el motor de una historia que se sostiene sobre sus propias reglas.

Pero sería absurdo ignorar el otro gran ingrediente de la fórmula: el humor.Humor negrisimo, además.

Berto Romero conoce perfectamente el potencial cómico de las situaciones imposibles y sabe cómo aprovechar las particularidades del género para llevarlas un paso más allá. La gracia no surge únicamente de ver a los personajes atrapados en una situación absurda, sino de observar cómo intentan gestionarla cuando las consecuencias empiezan a acumularse. Lo fantástico y lo cotidiano chocan constantemente, generando situaciones cada vez más delirantes.

Lo mejor es que la película no se agota. Cuando uno podría pensar que ya ha entendido el mecanismo y que las repeticiones van a empezar a resultar redundantes, aparece una nueva variación que refresca la propuesta. El ritmo funciona, la historia avanza y siempre queda alguna sorpresa por descubrir en el siguiente ciclo.

Y sí, uno se ríe muchísimo. De esas carcajadas que llegan cuando menos te lo esperas y que hacen que una secuencia ya de por sí ingeniosa termine convirtiéndose en uno de los grandes momentos de la película.

Un trío protagonista en estado de gracia

Si el concepto funciona y la puesta en escena acompaña, el reparto termina de redondear la jugada. Berto Romero, Belén Cuesta y Javier Cámara forman un trío que funciona a las mil maravillas, con una química que permite que las situaciones más absurdas resulten completamente naturales dentro de las reglas de la película.

Berto demuestra que su particular sentido del humor encaja perfectamente con la ciencia ficción. Su interpretación se integra en un universo que parece diseñado para alguien que disfruta tanto de las posibilidades narrativas del género como de sus convenciones más reconocibles.

Belén Cuesta completa el conjunto con una presencia que ayuda a mantener el equilibrio entre los personajes y las distintas situaciones que plantea el guion. Su participación resulta fundamental para que la película no dependa exclusivamente de un único registro cómico.

Pero quien está especialmente sembrado es Javier Cámara. El actor está divertidísimo, aprovechando cada situación y demostrando una vez más su enorme capacidad para la comedia. Tiene ese talento para encontrar el punto exacto de una escena, jugar con los tiempos y convertir una reacción o un gesto en algo memorable. Cada vez que la película le da espacio, consigue sacar petróleo.

Los tres están muy bien, pero Cámara merece una mención especial. Su trabajo es uno de esos elementos que elevan una comedia que ya funcionaría por su premisa y su guion.

Una de las grandes sorpresas de Sitges 2026

5 minutos más es una de esas películas que te reconcilian con la capacidad del cine para sorprenderte incluso cuando parte de una idea que creías conocer. No inventa necesariamente el concepto del bucle temporal, pero encuentra una variación lo suficientemente inteligente como para construir algo propio. A partir de ahí, desarrolla sus posibilidades con imaginación, precisión técnica y un sentido del ritmo envidiable.

Su mayor virtud es que todas las piezas encajan. La ciencia ficción tiene unas reglas reconocibles, el guion sabe cómo utilizarlas, la puesta en escena aporta personalidad y los actores consiguen que todo resulte todavía más divertido. No hay sensación de estar viendo un simple ejercicio de estilo ni una comedia que se limita a repetir el mismo chiste con distintas variaciones.

Al contrario: cada repetición aporta algo, cada decisión tiene consecuencias y la película consigue mantener el interés hasta el final. Es entretenida, ingeniosa y tremendamente divertida, pero también demuestra un cuidado por su planteamiento que merece ser destacado.

En un festival como Sitges, donde uno puede encontrarse propuestas de todo tipo y donde las expectativas a veces juegan malas pasadas, toparse con una película así es una auténtica alegría. Junto a HOPE, ha sido uno de los platos fuertes de la jornada y, seguramente, una de las mejores películas que he visto en lo que llevamos de festival.

Y lo mejor es que no me apetece quedármela para mí. Quiero que la vea todo el mundo: familiares, amigos, conocidos e incluso el señor que tienes delante en la cola para comprar un café. Porque pocas cosas hay más satisfactorias que salir del cine sabiendo que tienes una recomendación que probablemente va a funcionar.

5 minutos más es una comedia de ciencia ficción brillante, técnicamente juguetona y con un reparto en estado de gracia. Una de las grandes sorpresas de Sitges 2026 y una película que estoy deseando recomendar a todo el mundo.

HOPE es una auténtica locura surcoreana que empieza como una película de monstruos y termina convirtiéndose en un festival de destrucción, persecuciones imposibles y situaciones tan absurdas que uno no sabe si está viendo una película de ciencia ficción o si alguien ha decidido llevar al cine la partida más delirante de su vida.

De hecho, especialmente durante el primer tercio, la película podría pasar perfectamente por un videojuego. La presentación de los personajes, la investigación de la amenaza y la manera en que se van sucediendo los acontecimientos recuerdan a una aventura de acción en la que empiezas explorando un pequeño pueblo y acabas desbloqueando enemigos cada vez más peligrosos. Solo falta que aparezca en pantalla el típico mensaje de «Nueva misión desbloqueada». Una sensación que se refuerza con el diseño de las criaturas y la progresiva escalada de los acontecimientos.

Humor absurdo y espectáculo sin límites

Porque si algo tiene HOPE es una capacidad descomunal para llevarlo todo al extremo. Las escenas de acción son grandilocuentes, gigantescas y técnicamente apabullantes, con ese humor absurdo tan propio del cine surcoreano que consigue que, entre el caos y la tensión, te preguntes qué demonios estás viendo. Los personajes reaccionan ante situaciones demenciales con una mezcla de dramatismo, violencia y decisiones cuestionables que forman parte del peculiar encanto de la propuesta.

El despliegue técnico es una auténtica barbaridad. La película consigue crear un universo cada vez más desquiciado y llevar sus enfrentamientos a una escala monumental. Entre las criaturas, los escenarios y las secuencias de acción, hay momentos en los que parece que Na Hong-jin haya recibido un presupuesto ilimitado y la orden expresa de gastárselo absolutamente todo.

Fassbender y Vikander, en versión digital

También resulta curiosa la presencia de Michael Fassbender y Alicia Vikander, que aparecen transformados digitalmente para interpretar a sus personajes alienígenas. Una apuesta que encaja con el tono de la película, aunque el CGI canta bastante en algunos momentos y provoca que sus apariciones tengan cierto aspecto de cinemática de videojuego. No es algo que arruine la experiencia, pero sí que llama la atención en una producción que apuesta tan fuerte por el espectáculo visual.

Cuando la partida se hace demasiado larga

El problema es que tanta espectacularidad termina jugando en su contra. La primera persecución por el pueblo es impresionante, pero después llegan el bosque y la autopista, y la película insiste tanto en estirar sus secuencias de acción que lo que inicialmente te deja con la boca abierta termina haciéndose largo y algo repetitivo. Hay momentos en los que parece que llevas media hora intentando superar la misma fase, con enemigos cada vez más grandes y explosiones cada vez más aparatosas.

Y es una pena, porque detrás de semejante despliegue hay un universo que despierta bastante curiosidad. Entre tanto monstruo, carrera y destrozo, uno acaba teniendo más ganas de conocer el lore de estas criaturas y descubrir qué está pasando realmente que de contemplar otra persecución kilométrica. ¡Queremos información, queremos contexto y queremos saber qué demonios está pasando! Aunque, visto lo visto, seguramente nos lo explicarían durante una pelea de cuarenta minutos contra un bicho del tamaño de un edificio.

Un espectáculo al que le sobran unos cuantos minutos

En definitiva, HOPE es una pasada técnica, una marcianada monumental y una experiencia de esas que solo el cine surcoreano parece capaz de servir con semejante desvergüenza. Una locura visual que mezcla ciencia ficción, humor absurdo y acción desatada, con una primera parte que parece sacada directamente de un videojuego y un espectáculo que, pese a sus excesos, resulta difícil de ignorar.

Eso sí, le habría venido bien recortar algunas secuencias para evitar que tanta espectacularidad terminase jugando en su contra. Porque sí, queremos monstruos gigantes, alienígenas digitales y situaciones absurdas a niveles estratosféricos, pero tampoco hace falta que cada persecución sea el jefe final de nuestra paciencia.

Sinopsis

En una conocida prisión, una fuerza invisible comienza a matar brutalmente a los reclusos, obligando a las bandas enemigas y a los guardias corruptos a trabajar juntos mientras intentan sobrevivir al creciente derramamiento de sangre.

Director

Joko Anwar

Guionista

Productor

Tia Hasibuan

Casting

Abimana Aryasatya, Bront Palarae, Dimas Danang, Endy Arfian, Lukman Sardi, Mike Lucock, Yoga Pratama, Morgan Oey, Aming Sugandhi, Rio Dewanto, Tora Sudiro, Almanzo Konoralma, Kiki Narendra, Haydar Salishz, Arswendy Bening Swara, Dewa Dayana, Faiz Vishal, Ho Yuhang, Magistus Miftah, Ical Tanjung, Farrell Rafisqy, Radja Nasution, Tony Merle, Marissa Anita, Makho, Bunga Aurellie, Macho Hungan, Totong Ardianto, Mardiyono Sulaiman, R. Ari Riski Ananda, Rey Ambon, Stevi Ferdinandus, Sandy Sofyan, Tony Ortega, Surthy Key, Saleh Ceper, Elvin Martunus, Sapta Taliwang, Imam Pras, Adli Manoppo, Van Jhoov, Dicky Syahputra, Melkias Ronald Torobi, Wisnu Dwi, Muhamad Kaisar, Kemok’s, Qmaunk Stunt, Jack Babon, Ben Nugroho, Mohammad Athhar Arsaputra, Dzaldy Mastira, Meilina Gardena, Khanza Makayla Alesha, Darryl Regan Agitrian

Género

Terror, Comedia, Suspense

Duración

106 minutos

Fecha de estreno

2026/04/16

SECCIÓ OFICIAL FANTÀSTIC A COMPETICIÓ

Jurat/Jurado/Jury: Giona Nazzaro, Valeria Vegas, Andy Starke, Alex Litvak i Merry Colomer

Millor Pel·lícula de la SOFC (patrocinat per Cupra amb dotació econòmica) / Mejor Película de la SOFC (patrocinado por Cupra con dotación económica) / Best Feature Film in the SOFC (sponsored by Cupra with a financial award)

Sanguine, de Marion Le Corroller

Premi Especial del Jurat de la Secció Oficial Fantàstic / Premio Especial del Jurado de la Sección Oficial Fantàstic / Special Jury Award in the Official Fantàstic Selection 

Drag,de Greg Yagolnitzer i Raviv Ullman

Millor Direcció de la SOFC (patrocinat per Moritz) / Mejor Dirección de la SOFC (patrocinado por Moritz) / Best Direction in the SOFC (sponsored by Moritz)

Joko Anwar, per Ghost in the Cell

Millor Interpretació Femenina de la SOFC / Mejor Interpretación Femenina de la SOFC / Best Actress in the SOFC

Jasmine Trinca, per The Spiral

Millor Interpretació Masculina de la SOFC (patrocinat per Planet Horror) / Mejor Interpretación Masculina de la SOFC (patrocinado por Planet Horror) / Best Actor in the SOFC (sponsored by Planet Horror)

Benoît Magimel, per Historias de la noche (The Birthday Party)

Millor Guió de la SOFC (patrocinat per Caixabank) / Mejor Guion de la SOFC (patrocinado por Caixabank) / Best Screenplay in the SOFC (sponsored by Caixabank)

Buddy, de Casper Kelly i Jamie King

Millor Fotografia de la SOFC / Mejor Fotografía de la SOFC / Best Cinematography in the SOFC

Océano Titánico, per Raphaël Vandenbussche

Millor Música de la SOFC / Mejor Música de la SOFC / Best Music in the SOFC

River, per Mondo Boys

Millors Efectes Especials, Visuals o de Maquillatge de la SOFC / Mejores Efectos Especiales, Visuales o de Maquillaje de la SOFC / Best Special, Visual or Makeup Effects in the SOFC

Colony, per Hong Jeong-ho

Premi Citizen Kane al Director Revelació/ Premio Citizen Kane al Director Revelación / Citizen Kane Award to the Best New Director

Leviticus, per Adrian Chiarella

NOVES VISIONS

Jurat/Jurado/Jury: Juan Daniel Fernández Molero, Jeff Goodwin, Gabriela Martí

Millor Pel·lícula de la secció Noves Visions / Mejor Película de la sección Noves Visions / Best Film in the Noves Visions section

Hen, de Nico Scheepers

Millor Direcció de la secció Noves Visions / Mejor Dirección de la sección Noves Visions / Best Direction in the Noves Visions section (ex aequo)

La muerte de Drácula, per Fernando Martínez i Juan González (Burnin’ Percebes)

Familia teme enfrentar una nueva noche de terror, de Cristian Ponce

Millor Curt Noves Visions Petit Format / Mejor Corto Noves Visions Petit Format / Best Short film Noves Visions Petit Format (ex aequo)

Snakes in Lace, de Martina Pavlíková

NOIZE, de Javier Rodríguez Pino

ÒRBITA

Jurat/Jurado/Jury: Pablo Guisa, Bob Murawski, Natasha Durán

Millor Pel·lícula de la Secció Òrbita / Mejor Pel·lícula de la Sección Òrbita / Best Feature Film in the Òrbita section

Gummy, de Javi Prada

ANIMA’T

Jurat/Jurado/Jury: Hugh Welchman, Chelo Loureiro, Mary Yanko

Millor Llargmetratge d’Animació de la Secció Anima’t / Mejor Largometraje de Animación de la Sección Anima’t / Best Animated Feature Film in the Anima’t section

We Are Aliens, de Kohei Kadowaki

Millor Curtmetratge d’Animació de la Secció Anima’t / Mejor Cortometraje de Animación de la Sección Anima’t / Best Animated Short Film in the Anima’t section

The Flesh Dress, de Joachim Hérissé

MÉLIÈS D’OR / MÉLIÈS DE ORO / GOLDEN MÉLIÈS AWARD

Jurat/Jurado/Jury: Fernando de Felipe, Mihai Chirilov, Nicole McControversy

Premi Méliès d’Or a la Millor Pel·lícula de Gènere Fantàstic / Premio Méliès de Oro a la Mejor Película de Género Fantástico / Golden Méliès Award for the Best Fantastic Genre Feature Film 

Feels Like Home, de Gábor Holtai
 

Premi Méliès d’Or al Millor Curtmetratge de Gènere Fantàstic / Premio Méliès de Oro al Mejor Cortometraje de Género Fantástico / Golden Méliès Award for the Best Short Film Genre Feature Film

The Old Lady and the Eternity, de Marc Martínez Jordán

MÉLIÈS DE PLATA / MÉLIÈS D’ARGENT / SILVER MÉLIÈS AWARD

Jurat/Jurado/Jury: Fred Neuen, Shaun S. Sutton, Inga Headland Seppala

Premi Méliès d’Argent a la Millor Pel·lícula de Gènere Fantàstic / Premio Méliès de Plata a la Mejor Película de Género Fantástico / Méliès d’Argent Award for the Best Fantastic Genre Feature Film

The Spiral, de Paolo Strippoli

Premi Méliès d’Argent al Millor Curt Europeu de Gènere Fantàstic / Premio Méliès de Plata al Mejor Corto Europeo de Género Fantástico / Méliès d’Argent Award for the Best European Fantasy Genre Short Film

El moribundo, de Laura Guerricaechevarría

BRIGADOON

Jurat/Jurado/Jury: Sabina Pujol, Silvia Superstar, José Luis Salvador Estébenez

Premi Brigadoon Paul Naschy al Millor Curt / Premio Brigadoon Paul Naschy al Mejor Corto / Brigadoon Paul Naschy Award for the Best Short Film

The Last Snow, de Rodolphe Bouquet-Populus

SITGES DOCUMENTA

Jurat/Jurado/Jury: Pablo Guisa, Bob Murawski, Natasha Durán

Millor Pel·lícula Sitges Documenta / Mejor Película Sitges Documenta / Best Sitges Documenta Film

«Dernsie» La vida increíble de Bruce Dern, de Mike Mendez

JURAT DE LA CRÍTICA FIPRESCI / JURADO DE LA CRÍTICA FIPRESCI / FIPRESCI CRITIC’S JURY

Jurat/Jurado/Jury:Raquel Abad, Eirik Bull, Emanuele Di Nicola

Premi FIPRESCI José Luis Guarner/ Premio FIPRESCI José Luis Guarner / José Luis Guarner FIPRESCI Award

The Incomer, de Louis Paxton

JURAT CARNET JOVE / JURADO CARNET JOVE / CARNET JOVE JURY

Jurat/Jurado/Jury: Anna Rodellas Gràcia, Hug Banqué Majó, Naomi Lladó Quer, Nerea Itsaso, Noah Aznar Canorea

Premi Jurat Carnet Jove a la Millor Pel·lícula SOFC / Premio Jurado Carnet Jove a la Mejor Película SOFC / Carnet Jove Jury Award for Best Feature Film in the SOFC

Ghost in the Cell, de Joko Anwar

SGAE NOVA AUTORIA

Jurat/Jurado/Jury: Mikel Gurrea, Laia Aguilar, Roque Baños

Premis SGAE Nova Autoria: Millor Direcció-Realització / Premios SGAE Nova Autoria: Millor Direcció-Realització / SGAE Nova Autoria Awards: Best Direction-Production

Dissecció d’una incoherència en crisi, per Nausica Serra

Premis SGAE Nova Autoria: Millor Guió / Premios SGAE Nova Autoria: Mejor Guion / SGAE Nova Autoria Awards: Best Screenplay

Amor comestible, per Diana Magallón

Premis SGAE Nova Autoria: Millor Música Original / Premios SGAE Nova Autoria: Mejor Música Original / SGAE Nova Autoria Awards: Best Original Music

Amber Lights, per Pablo Garayoa i Lídia Grau

PREMIS DEL PÚBLIC / PREMIOS DEL PÚBLICO / PEOPLE’S CHOICE AWARD

Gran Premi del Públic a la Millor Pel·lícula de la SOFC (patrocinat per La Vanguardia) / Gran Premio del Público a la Mejor Película de la SOFC (patrocinado por La Vanguardia) / Grand People’s Choice Award for Best Feature film in the SOFC (sponsored by La Vanguardia)

Wildwood, de Travis Knight

Premi del Públic a la Millor Pel·lícula de la Secció Panorama / Premio del Público a la Mejor Película de la Sección Panorama / People’s Choice Award for Best Feature film in the Panorama Section

The Fox, de Dario Russo

Premi del Públic a la Millor Pel·lícula de la Secció Midnight X-Treme / Premio del Público a la Mejor Película de la Sección Midnight X-Treme / People’s Choice Award for Best Feature film in the Midnight X-Treme Section

Kung Fu Deadly, de Fergal Costello

Premi del Públic a la Millor Pel·lícula Blood Window / Premio del Público a la Mejor Película Blood Window / / People’s Choice Award for Best Feature film Blood Window

No Salgas, de Victoria Linares

Premi del Públic a la Millor Pel·lícula de Focus Asia / Premio del Público a la Mejor Película de Focus Asia / People’s Choice Award for Best Feature film in Focus Asia

Blades of the Guardians: Wind Rises in the Desert, de Yuen Woo-ping

La nueva película de Laika, el estudio responsable de maravillas como Coraline y Kubo y las dos cuerdas mágicas, está dirigida por Travis Knight y nos transporta a un universo fantástico que parece salido de un cuento de esos que te gustaría descubrir cuando eras pequeño, pero que también puedes disfrutar perfectamente de adulto.

Y es que, si algo demuestra Wildwood, es que todavía hay espacio para la imaginación desbordante, las aventuras épicas y ese cine que consigue maravillarte sin necesidad de recurrir a fórmulas prefabricadas.

Narnia, El señor de los anillos y mucho más

Si tuviera que definir Wildwood con dos referencias cinematográficas, serían Las crónicas de Narnia y El señor de los anillos o incluso Dentro del Laberinto. Estamos ante una aventura fantástica de las que te sumergen en un mundo propio, repleto de criaturas extraordinarias, personajes peculiares y peligros que van mucho más allá de lo que imaginaban sus protagonistas.

La historia nos presenta a Prue, una chica que se adentra junto a su amigo Curtis en un bosque mágico para rescatar a su hermano pequeño, secuestrado por unos cuervos. Lo que comienza como una aventura desesperada acaba convirtiéndose en un viaje por un mundo fascinante, donde nunca sabes qué personaje o qué criatura te vas a encontrar a continuación.

Pero la película no se queda ahí. También encontramos numerosos homenajes y referencias a otras obras, desde Los pájaros, de Alfred Hitchcock, hasta Star Wars, pasando por muchas otras influencias que los amantes del cine disfrutarán descubriendo.

Lo interesante es que no se limita a copiar referentes, sino que los integra dentro de un universo con personalidad propia. Wildwood sabe de dónde viene, conoce la tradición del cine fantástico y juega con ella para construir una aventura que tiene suficiente identidad como para funcionar por sí misma.

Un desfile de personajes con carisma

Uno de los grandes aciertos de Wildwood es que prácticamente todos sus personajes tienen carisma. Desde los rebeldes hasta Curtis, pasando por la sorprendente Septima, una rata que consigue hacerse un hueco entre los personajes más memorables de la función.Todos ellos con voces de actores reconocidísimos como Mahershala Ali, Jacob Tremblay, Angela Bassett, Carey Mulligan o Akwafina.

La película tiene la virtud de conseguir que sus habitantes resulten interesantes, incluso cuando aparecen en pantalla durante poco tiempo. Hay personalidad, diseños imaginativos y una galería de personajes que contribuye a que este mundo fantástico parezca mucho más grande de lo que vemos.

Y eso es fundamental en una aventura de estas características. No basta con tener un universo visualmente atractivo: necesitas personajes que te importen y con los que te apetezca seguir viajando. Wildwood lo consigue, y esa es una de las razones por las que resulta tan fácil dejarse llevar por su historia.

La mejor película Stop-motion de la historia

Si hay algo que destacar es el trabajo visual. La animación stop-motion sigue siendo una auténtica maravilla, especialmente en una época en la que gran parte del cine de animación apuesta por imágenes generadas por ordenador.

Laika demuestra una vez más que el trabajo artesanal tiene una personalidad difícil de igualar. Los escenarios, las criaturas, las texturas y los pequeños detalles contribuyen a dar vida a un mundo que parece tener una existencia propia. No se trata solamente de que todo sea bonito o espectacular, sino de que cada rincón transmite una identidad visual muy particular.

Wildwood es una de esas películas que invitan a dejarse llevar por las imágenes y disfrutar del viaje. Un despliegue de imaginación que demuestra que todavía se pueden crear mundos fantásticos con personalidad propia.

Pero, por encima de todo, por encima de la historia, de los personajes, de las referencias cinematográficas y de su maravilloso universo, hay que destacar el trabajo de los animadores. Y aquí es donde Wildwood se convierte en algo todavía más especial.

Es sin duda (y lo hemos escuchado en Sitges varias veces) la mejor película de stop-motion de la historia.

¡Que le den por el culo a la IA!

Os recomiendo encarecidamente que os quedéis hasta el final de los créditos. No os vayáis cuando empiecen a desfilar los nombres. Hay unos segundos en los que se resume parte del trabajo que hay detrás de una película como esta y, sinceramente, me han emocionado tanto como la propia película.

Ver todo ese esfuerzo condensado en unos instantes te hace tomar conciencia de la auténtica barbaridad que supone levantar una producción de estas características.

Como dijo el animador que salió a presentar la película: «¡Que le den por el culo a la IA!». Y qué queréis que os diga, la frase me parece una declaración de intenciones estupenda en el contexto de una obra como esta.

Estamos hablando de entre cinco y seis años de trabajo, de una auténtica locura artesanal, de un esfuerzo colectivo que resulta difícil incluso de imaginar. Cada movimiento, cada gesto y cada pequeño detalle requieren una dedicación y una paciencia extraordinarias. Los animadores tienen que dar vida a sus personajes fotograma a fotograma, moviendo físicamente las figuras y construyendo una ilusión de movimiento que, cuando vemos la película terminada, parece surgir de manera natural.

En un momento en el que parece que todo tiene que hacerse más rápido, más barato y de forma automática, Wildwood es un monumento al trabajo humano. Un homenaje a los artistas que dedican años de su vida a dar movimiento y alma a unos muñecos, con una pasión que traspasa la pantalla.

Porque la tecnología puede abrir muchas puertas, pero hay algo profundamente emocionante en contemplar una obra creada con semejante dedicación, cariño y amor por el oficio. Y esos segundos finales son la mejor demostración de ello.

Quedaos hasta el final. De verdad. Es una de esas pequeñas experiencias que te reconcilian con el cine y te recuerdan que, detrás de las imágenes, hay personas que han dejado una parte de sí mismas para hacerlas posibles.

Una banda sonora de Oscar

Y si el apartado visual es una maravilla, la música no se queda atrás. Tanto la banda sonora como las canciones son increíbles y contribuyen enormemente a construir la magia de este mundo.

No son un simple acompañamiento de las imágenes, sino una parte fundamental de la experiencia. La música consigue elevar los momentos de aventura, reforzar la emoción y dar todavía más personalidad a una película que ya destaca en prácticamente todos sus apartados.

Y aquí voy a mojarme: Wildwood debe ganar —y ganará— el Oscar a mejor película de animación. Así de claro. Después de verla, me cuesta imaginar una candidata que pueda hacerle sombra. Es una película que combina imaginación, personalidad, un universo visual extraordinario y un trabajo artesanal descomunal que merece todo el reconocimiento posible.

Además, no descartaría que también pudiera llevarse alguna estatuilla por su apartado musical. Tanto la banda sonora como las canciones tienen calidad suficiente para entrar en esa conversación. Ojalá la Academia sepa reconocer todo lo que hay detrás de una producción así.

Porque Wildwood no es solamente una gran película de animación: es una reivindicación del talento, de la creatividad y del trabajo de cientos de personas que han dedicado años de su vida a hacerla realidad.

Una aventura para disfrutar en familia

Uno de los grandes placeres de esta sesión fue poder compartirla con la familia. Sitges es un festival que solemos vivir de una manera bastante particular, encadenando películas, horarios imposibles y sesiones que a veces nos dejan el cerebro del revés. Poder sentarnos todos juntos en el Auditori para disfrutar de una aventura como esta fue una manera estupenda de cerrar la edición.

Porque Wildwood tiene suficiente personalidad para atraer al público adulto y a los aficionados a la fantasía, pero también conserva ese espíritu de aventura que permite disfrutarla en familia. Es cine fantástico en el sentido más bonito de la expresión: una invitación a descubrir otros mundos y dejar volar la imaginación.

Y no deja de ser especial poder compartir con los niños una película que apuesta por la imaginación, el trabajo artesanal y la creación de un universo propio. Una experiencia que va más allá de sentarse a ver una pantalla.

Una despedida de lujo para Sitges 2026

Y así termina mi festival. Bueno, en realidad termina antes de lo previsto, porque he pillado el clásico catarro de Sitges y ya no estoy para demasiadas alegrías. El cuerpo ha dicho basta y toca volver a casa a recuperarse.

Pero, si tenía que despedirme, hacerlo con Wildwood ha sido una auténtica maravilla. Además, hemos podido visitar las paradetas de la playa y disfrutar de algunos de esos pequeños momentos familiares que también forman parte de la experiencia festivalera.

Laika vuelve a demostrar que sigue siendo uno de los estudios más especiales del panorama de la animación. Entre su universo fantástico, sus personajes carismáticos, sus múltiples referencias cinematográficas, su extraordinaria música y, sobre todo, el trabajo titánico de sus animadores, estamos ante una película que invita a disfrutar del cine sin complejos.

Me guardo Wildwood como una de las grandes alegrías de esta edición y como una despedida perfecta para un Sitges que, con sus más y sus menos, siempre consigue regalarnos alguna película que justifica el viaje.

Y si finalmente acaba llevándose el Oscar a mejor película de animación, que nadie diga que no lo avisamos desde Sitges.

Wildwood: una gran sesión en familia

Para despedirnos, hemos ido a ver Wildwood con la familia. Nos hemos reservado esta sesión para que puedan disfrutar, por fin, de una gran película en el Auditori, como mandan los cánones festivaleros.

¿El resultado? Una maravilla. No me extenderé demasiado por aquí porque le dedicaré una review aparte, pero ya os adelanto que se cuela entre mis favoritas de esta edición. Una despedida de lujo.

Después hemos podido dar una vuelta por las paradetas de la playa, que siempre tienen su encanto, y nos han invitado a probar el escape room de Planet Horror. Al final no hemos podido entrar, pero desde aquí, ¡muchas gracias por la invitación! Queda pendiente para la próxima.

También ha caído una hamburguesilla en los food trucks, que a estas alturas del festival ya es casi parte de la dieta oficial del festivalero.

Blood Red Carpet y un reencuentro pendiente

Hemos podido ver la Blood Red Carpet, donde se premia a jóvenes talentos prometedores de la interpretación y la dirección. Y aquí me ha quedado una pequeña espinita: no he conseguido encontrarme con mi colega y director Dani M. Caneiro, que precisamente fue nombrado Mejor Director Promesa en esta misma Blood Red Carpet hace unos años.

El festival seguía bastante animado, con una buena cantidad de gente por las instalaciones, y hemos aguantado hasta las 23:30. A esa hora, con el catarro haciendo estragos, ya no había mucho más que pensar: directos para casa y a descansar.

Balance de Sitges 2026: ni fu ni fa

Y así termina una edición un tanto extraña. No he encontrado grandes películas que me hayan volado la cabeza, pero tampoco me he topado con grandes mierdas de esas que te hacen cuestionarte tus decisiones vitales mientras miras el reloj cada cinco minutos.

Una edición de esas que se quedan en la media habitual de las tres estrellas. Películas correctas, algunas propuestas interesantes y poco más. Sin grandes decepciones, pero también sin demasiadas alegrías.

Eso sí, creo que he cometido un error. En mi afán por evitar los tostones, he pecado de conservador y he apostado demasiado sobre seguro. Y, por lo que he ido leyendo y escuchando estos días, me he perdido algunas películas que parecen haber merecido bastante la pena, como Ghost in the Cell, River o The Spiral.

A veces, en Sitges, hay que arriesgarse un poco más. Porque sí, puedes acabar viendo un ladrillo de dos horas y pico, pero también puedes descubrir una de esas joyas inesperadas que justifican todo el viaje.

El año pasado me la jugué con una película sin apenas información, nadie me hizo caso… y acabó resultando ser una de las mejores películas de terror de la década. Me refiero a Obsession.

Mis favoritas de esta edición

Si tengo que quedarme con tres títulos, mi podio particular queda así:

• HOPE: una de las propuestas que más he disfrutado este año.
• 5 MINUTOS MÁS: una sorpresa que merece mucho la pena.
• WILDWOOD: la maravillosa despedida que me llevo de esta edición.

Tres películas que, cada una a su manera, han conseguido destacar en un festival que, en conjunto, me ha dejado una sensación bastante tibia.

Y hasta aquí mi diario festivalero de 2026. Otro año más de películas, colas, acreditaciones, carreras de una sala a otra, encuentros frustrados, anécdotas y ese ambiente tan especial que solo se vive en Sitges.

Este año me voy con un catarro, alguna espinita clavada y la sensación de que podría haber arriesgado un poquito más. Pero también con buenos recuerdos y tres películas que justifican el viaje.

¡Hasta el año que viene, Sitges!

ONSLAUGHT (ANIQUILACIÓN): ADAMA WINGARD JUEGA SOBRE SEGURO

Empezamos con Onslaught (Aniquilación), de Adam Wingard, una película que mezcla científicos nazis desquiciados, terminators y una especie de Sarah Connor dispuesta a repartir estopa. Una propuesta de acción entretenida que no pretende reinventar la rueda, pero que sabe perfectamente a qué juega.

Wingard es un director que me genera sentimientos encontrados. A veces me encanta y otras me entran ganas de preguntarle qué demonios estaba pensando. Aquí juega sobre seguro, sin forzar demasiado la máquina ni arriesgar más de la cuenta. El resultado es una película disfrutable, de esas que te permiten desconectar un rato y dejarte llevar por la acción.

Eso sí, hay cosas que uno no olvida fácilmente. The Guest me encantó y hasta le compro Godzilla vs. Kong, pero lo que hizo con Blair Witch no se lo perdonaré jamás. Hay crímenes cinematográficos que prescriben y otros que deberían perseguirte hasta el final de tus días.

DANNY DEVITO: EL MITO (EN TODOS LOS SENTIDOS MENOS UNO)

Después de la película, tocaba uno de los momentos importantes del día: el photocall de Danny DeVito. El mito. La leyenda. Un grandísimo actor, en sentido metafórico, porque físicamente mide 147 centímetros.

Pocas presentaciones necesita alguien como DeVito, cuya trayectoria habla por sí sola. Pero más allá de su carrera, lo mejor ha sido verlo desenvolverse ante la prensa. Ha venido a pasarlo bien y se le nota. Cercano, simpático y con ese saber estar que hace que un photocall sea mucho más que una sucesión de fotografías y preguntas de compromiso.

Hay estrellas que parecen estar cumpliendo una condena cada vez que tienen que atender a los medios. Y luego está Danny DeVito, que transmite la sensación de estar disfrutando del momento. Un auténtico placer tenerlo por Sitges.

TOKYO BURST

La siguiente parada ha sido Tokyo Burst, una película japonesa que mezcla mafia, yakuzas, policías algo corruptos y políticos todavía más corruptos. Vamos, que en el reparto de virtudes de sus personajes la honradez no parece haber tenido demasiada demanda.

La propuesta tiene sus ingredientes para funcionar y, sobre el papel, la mezcla podría dar bastante juego. El problema es que la película no termina de despegar. Si no fuera por el carisma de sus actores protagonistas, la cosa tendría bastante menos interés.

Se deja ver, pero tampoco es una de esas películas que te hagan salir de la sala con ganas de recomendarla a todo el mundo. Tiene sus momentos, tiene sus personajes y tiene su universo de mafiosos y corruptelas, pero le falta algo para terminar de enganchar. Una de esas películas que sobreviven, sobre todo, gracias a quienes aparecen en pantalla.

EL SAMURÁI Y EL PRISIONERO

Y llegamos al último pase del día: El samurái y el prisionero, de Kiyoshi Kurosawa. O, dicho de otra manera, la película con la que he descubierto que existe un límite para la cantidad de subtítulos que mi cerebro está dispuesto a procesar en una sola sesión.

En mi puta vida había leído tantos subtítulos. Qué desgaste. Qué tostón.

La primera hora ha sido una auténtica batalla de resistencia. Me he perdido varias veces, me he dormido y he vuelto a engancharme como he podido. Todo un ejercicio de supervivencia cinematográfica en el que, por momentos, parecía más importante mantener los ojos abiertos que seguir lo que estaba ocurriendo en pantalla.

Y entonces ha llegado el momento decisivo. Miro cuánto queda y descubro que todavía faltan 90 minutos.

Noventa. Minutos.

Ahí he entendido que aquello no era para mí. Hay películas que requieren paciencia, otras que necesitan que entres en su ritmo y algunas que seguramente merecen una segunda oportunidad. Pero también hay momentos en los que uno tiene que aceptar sus limitaciones y tomar decisiones por el bien de su salud mental.

Así que he decidido que El samurái y el prisionero no era mi película. Y me he largado a la Red Carpet.

Sin remordimientos. Sin mirar atrás. Y, sobre todo, sin más subtítulos.

RED CARPET: DEVITO Y FAMILIA, LADY SNOWBLOOD Y MÁS LEYENDAS

La escapada ha tenido su recompensa. En la Red Carpet hemos podido ver a Danny DeVito acompañado de su familia, además de la presencia de Lady Snowblood y del director de La maldición, entre muchos otros invitados.

Un buen cierre para una jornada en la que hemos pasado de los nazis y los terminators a los mafiosos japoneses, para acabar rodeados de leyendas del cine y figuras del fantástico.

Y es que Sitges tiene estas cosas: puedes empezar el día con una película de acción bastante resultona, encontrarte cara a cara con Danny DeVito y terminar huyendo de una película de tres horas para plantarte en una alfombra roja. Todo ello sin salir del festival.

Mañana, más. Porque en Sitges siempre hay otra película, otra cola y otra oportunidad de encontrarte con una leyenda. Y, si hay suerte, con menos subtítulos.

Al final, hemos conseguido arrancar la jornada y nos hemos metido entre pecho y espalda cuatro películas seguidas, todas de un nivel bastante aceptable. Vamos a repasarlas una a una, que hay cositas interesantes.

BUDDY

Imaginaos uno de esos programas infantiles de los años 90, en plan Teletubbies o Barrio Sésamo. Todo es colorido, los personajes tienen caras por todas partes, hasta la mochila tiene una, y el protagonista es un enorme peluche con forma de unicornio. Los niños juegan, cantan canciones y resuelven los problemas de la manera más inocente y buenrollista posible.

Hasta aquí, todo parece bastante normal. El problema es que alrededor de Buddy, el peluche protagonista, empiezan a ocurrir ciertas cosas bastante extrañas. Poco a poco, vas descubriendo que ese programa infantil es en realidad una especie de dimensión alternativa en la que los niños son absorbidos y los días van pasando de la manera más pesadillesca posible.

La idea es tan bizarra como extraña, pero también tremendamente original. Juega con ese contraste entre la inocencia de los programas infantiles y algo mucho más perturbador, consiguiendo que una premisa aparentemente absurda termine siendo una experiencia de lo más curiosa.

Nos lo hemos pasado muy bien con Buddy. De esas películas que te hacen pensar que alguien ha tenido una idea muy loca y ha decidido llevarla hasta sus últimas consecuencias. Y oye, ¡bien por ello!

Nota: 3/5

NO REST FOR THE WICKED

Seguimos con No Rest for the Wicked, una película ambientada en las islas Feroe y basada en una novela que aborda sin tapujos una primera relación homosexual.

La película trata el tema de manera abierta, natural y sin menospreciar en ningún momento a sus personajes. Es una propuesta pausada, preciosista y muy bien rodada, que apuesta por la sensibilidad y por dejar que las situaciones respiren. Visualmente tiene mucho encanto y se nota el cuidado puesto en la puesta en escena.

Ahora bien, hay que tener en cuenta un pequeño detalle: poner una película de estas características justo después de comer, a la hora de la siesta, quizá no sea la mejor decisión si tienes que mantenerte despierto después de llevar ya unas cuantas sesiones a tus espaldas.

Y eso es exactamente lo que me ha pasado. La película se me ha hecho muy, muy, muy pesada y, sinceramente, me he desmayado durante buena parte del metraje. Así que poco puedo decir sobre su desarrollo o su desenlace. No sería justo valorarla en profundidad cuando me he perdido buena parte de lo que contaba.

Me quedo con que es una propuesta interesante por su temática y su sensibilidad, pero hoy no era el día ni el momento para mí.

Sin nota: la siesta ha ganado por goleada.

NEVER AFTER DARK

La tercera película de la jornada ha sido Never After Dark, una historia de médiums y fantasmas que nos deja algún que otro sustito bastante resultón.

Estamos ante una propuesta que cumple razonablemente bien con su cometido. Tiene momentos interesantes, algún sobresalto bien colocado y suficientes elementos sobrenaturales para mantener la atención. El problema es que tampoco inventa absolutamente nada. Es una de esas películas que hemos visto ya unas cuantas veces, con mecanismos que nos resultan demasiado familiares.

Y, sobre todo, tiene un problema importante de construcción del misterio: cuando descubres el pastel, aproximadamente media hora antes del final, la película pierde buena parte de su interés. A partir de ese momento, ya sabes por dónde van a ir los tiros y lo único que te queda es esperar a que todo termine tal y como te imaginas.

No es que sea un desastre, ni mucho menos. Cumple, tiene algún susto guapo y puede entretener a quienes disfruten de las historias de fantasmas. Pero le falta ese elemento sorpresa que consiga diferenciarla de tantas otras películas del género.

De esas que ves, disfrutas moderadamente y probablemente olvidas al cabo de unos días.

Nota: 3/5

DREAMQUIL

Y cerramos la jornada con Dreamquil, protagonizada por Elizabeth Banks y John C. Reilly. Una película que parte de una premisa que podría haber dado bastante juego, con un futuro distópico que combina elementos de aspecto clásico con otros más futuristas.

Sobre el papel, la propuesta tiene posibilidades. El universo que plantea resulta interesante y hay ideas que podrían haber dado lugar a una historia original y con personalidad propia. El problema es que, mientras la estás viendo, resulta prácticamente imposible no pensar en Black Mirror.

Y no hablamos de un simple parecido puntual. Es que la película recuerda muchísimo a uno de esos capítulos de la serie, o incluso a varios de ellos mezclados y agitados en una coctelera. Esa sensación de estar viendo algo que ya conocemos termina pesando demasiado, especialmente cuando la historia parece recorrer caminos que la ficción televisiva ya ha explorado con bastante más mala leche.

Aun así, Dreamquill está bien. Es entretenida, tiene una premisa interesante y se deja ver sin problemas. No estamos ante una película fallida, pero tampoco ante una de esas propuestas que te hacen salir de la sala dándole vueltas a lo que acabas de ver.

En definitiva, una distopía entretenida a la que le falta personalidad para destacar por encima de sus referentes. Si no existiera Black Mirror, quizá estaríamos hablando de otra cosa. Pero existe, y las comparaciones son inevitables.

Nota: 3/5

Y hasta aquí el sexto día

Cuatro películas seguidas, una siesta cinematográfica involuntaria y una jornada en la que, sin haber visto ninguna obra maestra, tampoco hemos tenido que sufrir demasiado. Un día bastante digno, con propuestas curiosas y alguna que otra idea interesante, aunque sin grandes sorpresas.

Mañana no me pasaré por el festival. Toca descansar un poco, poner orden en todo lo visto y aprovechar para preparar algunas críticas más desarrolladas y extensas, que hay películas que merecen algo más que unas cuantas líneas en este diario festivalero.

Así que nos tomamos un pequeño respiro y volvemos el jueves con más cine, más Sitges y, esperemos, menos sustos con las entradas.

¡Hasta el jueves, festivaleros!

Hungry no pretende reinventar el cine de monstruos ni falta que le hace. Estamos ante uno de esos monster movies de manual, de los que uno pone una tarde cualquiera esperando ver a un bicho grande persiguiendo, aplastando y devorando humanos. Y, en ese sentido, cumple bastante bien.

UN HIPOPÓTAMO MUY CABREADO

El principal responsable de que la cosa funcione es, evidentemente, el hipopótamo. Aunque buena parte de la película transcurre en una oscuridad que parece diseñada específicamente para que no veamos demasiado, cuando el animal aparece resulta bastante convincente. El CGI no canta especialmente y el hipopótamo tiene el peso y la presencia necesarios para resultar una amenaza creíble.

Y no era sencillo. Estamos acostumbrados a que los monstruos cinematográficos tengan colmillos, garras, tentáculos o cualquier otra característica que grite «SOY UN MONSTRUO». Aquí tenemos, básicamente, a un hipopótamo cabreado, que en realidad ya es bastante terrorífico sin necesidad de mutaciones.

El problema es que Hungry tampoco tiene demasiadas ideas más allá de soltar al hipopótamo y poner personajes delante.

La historia nos resulta familiar desde el primer minuto. Grupo de personas se mete donde no debe, vuelcan la barca, quedan atrapado en un lugar del que no puede salir, criatura que aparece cuando menos conviene, personajes que se separan cuando deberían permanecer juntos y decisiones que desafían cualquier concepto conocido de instinto de supervivencia. Todo ello acompañado de esa inevitable sensación de «¿pero por qué coño haces eso?» que tanto hemos disfrutado en este tipo de películas.

MUCHO PANTANO Y POCA SORPRESA

El escenario, además, condiciona bastante la película. Aquí no hay carreras desesperadas por pasillos ni gente huyendo a toda velocidad: estamos en un pantano, así que toca nadar, chapotear y tratar de mantenerse a flote mientras sabes que debajo del agua puede aparecer una bestia de varias toneladas. Una situación que, sobre el papel, debería dar muchísimo más juego del que finalmente consigue sacarle la película.

Porque Hungry acaba resultando algo insulsa y repetitiva. Hay situaciones que se alargan más de la cuenta y una estructura bastante previsible, mientras que algunas decisiones de los personajes parecen estar diseñadas exclusivamente para conseguir que el hipopótamo tenga otra oportunidad de atacar.

Pero tampoco sería justo pedirle a Hungry lo que nunca ha prometido. Esto es cine de monstruos de usar y tirar, una de esas películas que probablemente no recordarás dentro de unos meses pero que, mientras la estás viendo, consigue darte exactamente lo que has venido a buscar.

Un hipopótamo cabreado. Gente intentando sobrevivir en un pantano. Agua por todas partes. Algún que otro mordisco. Decisiones absurdas y un bicho bastante bien conseguido haciendo lo que se espera de él.

No descubre absolutamente nada, pero tampoco pretende hacerlo. Tres estrellas sobre cinco para un monster movie que cumple, entretiene y te arregla una tarde, aunque probablemente al día siguiente ya estés pensando en otra cosa.

Sinopsis

Un matrimonio en crisis decide pasar un fin de semana de turismo rural en una casa aislada en el campo. Allí se reúnen con un encargado de la agencia que les enseña la casa y les entrega las llaves. Pero antes de que les deje solos, sucede una cosa extraordinaria: el mundo entero entra en un bucle temporal. Los últimos cinco minutos se repiten una y otra vez, como si saltara la aguja de un tocadiscos.

Director

Javier Ruiz Caldera

Guionista

Berto Romero

Productor

Edmon Roch, Laura Fernández Espeso, Berto Romero, Javier Méndez, Guillermo Farré, Fran Araújo

Casting

Berto Romero, Belén Cuesta, Javier Cámara, Carlos Bernardino, Marc Soler Rull, Cláudia Mello, Puchi Lagarde, Tian Tosas, Nia Tosas

Género

Fantasía, Comedia

Duración

92 minutos

Fecha de estreno

2027/01/22