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	<title>pablo &#8211; EspecialistaMike.com</title>
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	<description>Cine, Series, Frikadas</description>
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	<title>pablo &#8211; EspecialistaMike.com</title>
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		<title>REVISITANDO LA HISTORIA DEL CINE: HE NACIDO, PERO (1932)</title>
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		<dc:creator><![CDATA[pablo]]></dc:creator>
		<pubDate>Tue, 15 Sep 2020 05:39:44 +0000</pubDate>
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					<description><![CDATA[Película de cine mudo estrenada en 1932. Está dirigida por Yasujiro Ozu y protagonizada por Tatsuo Saitō, Tomio Aoki, Mitsuko Yoshikawa, Hideo Sugawara, Takeshi Sakamoto, Teruyo Hayami Seiichi, Kato Shoichi Kofujita y Seiji Nishimura. Es una película que me ha parecido muy interesante desde el aspecto argumental. En la película se reflexiona sobre los diferentes modos de autoridad: por un lado, los niños con sus compañeros del colegio en los que se sigue un sistema primitivo, basado en la fuerza (como el matón que asusta a los críos al principio) o la inteligencia (cuando los niños se convierten en los líderes de la pandilla. Por otro, a nivel familiar, la autoridad del padre sobre la familia y, luego, a nivel laboral y social, la autoridad que ejerce el jefe del padre sobre él (autoridad económica). En la película se observa cómo los niños van descubriendo esos diferentes modos de autoridad y tienen que asumir el último, el imperante, y asumir que su padre es una persona más pese a su papel de autoridad en la casa. El film termina con los niños resignándose a ese sistema y volviendo a la normalidad. De este modo, Ozu nos muestra la realidad cotidiana japonesa de esa época en diferentes campos, aunque principalmente escuela y hogar. Para ello se vale de planos medios y generales, así como una composición que coloca al objetivo a la altura del suelo, haciendo al espectador tenga una perspectiva paralela a los personajes. Es una historia cargada de humor y cierta crítica social que la hacen muy atractivas. Así que sí te llama el cine japonés, aventúrate en esta película de cine mudo de uno de los más grandes cineastas de ese cine.]]></description>
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<p class="wp-block-paragraph">Película de cine mudo estrenada en 1932. Está dirigida por Yasujiro Ozu y protagonizada por Tatsuo Saitō, Tomio Aoki, Mitsuko Yoshikawa, Hideo Sugawara, Takeshi Sakamoto, Teruyo Hayami Seiichi, Kato Shoichi Kofujita y Seiji Nishimura.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Es una película que me ha parecido muy interesante desde el aspecto argumental. En la película se reflexiona sobre los diferentes modos de autoridad: por un lado, los niños con sus compañeros del colegio en los que se sigue un sistema primitivo, basado en la fuerza (como el matón que asusta a los críos al principio) o la inteligencia (cuando los niños se convierten en los líderes de la pandilla. Por otro, a nivel familiar, la autoridad del padre sobre la familia y, luego, a nivel laboral y social, la autoridad que ejerce el jefe del padre sobre él (autoridad económica).</p>


<p class="wp-block-paragraph">En la película se observa cómo los niños van descubriendo esos diferentes modos de autoridad y tienen que asumir el último, el imperante, y asumir que su padre es una persona más pese a su papel de autoridad en la casa. El film termina con los niños resignándose a ese sistema y volviendo a la normalidad.</p>


<p class="wp-block-paragraph">De este modo, Ozu nos muestra la realidad cotidiana japonesa de esa época en diferentes campos, aunque principalmente escuela y hogar. Para ello se vale de planos medios y generales, así como una composición que coloca al objetivo a la altura del suelo, haciendo al espectador tenga una perspectiva paralela a los personajes.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Es una historia cargada de humor y cierta crítica social que la hacen muy atractivas. Así que sí te llama el cine japonés, aventúrate en esta película de cine mudo de uno de los más grandes cineastas de ese cine.</p>
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		<title>REVISITANDO LA HISTORIA DEL CINE: EL NACIMIENTO DE UNA NACIÓN (1915)</title>
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		<dc:creator><![CDATA[pablo]]></dc:creator>
		<pubDate>Sat, 22 Aug 2020 07:26:54 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
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					<description><![CDATA[Película muda estrenada en 1915. Está dirigida por D. W. Griffith y protagonizada por Lillian Gish, Mae Matsh, Henry B. Walthall, Miriam Cooper, Mary Alden, Ralph Lewis, George Slegmann, Walter Long, Wallace Reid, Joseph Henabery, Elmer Clifton, Josephine Crowell, Spottiswoode Aitken, George Beranger, Maxfield Stanley, Jennie Lee, Donald Crisp y Howard Gaye. Estamos ante una de las películas más polémicas pero también importantes de la Historia del Cine. Polémica porque la película cuenta la historia de la Guerra de Secesión y la Reconstrucción desde el punto de vista de los estados del sur, criminalizando a la población negra, glorificando el KKK… La población de etnia negra es tratada como los malvados de la película, mientras que los protagonistas (de etnia blanca) se sienten desprotegidos ante ellos. También es racista por la forma de mostrar a los actores que representan a personajes de etnia negra, casi todos blancos maquillados de forma bastante desagradable (blackwashin). Y es que, debido al mensaje racista que se desprende en la película, al director le costó encontrar actores de etnia negra que quisieran participar en el proyecto. Pero importante porque el director aplicó todas las técnicas que venía proyectando en trabajos previos consolidando el lenguaje cinematográfico: diferentes tamaños de planos en función de la narrativa, uso del primer plano abrir y cerrer el cierre de la cámara para la apertura y cierre de secuencias, combinación del uso de la luz artificial y natural, uso de flashbacks… Quitando los aspectos morales e históricos, por la ausencia de rigor historiográfico, Griffith consigue crear una historia muy bien narrada, con una banda sonora estupenda que penetra en el espectador, un uso de planos que no resulta tan alejado de una película actual (no es tan teatral como otras que he visto) y que resulta entretenida a pesar de su larga extensión. Aunque quizás lo más destacable son las escenas bélicas de la primera mitad de la película, la parte que al ser menos racista resulta más agradable de ver. La película te transmite la sensación de estar reviviendo un conflicto bélico real, pese a ciertas limitaciones. Los planos generales mostrando combates bélicos son sencillamente sublimes y estas escenas presentan algunos de los momentos más emotivos del film. En fin, es una película muy recomendable por su importancia en la Historia del Cine y porque es un producto muy entretenido, pero siempre con una mentalidad crítica ante las barbaridades racistas que aparecen.]]></description>
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<p class="wp-block-paragraph">Película muda estrenada en 1915. Está dirigida por D. W. Griffith y protagonizada por Lillian Gish, Mae Matsh, Henry B. Walthall, Miriam Cooper, Mary Alden, Ralph Lewis, George Slegmann, Walter Long, Wallace Reid, Joseph Henabery, Elmer Clifton, Josephine Crowell, Spottiswoode Aitken, George Beranger, Maxfield Stanley, Jennie Lee, Donald Crisp y Howard Gaye.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Estamos ante una de las películas más polémicas pero también importantes de la Historia del Cine. Polémica porque la película cuenta la historia de la Guerra de Secesión y la Reconstrucción desde el punto de vista de los estados del sur, criminalizando a la población negra, glorificando el KKK… La población de etnia negra es tratada como los malvados de la película, mientras que los protagonistas (de etnia blanca) se sienten desprotegidos ante ellos. </p>


<p class="wp-block-paragraph">También es racista por la forma de mostrar a los actores que representan a personajes de etnia negra, casi todos blancos maquillados de forma bastante desagradable (blackwashin). Y es que, debido al mensaje racista que se desprende en la película, al director le costó encontrar actores de etnia negra que quisieran participar en el proyecto.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Pero importante porque el director aplicó todas las técnicas que venía proyectando en trabajos previos consolidando el lenguaje cinematográfico: diferentes tamaños de planos en función de la narrativa, uso del primer plano abrir y cerrer el cierre de la cámara para la apertura y cierre de secuencias, combinación del uso de la luz artificial y natural, uso de flashbacks…</p>


<p class="wp-block-paragraph">Quitando los aspectos morales e históricos, por la ausencia de rigor historiográfico, Griffith consigue crear una historia muy bien narrada, con una banda sonora estupenda que penetra en el espectador, un uso de planos que no resulta tan alejado de una película actual (no es tan teatral como otras que he visto) y que resulta entretenida a pesar de su larga extensión.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Aunque quizás lo más destacable son las escenas bélicas de la primera mitad de la película, la parte que al ser menos racista resulta más agradable de ver. La película te transmite la sensación de estar reviviendo un conflicto bélico real, pese a ciertas limitaciones. Los planos generales mostrando combates bélicos son sencillamente sublimes y estas escenas presentan algunos de los momentos más emotivos del film.</p>


<p class="wp-block-paragraph">En fin, es una película muy recomendable por su importancia en la Historia del Cine y porque es un producto muy entretenido, pero siempre con una mentalidad crítica ante las barbaridades racistas que aparecen.</p>
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		<title>RETRORESEÑA DE WILLOW (1988)</title>
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		<dc:creator><![CDATA[pablo]]></dc:creator>
		<pubDate>Sun, 05 Jul 2020 16:24:13 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
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					<description><![CDATA[Película estrenada en 1988. Está dirigida por Ron Howard y protagonizada por Warwick Davis (doblado en España por Luis Fenton), Val Kilmer (doblado por Jordi Brau), Joanne Whalley (doblada pro María Jesús Lleonart), Jean Marsch (Elsa Fábregas), Patricia Hayes (Marta Martorell), Billy Barty (Felipe Peña) y Pat Roach (José Mediavilla). Es una película sencilla con el esquema típico del viaje del héroe con un protagonista con el que consigue que nos encariñemos enseguida al que vemos aprender y evolucionar a lo largo de la historia. Esa sencillez se observa también en el desarrollo de la trama, rozando muchas veces la ingenuidad y en el personaje de la villana, una villana clásica con mucha maldad sin intentar rebuscar en sus orígenes y la explicación de la maldad. Ha sido como una búsqueda en mi infancia hacia un tipo de contar historias que parece que no está tan de moda. La ambientación conseguida por la novela es genial, consiguiendo trasladarte al universo medieval mágico. No ocurre tanto así con ciertos efectos especiales, como la aparición de ciertos monstruos o los hechizos, que se ven algo cutres comparado con los efectos contemporáneos. Mención aparte merece la genial banda sonora que contribuye a meterte en cada momento de la película. La película se caracteriza por su infantilidad ya que no tiene ningún elemento dramático, manteniendo siempre un tono optimista, en el que los conflictos que se van sucediendo se solucionan de forma muy ingenua y sin que lleguen a crear ningún momento duro. Ni siquiera la muerte de uno de los personajes se llega a sentir en ningún momento. Asimismo la película está cargada de chistes durante toda la historia que, a diferencia de los chistes de otras películas contemporáneas, aunque absurdos, no impiden que avance la trama, están en consonancia con ella, sin llegar a hacerse pesados. En fin, una película para toda la familia, muy recomendable.]]></description>
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<p class="wp-block-paragraph">Película estrenada en 1988. Está dirigida por Ron Howard y protagonizada por Warwick Davis (doblado en España por Luis Fenton), Val Kilmer (doblado por Jordi Brau), Joanne Whalley (doblada pro María Jesús Lleonart), Jean Marsch (Elsa Fábregas), Patricia Hayes (Marta Martorell), Billy Barty (Felipe Peña) y Pat Roach (José Mediavilla).</p>


<p class="wp-block-paragraph">Es una película sencilla con el esquema típico del viaje del héroe con un protagonista con el que consigue que nos encariñemos enseguida al que vemos aprender y evolucionar a lo largo de la historia. Esa sencillez se observa también en el desarrollo de la trama, rozando muchas veces la ingenuidad y en el personaje de la villana, una villana clásica con mucha maldad sin intentar rebuscar en sus orígenes y la explicación de la maldad. Ha sido como una búsqueda en mi infancia hacia un tipo de contar historias que parece que no está tan de moda.</p>


<p class="wp-block-paragraph">La ambientación conseguida por la novela es genial, consiguiendo trasladarte al universo medieval mágico. No ocurre tanto así con ciertos efectos especiales, como la aparición de ciertos monstruos o los hechizos, que se ven algo cutres comparado con los efectos contemporáneos. Mención aparte merece la genial banda sonora que contribuye a meterte en cada momento de la película.</p>


<p class="wp-block-paragraph">La película se caracteriza por su infantilidad ya que no tiene ningún elemento dramático, manteniendo siempre un tono optimista, en el que los conflictos que se van sucediendo se solucionan de forma muy ingenua y sin que lleguen a crear ningún momento duro. Ni siquiera la muerte de uno de los personajes se llega a sentir en ningún momento. Asimismo la película está cargada de chistes durante toda la historia que, a diferencia de los chistes de otras películas contemporáneas, aunque absurdos, no impiden que avance la trama, están en consonancia con ella, sin llegar a hacerse pesados.</p>


<p class="wp-block-paragraph">En fin, una película para toda la familia, muy recomendable.</p>
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		<title>REVISITANDO EL WESTERN: SILVERADO (1985)</title>
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		<dc:creator><![CDATA[pablo]]></dc:creator>
		<pubDate>Thu, 11 Jun 2020 05:50:55 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
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		<category><![CDATA[Reviews]]></category>
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					<description><![CDATA[Western estrenado en 1985. Está guionizado por Lawrence y Mark Kasdan, dirigido por Lawrence Kasdan y protagonizado por No soy un experto en western, es prácticamente mi 2ª aproximación quitando “Asalto y robo a un tren”, series como Wentworth, Lucky Luke o algún tomo de Blueberry, así que me resulta complicado hacer una reseña ya que la película se enmarca en la década de los 80, una etapa en la que el género estaba en decadencia, pero surgió una corriente que volvió a poner de moda el género en base a nociones más realistas y crudas y menos glamorosas románticas, como ocurre con esta película. Estamos ante una película dentro de lo que se conoce como western crepuscular, un subgénero que se caracteriza por revisionar el género del género, presentando un Oeste en decadencia y unos protagonistas que, después de cabalgar durante años por las praderas, hartos de luchar, se enfrentan a los problemas de esa civilización, con un tono más realista y violento. Ello se observa perfectamente en el contraste entre las dos partes de la película. En la primera parte se nos presenta a los personajes y tiene un tono alegre y despreocupado, de aventuras. Se nos muestran unos esbozos del racismo y de la injusticia del sistema político y social, pero los protagonistas continúan libremente viviendo aventuras. Pero la verdadera historia empieza cuando los protagonistas se establecen en Silverado y cada uno tiene que volver a ocupar la vida que habían dejado atrás para irse a vivir aventuras. Allí se tratan con más crudeza temas como el racismo, que debió ser bastante innovador en el género y la corrupción policial, reflejando el lado oscuro de la civilización de esa época. De hecho, es interesante que el personaje negro sea el mejor pistolero del grupo. No obstante, quitando ciertos momentos de drama, la película enseguida muestra un tono alegre en cuanto nuestros cuatro protagonistas se juntan. La relación entre ambos es genial, mostrando la camadería y lealtad, transmitiendo que juntos pueden hacer frente a cualquiera de los obstáculos que se encuentren. En fin, es un western que, si no has visto mucho del género, te invito a ver porque a nivel técnico es impecable y es una película con mucho humor, con una acción trepidante y personajes carismáticos que te la hacen disfrutable.]]></description>
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<p class="wp-block-paragraph">Western estrenado en 1985. Está guionizado por Lawrence y Mark Kasdan, dirigido por Lawrence Kasdan y protagonizado por</p>


<p class="wp-block-paragraph">No soy un experto en western, es prácticamente mi 2ª aproximación quitando “Asalto y robo a un tren”, series como Wentworth, Lucky Luke o algún tomo de Blueberry, así que me resulta complicado hacer una reseña ya que la película se enmarca en la década de los 80, una etapa en la que el género estaba en decadencia, pero surgió una corriente que volvió a poner de moda el género en base a nociones más realistas y crudas y menos glamorosas románticas, como ocurre con esta película. </p>


<p class="wp-block-paragraph">Estamos ante una película dentro de lo que se conoce como western crepuscular, un subgénero que se caracteriza por revisionar el género del género, presentando un Oeste en decadencia y unos protagonistas que, después de cabalgar durante años por las praderas, hartos de luchar, se enfrentan a los problemas de esa civilización, con un tono más realista y violento.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Ello se observa perfectamente en el contraste entre las dos partes de la película. En la primera parte se nos presenta a los personajes y tiene un tono alegre y despreocupado, de aventuras. Se nos muestran unos esbozos del racismo y de la injusticia del sistema político y social, pero los protagonistas continúan libremente viviendo aventuras. </p>


<p class="wp-block-paragraph">Pero la verdadera historia empieza cuando los protagonistas se establecen en Silverado y cada uno tiene que volver a ocupar la vida que habían dejado atrás para irse a vivir aventuras. Allí se tratan con más crudeza temas como el racismo, que debió ser bastante innovador en el género y la corrupción policial, reflejando el lado oscuro de la civilización de esa época. De hecho, es interesante que el personaje negro sea el mejor pistolero del grupo. </p>


<p class="wp-block-paragraph">No obstante, quitando ciertos momentos de drama, la película enseguida muestra un tono alegre en cuanto nuestros cuatro protagonistas se juntan. La relación entre ambos es genial, mostrando la camadería y lealtad, transmitiendo que juntos pueden hacer frente a cualquiera de los obstáculos que se encuentren. </p>


<p class="wp-block-paragraph">En fin, es un western que, si no has visto mucho del género, te invito a ver porque a nivel técnico es impecable y es una película con mucho humor, con una acción trepidante y personajes carismáticos que te la hacen disfrutable.</p>
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		<title>THI MAI: Rumbo a Vietnam</title>
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		<dc:creator><![CDATA[pablo]]></dc:creator>
		<pubDate>Wed, 03 Jun 2020 17:01:56 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
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					<description><![CDATA[Película española estrenada en 2018. Está dirigida por Patricia Ferreira, escrita por Marta Sánchez y protagonizada por Carmen Machi, Adriana Ozores, Aitana Sánchez-Gijón, Dani Rovira, Pedro Casablanc y Pedro Miguel Martínez. Empecé a ver la película con pocas expectativas ya que parecía una película cómica muy cutre, pero me equivoqué o, al menos, es mejor película de lo que pensaba. El plato fuerte de la película son las tres protagonistas, destacando el personaje interpretado por Adriana Ozores. La película trata sobre Carmen, una madre que ha perdido a su hija e intenta terminar el proceso de adopción que inició su hija en vida. Así uno de los temas que se tratan en la obra es la relación entre una madre y su hija que la convierten en una película muy recomendable para ver en familia. El film se va sucediendo a través de sucesivos gags con un humor absurdo, pero que consigue su propósito y termina con un final que, como sucede en este tipo de películas, no destaca por su verosimilitud pero que te deja con una pequeña sonrisa. En la película se pueden observar diferentes localizaciones de Vietnam bastante bonitas que te dejarán con ganas de visitar el país, pero se siente en falta haber profundizado más sobre la sociedad vietnamita ya que quitando un par de gags bromeando sobre los prejuicios que tenemos sobre los vietnamitas, podría haber ocurrido en cualquier otro país. El elenco de la película es estupendo, destacando el trío protagonista, que tiene mucha química entre sí y te consigue transmitir la relación de amistad entre ambas, consiguiendo que personajes tan estereotipados (con ciertos tópicos que ya están algo agotados) resulten agradables. Dani Rovira me sorprendió haciendo de homosexual ya que, sin llegar al nivel de las tres protagonistas, hace un papel muy correcto. Lo más bonito de la película es la reflexión final sobre la familia, una reflexión quizás muy típica y algo infantil, pero que te deja satisfecho. En fin, una película para pasar el rato que me sorprendió porque pensaba que iba a ser algo más terrible. No tiene más pretensiones que crear un buen momento en el espectador y lo consigue. Aunque, eso sí, la publicidad que le dieron a la película con ese ridículo cartel es la peor decisión que podrían haber tomado.]]></description>
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<p class="wp-block-paragraph">Película española estrenada en 2018. Está dirigida por Patricia Ferreira, escrita por Marta Sánchez y protagonizada por Carmen Machi, Adriana Ozores, Aitana Sánchez-Gijón, Dani Rovira, Pedro Casablanc y Pedro Miguel Martínez.</p>


<p class="wp-block-paragraph"><br />Empecé a ver la película con pocas expectativas ya que parecía una película cómica muy cutre, pero me equivoqué o, al menos, es mejor película de lo que pensaba. El plato fuerte de la película son las tres protagonistas, destacando el personaje interpretado por Adriana Ozores.</p>


<p class="wp-block-paragraph">La película trata sobre Carmen, una madre que ha perdido a su hija e intenta terminar el proceso de adopción que inició su hija en vida. Así uno de los temas que se tratan en la obra es la relación entre una madre y su hija que la convierten en una película muy recomendable para ver en familia.</p>


<p class="wp-block-paragraph">El film se va sucediendo a través de sucesivos gags con un humor absurdo, pero que consigue su propósito y termina con un final que, como sucede en este tipo de películas, no destaca por su verosimilitud pero que te deja con una pequeña sonrisa. En la película se pueden observar diferentes localizaciones de Vietnam bastante bonitas que te dejarán con ganas de visitar el país, pero se siente en falta haber profundizado más sobre la sociedad vietnamita ya que quitando un par de gags bromeando sobre los prejuicios que tenemos sobre los vietnamitas, podría haber ocurrido en cualquier otro país.</p>


<p class="wp-block-paragraph">El elenco de la película es estupendo, destacando el trío protagonista, que tiene mucha química entre sí y te consigue transmitir la relación de amistad entre ambas, consiguiendo que personajes tan estereotipados (con ciertos tópicos que ya están algo agotados) resulten agradables. Dani Rovira me sorprendió haciendo de homosexual ya que, sin llegar al nivel de las tres protagonistas, hace un papel muy correcto.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Lo más bonito de la película es la reflexión final sobre la familia, una reflexión quizás muy típica y  algo infantil, pero que te deja satisfecho.</p>


<p class="wp-block-paragraph">En fin, una película para pasar el rato que me sorprendió porque pensaba que iba a ser algo más terrible. No tiene más pretensiones que crear un buen momento en el espectador y lo consigue. Aunque, eso sí, la publicidad que le dieron a la película con ese ridículo cartel es la peor decisión que podrían haber tomado.</p>
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		<item>
		<title>PERFECTOS DESCONOCIDOS (2017)</title>
		<link>https://www.especialistamike.com/perfectos-desconocidos-2017/?utm_source=rss&#038;utm_medium=rss&#038;utm_campaign=perfectos-desconocidos-2017</link>
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		<dc:creator><![CDATA[pablo]]></dc:creator>
		<pubDate>Sat, 23 May 2020 07:00:25 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
		<category><![CDATA[Dvdteca]]></category>
		<category><![CDATA[Reviews]]></category>
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					<description><![CDATA[Película dirigida por Álex de la Iglesia y estrenada en 2017, siendo una adaptación de la película “Perfetti sconosciuti” de Paolo Genovese. Está protagonizada por Belén Rueda, Eduard Fernández, Ernesto Alterio, Juana Acosta, Eduardo Noriega, Dafne Fernández, Pepón Nieto, Beatriz Olivares, María Jesús Hoyos, Gonzalo Torralba y Valentina Méndez Tenía ganas de ver esta película cómica ya que la premisa me resultaba interesante. La película nos planta en la cena de un grupo de amigos que plantean el juego de leer todo lo que les llegue por el móvil. Al principio los secretos que van surgiendo son pequeñas tonterías que permiten perfilar a los personajes, pero poco a poco los secretos se van haciendo más grandes. Me ha gustado es que no todos los secretos, aunque sí la mayoría, sean lojuriosos, sino que hay otros temas. Pero, al final, terminan por hacerse pesados. Entiendo que un recurso la comedia se basa en putear a los personajes para reírte de sus miserias, pero llega un momento que no sientes ningún tipo de empatía hacia ellos. La mayor parte empiezan a parecerte tan desagradables que te da igual lo que les suceda. Los secretos se enredan hasta tal punto que ves que ninguno se conoce realmente, no entiendes que sean amigos y te genera cierto malestar más que alivio cómico. Ello terminado en un giro inesperado y absurdo que no permite la redención de los personajes, mostrándote que era mejor que no se supieran los secretos y seguir como si nada, lo que es tragicómico. En cualquier caso, aunque se haga pesado, la película cuenta con algunos momentos muy divertidos y con unos personajes que, pese a que se te van a hacer desagradables, están genialmente interpretados. Porque el elenco de la película, encabezado por Belén Rueda, es fantástico, aunque creo que destaca más Ernesto Alterio (por su interpretación, no por un personaje que aunque por momentos parece redimirse nos ofrece los momentos más machistas del film). Quizás el mayor problema es que se siente que todo ocurre demasiado como en una película, no consigue transmitir la sensación de cotidianeidad que le hubiera sentado genial a esta película. Los mensajes se van sucediendo como el mecanismo de un reloj, lo que parece impensable. En definitiva, no es de los mejores trabajos de Álex de la Iglesia, para mi gusto, pero sí que es una comedia muy correcta que te hará pasar un buen rato aunque se siente, eso sí, como que podría haber dado mucho más de sí. Lo mejor de ella es contar con un elenco con gran calidad.]]></description>
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<p class="wp-block-paragraph">Película dirigida por Álex de la Iglesia y estrenada en 2017, siendo una adaptación de la película “Perfetti sconosciuti” de Paolo Genovese. Está protagonizada por Belén Rueda, Eduard Fernández, Ernesto Alterio, Juana Acosta, Eduardo Noriega, Dafne Fernández, Pepón Nieto, Beatriz Olivares, María Jesús Hoyos, Gonzalo Torralba y Valentina Méndez</p>


<p class="wp-block-paragraph">Tenía ganas de ver esta película cómica ya que la premisa me resultaba interesante. La película nos planta en la cena de un grupo de amigos que plantean el juego de leer todo lo que les llegue por el móvil. Al principio los secretos que van surgiendo son pequeñas tonterías que permiten perfilar a los personajes, pero poco a poco los secretos se van haciendo más grandes.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Me ha gustado es que no todos los secretos, aunque sí la mayoría, sean lojuriosos, sino que hay otros temas. Pero, al final, terminan por hacerse pesados. Entiendo que un recurso la comedia se basa en putear a los personajes para reírte de sus miserias, pero llega un momento que no sientes ningún tipo de empatía hacia ellos. La mayor parte empiezan a parecerte tan desagradables que te da igual lo que les suceda. Los secretos se enredan hasta tal punto que ves que ninguno se conoce realmente, no entiendes que sean amigos y te genera cierto malestar más que alivio cómico. Ello terminado en un giro inesperado y absurdo que no permite la redención de los personajes, mostrándote que era mejor que no se supieran los secretos y seguir como si nada, lo que es tragicómico.</p>


<p class="wp-block-paragraph">En cualquier caso, aunque se haga pesado, la película cuenta con algunos momentos muy divertidos y con unos personajes que, pese a que se te van a hacer desagradables, están genialmente interpretados. Porque el elenco de la película, encabezado por Belén Rueda, es fantástico, aunque creo que destaca más Ernesto Alterio (por su interpretación, no por un personaje que aunque por momentos parece redimirse nos ofrece los momentos más machistas del film).</p>


<p class="wp-block-paragraph">Quizás el mayor problema es que se siente que todo ocurre demasiado como en una película, no consigue transmitir la sensación de cotidianeidad que le hubiera sentado genial a esta película. Los mensajes se van sucediendo como el mecanismo de un reloj, lo que parece impensable. </p>


<p class="wp-block-paragraph">En definitiva, no es de los mejores trabajos de Álex de la Iglesia, para mi gusto, pero sí que es una comedia muy correcta que te hará pasar un buen rato aunque se siente, eso sí, como que podría haber dado mucho más de sí. Lo mejor de ella es contar con un elenco con gran calidad. </p>
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		<title>STUDIO GHIBLI EN NETFLIX: EL RECUERDO DE MARNIE (2014)</title>
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		<dc:creator><![CDATA[pablo]]></dc:creator>
		<pubDate>Wed, 29 Apr 2020 16:03:06 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
		<category><![CDATA[Dvdteca]]></category>
		<category><![CDATA[Reviews]]></category>
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					<description><![CDATA[Y con esta película llegamos al final de tan hermoso viaje que hemos hecho a lo largo de estos meses desde que Netflix comenzó a subir las películas de este maravilloso estudio. Con un poco de nostalgia, nos embarcamos hacia la última película, hasta la fecha, del Studio Ghibli, una historia de fantasmas, “El recuerdo de Marnie”, estrenada en 2014. Esta película, basada en la novela juvenil “Cuando Marnie estuvo allí” de Joan G. Robinson, es la segunda dirigida para el estudio por el director Hiromasa Yonebashi y, además, es literalmente su segunda película dirigida. Entre sus distintos reconocimientos, destacamos la nominación a los Óscar a mejor película de animación en 2016. La película está protagonizada por Sara Takatsuki en el papel de Anna Sasaki, Kasumi Arimura en el papel de Marnie, Nanako Matsushima en el papel de Yoriko Sasaki, Susumu Terajima en el papel de Kiyomasa Oiwa, Toshie Negishi en el papel de Setsu Oiwa, Hana Sugisaki en el papel de Sayaka, Hitomi Kuroki en el papel de Hisako, Ryôko Moriyama en el papel de Señora mayor, Ken Yasuda en el papel de Toichi, Yûko Kaida en el papel de Madre de Marnie, Kazuko Yoshiyuki en el papel de Niñera, Yô Ôizumi en el papel de Dr. Yamashita, Akiko Yorit Sune en el papel de Nobuko, Mark Ishii en el papel de Takeshi, Renge Ishikawa en el papel de Padre de Marnie, Shigeyuki Totsugi en el papel de Miyoko y Haruka Shiraishi en el papel de Miyoko. En España, el doblaje es realizado por Michelle Jenner, María Blanco, Ana Plaza, Eduardo Gutiérrez, María Jesús Varona, Tania Ugía, Paloma Escola, Elena Ruiz de Velasco, Vicente Gil, Ana García Olivares, Selica Torcal, David Blanco, Cecilia Santiago, Rodri Martín, Sonia Latorre, Alejandro Licera y Nagore Germes. Esta película es una hermosa película que nos pone en la piel de Anna Sasaki, una chica absolutamente infeliz, con depresión, sin amigos; una chica incapaz de relacionarse, que prefiere pasar el tiempo sola. Así, durante la primera parte de la película, nos introduce en el personaje para mostrarnos sus escasas habilidades sociales y para observar cómo le incomodan los eventos sociales. Esto es un elemento que distingue a otras películas del Studio y que me recuerda a “Puedo escuchar el mar”. Normalmente, los personajes del Studio Ghibli, especialmente las protagonistas femeninas, suelen ser personas alegres o, si no es así como ocurre en “La Princesa Mononoke”, al menos sí son personajes muy activos, con mucha vitalidad. Al igual que en la anterior película del director, “Arrietty y el mundo de los diminutos”, con el protagonista masculino, Anna es un personaje con poca vitalidad y de carácter tristón pero que va a ir evolucionando a lo largo de la película, va a ir recuperando su felicidad y sus ganas de vivir. Así, podría parecer que la película no presenta la magia propia del estudio, pero esa magia sí que existe y va apareciéndose a lo largo del film. Como Anna sufre de asma, lo que lleva a sus padres de acogida a enviarla con unos amigos a Hokkaido para que respire aire puro, en la línea a favor de la naturaleza de este estudio. Allí poco a poco se va a sentir atraída por una misteriosa casa que se supone que está abandonada. Esa casa representa toda la magia, en ella se esconde toda la magia del Studio que Anna tiene que descubrir. La forma en la que nos van introduciendo en ese misterio y en la que Anna se va sintiendo atraída son sencillamente magníficas, el espectador se siente identificado con ella, se siente atraído hacia el magnetismo que desprende la mansión al igual que nos sentimos atraídos hacia la magia de las películas del estudio. Ello se consigue creando una atmósfera de misterio que va creciendo a lo largo de la película y que mantiene enganchado al espectador. La historia sufre un cambio de ritmo cuando nos introduce al personaje de Marnie, un personaje que es la contrapartida de Anna y que sí refleja el espíritu tradicional de los protagonistas femeninos del Studio Ghibli. Así, es una chica muy alegre, optimista, con mucha vitalidad y a la que, por alguna extraña razón, Anna se siente atraída. Esta parte de la historia se va sucediendo a través de los distintos encuentros entre ellas y que va forjando la amistad. Es quizás una parte que se queda un poco corta pero que mantiene el halo de misterio que se ha ido formando durante toda la película. A través de dichos encuentros, Anna se va convirtiendo en un personaje cada vez mucho más activo. Debo confesar que me encanta la mecánica que se crea entre ambos personajes, el hecho de que sean tan contrarias añade un punto de interés a la trama. Es genial la forma en la que Marnie va llevando a Anna a su antojo, cómo le transmite su alegría, cómo le insufla de energía. Pero, a su vez, el espectador tiene la constancia de que cada vez se va acercando la hora de la despedida. A mí me hubiera gustado que la historia hubiera seguido con este ritmo lento, desarrollando esta amistad, pero se produce un giro hacia lo dramático que, si bien te permite conocer los miedos de los personajes y concluir esta parte de la historia, se siente un cambio de ritmo demasiado acusado con respecto a la primera parte. En la última parte, Anna con ayuda de una nueva amiga que recuerda irremediablemente al carácter de Marnie, termina de conocer la verdad sobre ésta y de qué manera está tan íntimamente ligada a ella. La resolución que se da a esta parte de la historia me ha gustado y decepcionado a partes iguales. Me ha gustado porque llena de sentido a toda la historia y porque es una historia tan bella que no puedes evitar sentir lástima, pero también alegría por el personaje. Una historia que hace que termines de enamorarte del personaje de Marnie y que concluye con una visión esperanzadora respecto a Anna. Pero me hubiera gustado que se hubieran arriesgado más y que la relación entre Marnie y Anna hubiera derivado hacia una relación más sentimental, no tan familiar, aunque reconozco que la explicación otorgada por la película termina de otorgar sentido a toda la historia. Tras este repaso de la película no puedo sino concluir que es una película de fantasmas llena de la magia del Studio Ghibli, que enternecerá a cualquiera que la vea enamorándose de las protagonistas del film. Una película enternecedora que nada tiene que envidiar, sin llegar a los mejores trabajos del estudio, a las películas realizadas por Miyazaki. En cuanto a la animación, esta película es la conclusión de años y años de desarrollo en este aspecto, siempre fieles a la animación tradicional, con una gama de colores diferentes a la usual del estudio, pero siempre cargada de una gran belleza. Y ahora, no queda sino terminar de despedirme, no sin cierta tristeza, hasta la publicación de la última película de Miyazaki, de este estudio que me ha otorgado tantos momentos y tantos sentimientos.]]></description>
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<p class="wp-block-paragraph">Y con esta película llegamos al final de tan hermoso viaje que hemos hecho a lo largo de estos meses desde que Netflix comenzó a subir las películas de este maravilloso estudio. Con un poco de nostalgia, nos embarcamos hacia la última película, hasta la fecha, del Studio Ghibli, una historia de fantasmas, “El recuerdo de Marnie”, estrenada en 2014.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Esta película, basada en la
novela juvenil “Cuando Marnie estuvo allí” de Joan G. Robinson, es la segunda
dirigida para el estudio por el director Hiromasa Yonebashi y, además, es
literalmente su segunda película dirigida. Entre sus distintos reconocimientos,
destacamos la nominación a los Óscar a mejor película de animación en 2016.</p>


<p class="wp-block-paragraph">La película está protagonizada
por Sara Takatsuki en el papel de Anna Sasaki, Kasumi Arimura en el papel de
Marnie, Nanako Matsushima en el papel de Yoriko Sasaki, Susumu Terajima en el
papel de Kiyomasa Oiwa, Toshie Negishi en el papel de Setsu Oiwa, Hana Sugisaki
en el papel de Sayaka, Hitomi Kuroki en el papel de Hisako, Ryôko Moriyama en
el papel de Señora mayor, Ken Yasuda en el papel de Toichi, Yûko Kaida en el
papel de Madre de Marnie, Kazuko Yoshiyuki en el papel de Niñera, Yô Ôizumi en
el papel de Dr. Yamashita, Akiko Yorit Sune en el papel de Nobuko, Mark Ishii
en el papel de Takeshi, Renge Ishikawa en el papel de Padre de Marnie,
Shigeyuki Totsugi en el papel de Miyoko y Haruka Shiraishi en el papel de
Miyoko.</p>


<p class="wp-block-paragraph">En España, el doblaje es realizado por Michelle Jenner, María Blanco, Ana Plaza, Eduardo Gutiérrez, María Jesús Varona, Tania Ugía, Paloma Escola, Elena Ruiz de Velasco, Vicente Gil, Ana García Olivares, Selica Torcal, David Blanco, Cecilia Santiago, Rodri Martín, Sonia Latorre, Alejandro Licera y Nagore Germes.</p>


<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://cdn.hobbyconsolas.com/sites/navi.axelspringer.es/public/styles/1200/public/media/image/2020/04/recuerdo-marnie-1907857.jpg?itok=Qb6tMb-l" alt="Crítica de El recuerdo de Marnie, de Hiromasa Yonebayashi y Studio ..."/></figure></div>


<p class="wp-block-paragraph">Esta película es una hermosa
película que nos pone en la piel de Anna Sasaki, una chica absolutamente
infeliz, con depresión, sin amigos; una chica incapaz de relacionarse, que
prefiere pasar el tiempo sola. Así, durante la primera parte de la película,
nos introduce en el personaje para mostrarnos sus escasas habilidades sociales
y para observar cómo le incomodan los eventos sociales.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Esto es un elemento que
distingue a otras películas del Studio y que me recuerda a “Puedo escuchar el
mar”. Normalmente, los personajes del Studio Ghibli, especialmente las
protagonistas femeninas, suelen ser personas alegres o, si no es así como
ocurre en “La Princesa Mononoke”, al menos sí son personajes muy activos, con
mucha vitalidad. Al igual que en la anterior película del director, “Arrietty y
el mundo de los diminutos”, con el protagonista masculino, Anna es un personaje
con poca vitalidad y de carácter tristón pero que va a ir evolucionando a lo
largo de la película, va a ir recuperando su felicidad y sus ganas de vivir.
Así, podría parecer que la película no presenta la magia propia del estudio,
pero esa magia sí que existe y va apareciéndose a lo largo del film.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Como Anna sufre de asma, lo
que lleva a sus padres de acogida a enviarla con unos amigos a Hokkaido para
que respire aire puro, en la línea a favor de la naturaleza de este estudio.
Allí poco a poco se va a sentir atraída por una misteriosa casa que se supone
que está abandonada. Esa casa representa toda la magia, en ella se esconde toda
la magia del Studio que Anna tiene que descubrir. </p>


<p class="wp-block-paragraph">La forma en la que nos van
introduciendo en ese misterio y en la que Anna se va sintiendo atraída son
sencillamente magníficas, el espectador se siente identificado con ella, se
siente atraído hacia el magnetismo que desprende la mansión al igual que nos
sentimos atraídos hacia la magia de las películas del estudio. Ello se consigue
creando una atmósfera de misterio que va creciendo a lo largo de la película y
que mantiene enganchado al espectador. </p>


<p class="wp-block-paragraph">La historia sufre un cambio de
ritmo cuando nos introduce al personaje de Marnie, un personaje que es la
contrapartida de Anna y que sí refleja el espíritu tradicional de los
protagonistas femeninos del Studio Ghibli. Así, es una chica muy alegre,
optimista, con mucha vitalidad y a la que, por alguna extraña razón, Anna se
siente atraída.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Esta parte de la historia se
va sucediendo a través de los distintos encuentros entre ellas y que va
forjando la amistad. Es quizás una parte que se queda un poco corta pero que
mantiene el halo de misterio que se ha ido formando durante toda la película. A
través de dichos encuentros, Anna se va convirtiendo en un personaje cada vez
mucho más activo. </p>


<p class="wp-block-paragraph">Debo confesar que me encanta
la mecánica que se crea entre ambos personajes, el hecho de que sean tan
contrarias añade un punto de interés a la trama. Es genial la forma en la que
Marnie va llevando a Anna a su antojo, cómo le transmite su alegría, cómo le insufla
de energía. Pero, a su vez, el espectador tiene la constancia de que cada vez
se va acercando la hora de la despedida.</p>


<p class="wp-block-paragraph">A mí me hubiera gustado que la
historia hubiera seguido con este ritmo lento, desarrollando esta amistad, pero
se produce un giro hacia lo dramático que, si bien te permite conocer los miedos
de los personajes y concluir esta parte de la historia, se siente un cambio de
ritmo demasiado acusado con respecto a la primera parte.</p>


<p class="wp-block-paragraph">En la última parte, Anna con
ayuda de una nueva amiga que recuerda irremediablemente al carácter de Marnie,
termina de conocer la verdad sobre ésta y de qué manera está tan íntimamente
ligada a ella. La resolución que se da a esta parte de la historia me ha
gustado y decepcionado a partes iguales. </p>


<p class="wp-block-paragraph">Me ha gustado porque llena de
sentido a toda la historia y porque es una historia tan bella que no puedes
evitar sentir lástima, pero también alegría por el personaje. Una historia que hace
que termines de enamorarte del personaje de Marnie y que concluye con una
visión esperanzadora respecto a Anna. Pero me hubiera gustado que se hubieran
arriesgado más y que la relación entre Marnie y Anna hubiera derivado hacia una
relación más sentimental, no tan familiar, aunque reconozco que la explicación
otorgada por la película termina de otorgar sentido a toda la historia.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Tras este repaso de la
película no puedo sino concluir que es una película de fantasmas llena de la
magia del Studio Ghibli, que enternecerá a cualquiera que la vea enamorándose
de las protagonistas del film. Una película enternecedora que nada tiene que
envidiar, sin llegar a los mejores trabajos del estudio, a las películas
realizadas por Miyazaki. </p>


<p class="wp-block-paragraph">En cuanto a la animación, esta
película es la conclusión de años y años de desarrollo en este aspecto, siempre
fieles a la animación tradicional, con una gama de colores diferentes a la
usual del estudio, pero siempre cargada de una gran belleza. </p>


<p class="wp-block-paragraph">Y ahora, no queda sino
terminar de despedirme, no sin cierta tristeza, hasta la publicación de la
última película de Miyazaki, de este estudio que me ha otorgado tantos momentos
y tantos sentimientos.</p>
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		<title>STUDIO GHIBLI EN NETFLIX: EL VIENTO SE LEVANTA (2013)</title>
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		<dc:creator><![CDATA[pablo]]></dc:creator>
		<pubDate>Sat, 25 Apr 2020 13:17:56 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
		<category><![CDATA[Dvdteca]]></category>
		<category><![CDATA[Reviews]]></category>
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					<description><![CDATA[Ahora que nos aproximamos al final de este viaje, nos encontramos ante una obra muy especial ya que fue la última obra de Hayao Miyazaki para el estudio y la primera totalmente escrita y dirigida por él que no incluye ningún elemento fantástico. Más bien al contrario, la película narra la biografía de Jirô Horikoshi, un ingeniero aeronáutico japonés que tuvo un papel fundamental en la Segunda Guerra Mundial. En concreto, se narra la construcción de su famoso avión Zero que fue utilizado, por ejemplo, en el ataque a Pearl Harbour. La película está basada en la novela corta homónima de Tatsuo Hori y en el manga homónimo de Hayao Miyazaki. Fue estrenada en Japón en 2013. El doblaje corrió a cargo de Hideaki Anno en el papel de Jirô Horikoshi, Miori Takomoto en el papel de Naoko Satomi, Hidetoshi Nishijima en el papel de Kiro Honjo, Mansai Nomura en el papel de Giovanni Battista Capronni, Masahiko Nishimura en el papel de Sr. Kurokawa, Stephen Albert en el papel de Castorp, Morio Kazama en el papel de Sr. Satomi, Jun Kunimura en el papel de Sr. Hattori, Shinobu Otake en el papel de Sra. Kurokawa, Mirai Shida en el papel de Kayo Horikoshi, Kaichi Kaburagi en el papel de Jirô Horikoshi, Maki Shinta en el papel de Kayo Horikoshi y Keiko Takeshita en el papel de Madre de Jirô. En España, el doblaje es realizado, respectivamente, por Raúl Llorens, Gloria Cano, Claudi Domingo, Ricky Coello, Alberto Mieza, Carles Canut, Juan Carlos Gustems, Enric Isasi-Isasmendi, Victòria Pagès, Berta Cortés, Andrés Arahuete, Victoria Vidal y Marta Dualte. La película combina perfectamente escenas sobre la vida del personaje con escenas oníricas en las que te muestra cómo habla con Caproni, conocido ingeniero metálico, quien será su mayor inspiración. Estos sueños permiten adentrarse en la psicología del personaje y conocer su pasión por los aviones. Una vez presentado de una forma tan hábil como es a través de sus sueños al personaje, nos introduce un par de escenas y da un salto a su etapa universitaria en la que nos presenta al siguiente personaje importante, que es Naoko Satomi, el interés amoroso de la historia. A continuación, se nos adentra en el núcleo de la trama, cuando el protagonista empieza a trabajar para Mitsubishi. Así, la película trata tres temas principalmente: la pasión de&#160; Jirô por los aviones, su relación con Naoko Satomi y, de una forma meramente tangencial el tema de la guerra. El tema de las pasiones debo confesar que era el que menos me llamaba de esta película. Hay que señalar que los aviones es una de las pasiones de este director como hemos podido observar a lo largo de distintos filmes (es el caso de “Nausicäa del Valle del Viento”, “El castillo en el cielo”, “Nicky la pequeña bruja” o, especialmente “Porco Rosso”), así que no deja de ser anecdótico que su despedida del Studio Ghibli fuera contando la vida de una persona a la que le apasionan los aviones. La diferencia entre esas películas y la que nos encontramos está en que en ésta es la única en que el tema de la aviación es el punto central de la trama y no un elemento accesorio. No obstante, para sorpresa mía, y a pesar de que sea un tema del que se habla durante todo el film, no me ha resultado nada pesado. Especialmente en esta película el director consigue transmitir su amor hacia su pasión, consigue que te lleguen incluso a interesar los aviones, lo que muestra el amor y cariño que puso en el desarrollo del film. En cuanto a la relación con Naoko, para mí es donde esta película pincha un poco. A pesar de que las mejores escenas, para mí, de la película se dan con ella, no termina de gustarme el desarrollo que sigue esta relación. Se siente como que todo sucede muy rápido, casi por complaciencia del guión. Es cierto que tienen algunas escenas románticas, pero se siente como que pasan de simplemente querer conocerse a comprometerse de una forma demasiado rauda. Aparte que el film no deja de dejarte con la sensación, así lo sienten otros protagonistas como la hermana de Jirô, de que su obsesión por los aviones absorbe totalmente su vida. Siente muchísima pena por Naoko, como que lo abandona todo por estar por él mientras que él es incapaz de dejar por un tiempo los aviones para disfrutar los posiblemente últimos días de vida con la mujer que, en teoría, ama. Se siente extraño, especialmente si tenemos en cuenta que Miyazaki suele dar prioridad a los personajes femeninos en sus obras, mientras que aquí se siente que la historia de amor está un poco de más, de relleno. Siento que la relación es totalmente eclipsada por su trabajo. Y, al final, el mensaje de que hay que continuar con la vida a pesar de que el viento se levante, viento que simboliza la relación entre ambos y los conflictos que puedan surgir en la vida, resulta curioso cuando el protagonista nunca ha impedido que nada le impida alcanzar su sueño de aviación. Tiene claro desde el principio que los aviones están por encima de todo, incluso de su propia familia, así que el mensaje que me dejó a mi, que no es el que te intenta enseñar la película, es que a veces te obcecas con tu trabajo hasta el punto de que te olvidas lo que realmente importa. La escena en la que Jirô nota que Naoko ha fallecido por el viento y se olvida de todo es brutal, desoladora, hace que por primera vez se olvide de los aviones. Pero, al final, da igual porque la lección que él saca es que tiene que seguir viviendo su sueño por encima de todo. Sobre el tema bélico, es un aspecto que quería comentar porque la película fue objeto de críticas por entender que promovía las guerras y el militarismo, un mensaje que contrasta con el marcado carácter anti belicista de las producciones de Miyazaki. Personalmente, creo que esa postura se queda en lo superficial en cuanto al mensaje que ofrece el film, ignorando los distintos mensajes que se ofrecen a través de los sueños del protagonista en los que se observa que él siente pasión por los aviones como medio para transportar personas, mientras que son los Gobiernos y los militares los que tienen interés en usarlos para combatir. Es cierto que el protagonista acepta trabajar para una empresa sabiendo que están construyendo aviones para su uso bélico, pero porque es su única opción de alcanzar su sueño. Además, la propia película tiene distintos mensajes en los que de forma clara se pronuncia en contra de las guerras criticando el papel de Japón en la Segunda Guerra Mundial. Ese marcado elemento bélico, teniendo en cuenta el contexto en el que se ubica, añade otro elemento de interés a la película, ya que te permite entender mucho mejor la situación de Japón antes de entrar en la Segunda Guerra Mundial. Es una fantástica forma de aprender Historia ya que se pueden observar tanto personajes que tuvieron relevancia en esta Guerra, como el avance de la industria japonesa y&#160; las relaciones de colaboración entre japoneses y alemanes. La película concluye precisamente con la conclusión de la Segunda Guerra Mundial aunque no te lo diga de forma expresa. Todo esto, en lo que se refiere al aspecto temático. Respecto a la animación, la película presenta un acabado visual esplendido, con imágenes preciosas de paisajes, mostrando diseños de aeronaves que son sencillamente espléndidos. Los diseños de los personajes resultan atractivos y se asemejan a los personajes reales si se comparan, alcanzando un nivel algo cómico como es el caso de Mitsubishi. En definitiva, quizás no sea la mejor película de Miyazaki, pero es un producto muy personal que denota ganas de dedicar su último trabajo, hasta la fecha, a una de las aficiones que más le apasionaba, la aeronáutica, consiguiendo crear un producto muy notable e interesante.]]></description>
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<p class="wp-block-paragraph">Ahora que nos aproximamos al final de este viaje, nos encontramos ante una obra muy especial ya que fue la última obra de Hayao Miyazaki para el estudio y la primera totalmente escrita y dirigida por él que no incluye ningún elemento fantástico. Más bien al contrario, la película narra la biografía de Jirô Horikoshi, un ingeniero aeronáutico japonés que tuvo un papel fundamental en la Segunda Guerra Mundial. En concreto, se narra la construcción de su famoso avión Zero que fue utilizado, por ejemplo, en el ataque a Pearl Harbour. La película está basada en la novela corta homónima de Tatsuo Hori y en el manga homónimo de Hayao Miyazaki.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Fue estrenada en Japón en 2013. El doblaje corrió a cargo de Hideaki Anno en el papel de Jirô Horikoshi, Miori Takomoto en el papel de Naoko Satomi, Hidetoshi Nishijima en el papel de Kiro Honjo, Mansai Nomura en el papel de Giovanni Battista Capronni, Masahiko Nishimura en el papel de Sr. Kurokawa, Stephen Albert en el papel de Castorp, Morio Kazama en el papel de Sr. Satomi, Jun Kunimura en el papel de Sr. Hattori, Shinobu Otake en el papel de Sra. Kurokawa, Mirai Shida en el papel de Kayo Horikoshi, Kaichi Kaburagi en el papel de Jirô Horikoshi, Maki Shinta en el papel de Kayo Horikoshi y Keiko Takeshita en el papel de Madre de Jirô.</p>


<p class="wp-block-paragraph">En España, el doblaje es realizado, respectivamente, por Raúl Llorens, Gloria Cano, Claudi Domingo, Ricky Coello, Alberto Mieza, Carles Canut, Juan Carlos Gustems, Enric Isasi-Isasmendi, Victòria Pagès, Berta Cortés, Andrés Arahuete, Victoria Vidal y Marta Dualte.</p>


<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter size-large"><img decoding="async" src="http://www.especialistamike.com/wp-content/uploads/2020/04/vien1-1.jpg" alt="" class="wp-image-15004"/></figure></div>


<p class="wp-block-paragraph">La película combina perfectamente escenas sobre la vida del personaje con escenas oníricas en las que te muestra cómo habla con Caproni, conocido ingeniero metálico, quien será su mayor inspiración. Estos sueños permiten adentrarse en la psicología del personaje y conocer su pasión por los aviones. </p>


<p class="wp-block-paragraph">Una vez presentado de una
forma tan hábil como es a través de sus sueños al personaje, nos introduce un
par de escenas y da un salto a su etapa universitaria en la que nos presenta al
siguiente personaje importante, que es Naoko Satomi, el interés amoroso de la
historia. A continuación, se nos adentra en el núcleo de la trama, cuando el
protagonista empieza a trabajar para Mitsubishi.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Así, la película trata tres
temas principalmente: la pasión de&nbsp; Jirô
por los aviones, su relación con Naoko Satomi y, de una forma meramente tangencial
el tema de la guerra. </p>


<p class="wp-block-paragraph">El tema de las pasiones debo confesar
que era el que menos me llamaba de esta película. Hay que señalar que los
aviones es una de las pasiones de este director como hemos podido observar a lo
largo de distintos filmes (es el caso de “Nausicäa del Valle del Viento”, “El
castillo en el cielo”, “Nicky la pequeña bruja” o, especialmente “Porco Rosso”),
así que no deja de ser anecdótico que su despedida del Studio Ghibli fuera
contando la vida de una persona a la que le apasionan los aviones. La
diferencia entre esas películas y la que nos encontramos está en que en ésta es
la única en que el tema de la aviación es el punto central de la trama y no un
elemento accesorio. </p>


<p class="wp-block-paragraph">No obstante, para sorpresa
mía, y a pesar de que sea un tema del que se habla durante todo el film, no me
ha resultado nada pesado. Especialmente en esta película el director consigue
transmitir su amor hacia su pasión, consigue que te lleguen incluso a interesar
los aviones, lo que muestra el amor y cariño que puso en el desarrollo del
film.</p>


<p class="wp-block-paragraph">En cuanto a la relación con
Naoko, para mí es donde esta película pincha un poco. A pesar de que las
mejores escenas, para mí, de la película se dan con ella, no termina de
gustarme el desarrollo que sigue esta relación. Se siente como que todo sucede
muy rápido, casi por complaciencia del guión. Es cierto que tienen algunas
escenas románticas, pero se siente como que pasan de simplemente querer
conocerse a comprometerse de una forma demasiado rauda. </p>


<p class="wp-block-paragraph">Aparte que el film no deja de
dejarte con la sensación, así lo sienten otros protagonistas como la hermana de
Jirô, de que su obsesión por los aviones absorbe totalmente su vida. Siente
muchísima pena por Naoko, como que lo abandona todo por estar por él mientras
que él es incapaz de dejar por un tiempo los aviones para disfrutar los
posiblemente últimos días de vida con la mujer que, en teoría, ama. </p>


<p class="wp-block-paragraph">Se siente extraño,
especialmente si tenemos en cuenta que Miyazaki suele dar prioridad a los
personajes femeninos en sus obras, mientras que aquí se siente que la historia
de amor está un poco de más, de relleno. Siento que la relación es totalmente
eclipsada por su trabajo. Y, al final, el mensaje de que hay que continuar con
la vida a pesar de que el viento se levante, viento que simboliza la relación
entre ambos y los conflictos que puedan surgir en la vida, resulta curioso
cuando el protagonista nunca ha impedido que nada le impida alcanzar su sueño
de aviación. Tiene claro desde el principio que los aviones están por encima de
todo, incluso de su propia familia, así que el mensaje que me dejó a mi, que no
es el que te intenta enseñar la película, es que a veces te obcecas con tu trabajo
hasta el punto de que te olvidas lo que realmente importa. La escena en la que
Jirô nota que Naoko ha fallecido por el viento y se olvida de todo es brutal,
desoladora, hace que por primera vez se olvide de los aviones. Pero, al final,
da igual porque la lección que él saca es que tiene que seguir viviendo su
sueño por encima de todo. </p>


<p class="wp-block-paragraph">Sobre el tema bélico, es un
aspecto que quería comentar porque la película fue objeto de críticas por
entender que promovía las guerras y el militarismo, un mensaje que contrasta
con el marcado carácter anti belicista de las producciones de Miyazaki.
Personalmente, creo que esa postura se queda en lo superficial en cuanto al
mensaje que ofrece el film, ignorando los distintos mensajes que se ofrecen a
través de los sueños del protagonista en los que se observa que él siente
pasión por los aviones como medio para transportar personas, mientras que son
los Gobiernos y los militares los que tienen interés en usarlos para combatir. Es
cierto que el protagonista acepta trabajar para una empresa sabiendo que están
construyendo aviones para su uso bélico, pero porque es su única opción de
alcanzar su sueño. Además, la propia película tiene distintos mensajes en los
que de forma clara se pronuncia en contra de las guerras criticando el papel de
Japón en la Segunda Guerra Mundial. </p>


<p class="wp-block-paragraph">Ese marcado elemento bélico,
teniendo en cuenta el contexto en el que se ubica, añade otro elemento de
interés a la película, ya que te permite entender mucho mejor la situación de
Japón antes de entrar en la Segunda Guerra Mundial. Es una fantástica forma de
aprender Historia ya que se pueden observar tanto personajes que tuvieron
relevancia en esta Guerra, como el avance de la industria japonesa y&nbsp; las relaciones de colaboración entre
japoneses y alemanes. La película concluye precisamente con la conclusión de la
Segunda Guerra Mundial aunque no te lo diga de forma expresa.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Todo esto, en lo que se
refiere al aspecto temático. Respecto a la animación, la película presenta un
acabado visual esplendido, con imágenes preciosas de paisajes, mostrando
diseños de aeronaves que son sencillamente espléndidos. Los diseños de los
personajes resultan atractivos y se asemejan a los personajes reales si se
comparan, alcanzando un nivel algo cómico como es el caso de Mitsubishi. </p>


<p class="wp-block-paragraph">En definitiva, quizás no sea
la mejor película de Miyazaki, pero es un producto muy personal que denota
ganas de dedicar su último trabajo, hasta la fecha, a una de las aficiones que
más le apasionaba, la aeronáutica, consiguiendo crear un producto muy notable e
interesante.</p>
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			</item>
		<item>
		<title>STUDIO GHIBLI EN NETFLIX: LA COLINA DE LAS AMAPOLAS (2011)</title>
		<link>https://www.especialistamike.com/studio-ghibli-en-netflix-la-colina-de-las-amapolas-2011/?utm_source=rss&#038;utm_medium=rss&#038;utm_campaign=studio-ghibli-en-netflix-la-colina-de-las-amapolas-2011</link>
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		<dc:creator><![CDATA[pablo]]></dc:creator>
		<pubDate>Thu, 23 Apr 2020 15:08:26 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
		<category><![CDATA[Dvdteca]]></category>
		<category><![CDATA[Reviews]]></category>
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					<description><![CDATA[La siguiente película de este especial se estrenó en 2011 basada en el manga de “Desde el monte de amapolas” de Tetsurô Sayama y Chizuru Takahashi. Si bien el guión corrió a cargo de Keiko Niwa y Hayao Miyazaki, la dirección corresponde a Goro Miyazaki, el hijo de este último, quien tuvo su segunda oportunidad en el estudio después de la disputa que tuvieron ambos con ocasión de “Cuentos de Terramar”, logrando convertir la película en la más taquillera de ese año en Japón. La película estuvo doblada originariamente por Masami Nagasawa en el papel de Umi Matsuzaki, Junichi Okada en el papel de Shun Kazama, Shunsuke Kazama en el papel de SHiro Mizunuma, Haruka SHiraishi en el papel de Sora Matsuzaki, Rumi Hiiragi en el papel de Sachiko Hirokoji, Toshimi Kanno en el papel de Nobuko, Shunsuke Kazama en el papel de Hiroshi Tachibana, Teruyuki en el papel de Presidente Tokumaru, Yuriko Ishida en el papel de Miki Hokuto, Nao Ômori en el papel de Akio Kazama, Junichi Okada en el papel de Yuichiro Sawamura y Takashi Naitô en el papel de Yoshio Onodera. En España, el doblaje corrió a cargo, respectivamente, de Blanca Hualde, Jon Samaniego, Jaime Comapany, Marío Blanco, Carmen Cervantes, Inés Blázquez, Jorge Hernández, Rafael Azcárraga, Pilar Coronado, Teo Muñoz, Pablo Esquerra y Fernando Serna. “La colina de las amapolas” es una película preciosa con un tono muy alegre que, sin llegar a los niveles de profundidad y trasfondo de otras películas, mantiene cierto encanto y cierta magia que es propia de este estudio, en particular el amor hacia la naturaleza, aunque de forma menos directa que en otros filmes, pero logrando mostrar la magia que se encuentra en nuestro mundo real, en este caso en un edificio antiguo que es amado por los estudiantes de un instituto. Es una película muy inocentona, con una trama y un guión muy sencillos y con determinados giros de guión que te puedes oler por el camino, pero que están trabajados de una manera impecable tanto a la hora de mostrar las relaciones entre los personajes como a la hora de contarte la historia. La película narra principalmente la relación entre Umi Matsuzaki y Shun Kazama en el contexto de una lucha estudiantil para evitar la demolición de un edificio antiguo llamado “el Barrio Latino”, en el que los estudiantes organizan diversos clubs extraescolares. A través de ese edificio que, al igual que sirve de punto de encuentro para los estudiantes también lo es para nuestros protagonistas, se va forjando una relación en la que poco a poco iremos desvelando detalles del pasado de ambos personajes, manteniendo siempre un punto de intriga que permite avanzar a la historia, que actuarán como obstáculos en la relación. En esta película, presente y pasado se unen, mostrando la necesidad de las generaciones jóvenes de buscar en su pasado para poder dar respuestas a sus conflictos del presente. Ése es el conflicto al que se enfrentan ambos protagonistas en su relación y que tiene cierto paralelismo con el conflicto con el Barrio Latino. La relación entre ambos me ha parecido preciosa, construida de una forma muy sana. A ambos les coges cariño en seguida por su carisma y sus ganas de luchar por aquello que anhelan. El espectador es testigo de cómo avanza su relación desde que se conocen y consiguen hacerle partícipe, que realmente desee que estén juntos, que disfrutes de los momentos en los que están a solas. Es mágica la forma que la película consigue que empatices con esa relación, de modo que el final te deja inevitablemente una sensación muy dulce. En cuanto al Barrio Latino, ocurre otro tanto, ya que la película consigue transmitirte el amor que sienten los personajes hacia este edificio. Desde un primer momento en el que está totalmente sucio, desprende cierto toque de magia, quizás es conseguido gracias a la gran banda sonora del film, pero que estalla en el momento en el que los estudiantes consiguen reconstruirlo. La belleza que transmite esta animación no puede describirse con otra palabra que no sea: mágica. En definitiva, estamos ante otra buena película del estudio que, pese a que no llegue, al nivel de las joyas maestras del Studio Ghibli, sí que presenta una calidad impresionante. Realmente la recomiendo a todo el que busque una historia sobre una relación con la que ilusionarse y esté cansado de los clásicos tópicos que se repiten una y otra vez en el cine de adolescentes europeo o estadounidense.]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[
<p class="wp-block-paragraph">La siguiente película de este especial se estrenó en 2011
basada en el manga de “Desde el monte de amapolas” de Tetsurô Sayama y Chizuru
Takahashi. Si bien el guión corrió a cargo de Keiko Niwa y Hayao Miyazaki, la
dirección corresponde a Goro Miyazaki, el hijo de este último, quien tuvo su
segunda oportunidad en el estudio después de la disputa que tuvieron ambos con
ocasión de “Cuentos de Terramar”, logrando convertir la película en la más
taquillera de ese año en Japón.</p>


<p class="wp-block-paragraph">La película estuvo doblada originariamente por Masami Nagasawa
en el papel de Umi Matsuzaki, Junichi Okada en el papel de Shun Kazama, Shunsuke
Kazama en el papel de SHiro Mizunuma, Haruka SHiraishi en el papel de Sora
Matsuzaki, Rumi Hiiragi en el papel de Sachiko Hirokoji, Toshimi Kanno en el
papel de Nobuko, Shunsuke Kazama en el papel de Hiroshi Tachibana, Teruyuki en
el papel de Presidente Tokumaru, Yuriko Ishida en el papel de Miki Hokuto, Nao
Ômori en el papel de Akio Kazama, Junichi Okada en el papel de Yuichiro
Sawamura y Takashi Naitô en el papel de Yoshio Onodera.</p>


<p class="wp-block-paragraph">En España, el doblaje corrió a cargo, respectivamente, de Blanca Hualde, Jon Samaniego, Jaime Comapany, Marío Blanco, Carmen Cervantes, Inés Blázquez, Jorge Hernández, Rafael Azcárraga, Pilar Coronado, Teo Muñoz, Pablo Esquerra y Fernando Serna.</p>


<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://www.ecartelera.com/images/sets/33300/33364.jpg" alt="La colina de las amapolas', la delicadeza escondida de Studio ..."/></figure></div>


<p class="wp-block-paragraph">“La colina de las amapolas” es una película preciosa con
un tono muy alegre que, sin llegar a los niveles de profundidad y trasfondo de
otras películas, mantiene cierto encanto y cierta magia que es propia de este
estudio, en particular el amor hacia la naturaleza, aunque de forma menos
directa que en otros filmes, pero logrando mostrar la magia que se encuentra en
nuestro mundo real, en este caso en un edificio antiguo que es amado por los
estudiantes de un instituto.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Es una película muy inocentona, con una trama y un guión
muy sencillos y con determinados giros de guión que te puedes oler por el
camino, pero que están trabajados de una manera impecable tanto a la hora de
mostrar las relaciones entre los personajes como a la hora de contarte la
historia. </p>


<p class="wp-block-paragraph">La película narra principalmente la relación entre Umi
Matsuzaki y Shun Kazama en el contexto de una lucha estudiantil para evitar la demolición
de un edificio antiguo llamado “el Barrio Latino”, en el que los estudiantes
organizan diversos clubs extraescolares. A través de ese edificio que, al igual
que sirve de punto de encuentro para los estudiantes también lo es para
nuestros protagonistas, se va forjando una relación en la que poco a poco
iremos desvelando detalles del pasado de ambos personajes, manteniendo siempre
un punto de intriga que permite avanzar a la historia, que actuarán como
obstáculos en la relación.</p>


<p class="wp-block-paragraph">En esta película, presente y pasado se unen, mostrando la
necesidad de las generaciones jóvenes de buscar en su pasado para poder dar
respuestas a sus conflictos del presente. Ése es el conflicto al que se
enfrentan ambos protagonistas en su relación y que tiene cierto paralelismo con
el conflicto con el Barrio Latino. </p>


<p class="wp-block-paragraph">La relación entre ambos me ha parecido preciosa,
construida de una forma muy sana. A ambos les coges cariño en seguida por su
carisma y sus ganas de luchar por aquello que anhelan. El espectador es testigo
de cómo avanza su relación desde que se conocen y consiguen hacerle partícipe,
que realmente desee que estén juntos, que disfrutes de los momentos en los que
están a solas. Es mágica la forma que la película consigue que empatices con
esa relación, de modo que el final te deja inevitablemente una sensación muy
dulce.</p>


<p class="wp-block-paragraph">En cuanto al Barrio Latino, ocurre otro tanto, ya que la
película consigue transmitirte el amor que sienten los personajes hacia este
edificio. Desde un primer momento en el que está totalmente sucio, desprende
cierto toque de magia, quizás es conseguido gracias a la gran banda sonora del
film, pero que estalla en el momento en el que los estudiantes consiguen
reconstruirlo. La belleza que transmite esta animación no puede describirse con
otra palabra que no sea: mágica. </p>


<p class="wp-block-paragraph">En definitiva, estamos ante otra buena película del
estudio que, pese a que no llegue, al nivel de las joyas maestras del Studio
Ghibli, sí que presenta una calidad impresionante. Realmente la recomiendo a
todo el que busque una historia sobre una relación con la que ilusionarse y
esté cansado de los clásicos tópicos que se repiten una y otra vez en el cine
de adolescentes europeo o estadounidense. </p>
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			</item>
		<item>
		<title>STUDIO GHIBLI EN NETFLIX: PONYO EN EL ACANTILADO (2008)</title>
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		<dc:creator><![CDATA[pablo]]></dc:creator>
		<pubDate>Mon, 20 Apr 2020 16:41:23 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
		<category><![CDATA[Dvdteca]]></category>
		<category><![CDATA[Reviews]]></category>
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					<description><![CDATA[La próxima parada nos deja cerca del mar, en un acantilado. “Ponyo en el acantilado” es una película inspirada en el cuento de “La sirenita” de Hans Christian Andersen que estuvo escrita y dirigida por Hayao Miyazaki, estrenándose en Japón en 2008. El film fue un éxito a nivel mundial, recibiendo diversos premios como el Premio de la Academia Japonesa a la mejor animación en el año en 2009. La película está doblada originariamente por Yuria Nara en el papel de Ponyo, Hiroki Doi en el papel de Sousuke, Jôji Tokoro en el papel de Fujimoto, Tomoko Yamaguchi en el papel de Lisa, Kazuko Yoshiyuki en el papel de Toki, Yuki Amami en el papel de Grandmmare, Zagushige en el papel de Koichi, Nozomi Ohashi en el papel de Noriko, Tomoko Naraoa en el papel de Yoshie, Yokie Hidari en el papel de Kayo y Emi Hiraoka en el papel de Kumiko. En Netflix no aparece el doblaje español que se difundió en la versión DVD aunque sí aparece el doblaje en latino. En cualquier caso, este doblaje corrió a cargo de Ana Esther Alborg, Pilar Martín, Alfonso Laguna, mercedes Cepeda, Pilar Gentil, Licia Alonso, Óscar Castellanos, María Romero, Selica Torcal, Celia Ballester y Miriam Valencia. Bueno, hay que decir que, pese a estar inspirada en el citado y aclamado cuento de Andersen, poco tiene que ver. Aparecen los elementos básicos, hay una sirena que quiere convertirse en humana para vivir con un humano del que se ha enamorado, hay un brujo que le convierte en humana y hay un objetivo claro de conseguir el amor del humano para poder acabar viviendo feliz siendo humana. Pero esos elementos no están tratados ni de lejos como en el cuento y la historia presenta cierta magia, encanto e inocencia que no aparecen ni en el cuento ni en la adaptación de Disney. Analizando esos elementos básicos, es cierto que hay Ponyo quiere ser humana para poder vivir con Sousuke, pero la relación entre ellos no se ve nada sexual sino que se siente más como una relación entre amigos de infancia. Al principio por la propia forma de la sirena, es más como una relación de amistad entre un niño y su mascota y, después, como amigos y hermanos. Al final, cuando se dan un beso, no se siente como un beso de amor verdadero ni como un beso romántico, sino como un amor fraternal. En cuanto al brujo es un personaje muy curioso que, durante la primera mitad, se siente como el villano pero luego te das cuenta de que es más bien como un padre que no sabe cómo tratar a su hija y quiere imponer la forma de ver las cosas porque, a su entender, es la forma de salvar el mundo. Es una metáfora del típico comportamiento que critica Miyazaki de imponer a nuestros hijos la forma de ver el mundo. En este apartado, hay que señalar que su mujer es la diosa del Mar, un personaje sabio que le hace caer en su error. Además, es el personaje cómico del film. Y, en cuanto el amor, como decía no se siente tanto como amor en un sentido romántico, sino en un sentido más amplio y familiar. Es una película que te introduce en un viaje mágico por una ciudad marítima que se siente como un juego, te hace volver a tu infancia e irte a jugar con tus amigos al agua. Estás toda ella con una sonrisa porque es imposible que no te sientas parte de ese juego, capitaneado por Sousuke en un barco creado por Ponyo. La magia de toda la película, todo lo que hace Ponyo parece más una simbología del poder de la imaginación y del poder de la infancia. Ese momento de tu vida en el que todo parece posible y estás lleno de energía. Así les ocurre a las ancianitas al final que se ven corriendo jugando por todas partes. Una magia que surge cuando Ponyo se convierte en humana pero que traspasa las barreras de la televisión y consigue llegar al espectador haciéndole sentir un niño de nuevo. En cuanto a los aspectos técnicos, debo hacer mención a un elemento que me tiraba para atrás de la película, que fue cuando vi el diseño de las sirenitas, todas iguales con un diseño muy básico e incluso cutre. Tras ver la película, me gustaría pedir disculpas a Miyazaki por dudar de él y confesar que todos los diseños me han parecido espectaculares y en perfecta consonancia con la magia y alegría infantil que transmite la película. Y debo hacer una mención especial al diseño de las olas, sencillamente magistral. De hecho, la escena de Ponyo corriendo por encima de las olas es la mejor de la película. En definitiva, es una película muy alegre y divertida que recomiendo a cualquier niño y también a cualquier adulto que quiera relajarse y volver a ser un niño. Otra forma de contar el cuento de la sirenita más adecuada para un niño y con una magia que sólo el Studio Ghibli es capaz de transmitir.]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[
<p class="wp-block-paragraph">La próxima parada nos deja cerca del mar, en un
acantilado. “Ponyo en el acantilado” es una película inspirada en el cuento de
“La sirenita” de Hans Christian Andersen que estuvo escrita y dirigida por
Hayao Miyazaki, estrenándose en Japón en 2008. El film fue un éxito a nivel
mundial, recibiendo diversos premios como el Premio de la Academia Japonesa a
la mejor animación en el año en 2009.</p>


<p class="wp-block-paragraph">La película está doblada originariamente por Yuria Nara en
el papel de Ponyo, Hiroki Doi en el papel de Sousuke, Jôji Tokoro en el papel
de Fujimoto, Tomoko Yamaguchi en el papel de Lisa, Kazuko Yoshiyuki en el papel
de Toki, Yuki Amami en el papel de Grandmmare, Zagushige en el papel de Koichi,
Nozomi Ohashi en el papel de Noriko, Tomoko Naraoa en el papel de Yoshie, Yokie
Hidari en el papel de Kayo y Emi Hiraoka en el papel de Kumiko.</p>


<p class="wp-block-paragraph">En Netflix no aparece el doblaje español que se difundió en la versión DVD aunque sí aparece el doblaje en latino. En cualquier caso, este doblaje corrió a cargo de Ana Esther Alborg, Pilar Martín, Alfonso Laguna, mercedes Cepeda, Pilar Gentil, Licia Alonso, Óscar Castellanos, María Romero, Selica Torcal, Celia Ballester y Miriam Valencia.</p>


<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://hips.hearstapps.com/hmg-prod.s3.amazonaws.com/images/ponyo-2-1556098712.png?crop=0.710xw:0.945xh;0.163xw,0.0290xh&amp;resize=640:*" alt="Ponyo en el acantilado': 'La Sirenita' ecologista del Studio Ghibli"/></figure></div>


<p class="wp-block-paragraph">Bueno, hay que decir que, pese a estar inspirada en el
citado y aclamado cuento de Andersen, poco tiene que ver. Aparecen los
elementos básicos, hay una sirena que quiere convertirse en humana para vivir
con un humano del que se ha enamorado, hay un brujo que le convierte en humana
y hay un objetivo claro de conseguir el amor del humano para poder acabar
viviendo feliz siendo humana. Pero esos elementos no están tratados ni de lejos
como en el cuento y la historia presenta cierta magia, encanto e inocencia que
no aparecen ni en el cuento ni en la adaptación de Disney.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Analizando esos elementos básicos, es cierto que hay Ponyo
quiere ser humana para poder vivir con Sousuke, pero la relación entre ellos no
se ve nada sexual sino que se siente más como una relación entre amigos de
infancia. Al principio por la propia forma de la sirena, es más como una
relación de amistad entre un niño y su mascota y, después, como amigos y
hermanos. Al final, cuando se dan un beso, no se siente como un beso de amor
verdadero ni como un beso romántico, sino como un amor fraternal.</p>


<p class="wp-block-paragraph">En cuanto al brujo es un personaje muy curioso que,
durante la primera mitad, se siente como el villano pero luego te das cuenta de
que es más bien como un padre que no sabe cómo tratar a su hija y quiere
imponer la forma de ver las cosas porque, a su entender, es la forma de salvar
el mundo. Es una metáfora del típico comportamiento que critica Miyazaki de
imponer a nuestros hijos la forma de ver el mundo. En este apartado, hay que
señalar que su mujer es la diosa del Mar, un personaje sabio que le hace caer
en su error. Además, es el personaje cómico del film.</p>


<p class="wp-block-paragraph">Y, en cuanto el amor, como decía no se siente tanto como
amor en un sentido romántico, sino en un sentido más amplio y familiar. </p>


<p class="wp-block-paragraph">Es una película que te introduce en un viaje mágico por
una ciudad marítima que se siente como un juego, te hace volver a tu infancia e
irte a jugar con tus amigos al agua. Estás toda ella con una sonrisa porque es
imposible que no te sientas parte de ese juego, capitaneado por Sousuke en un
barco creado por Ponyo.</p>


<p class="wp-block-paragraph">La magia de toda la película, todo lo que hace Ponyo
parece más una simbología del poder de la imaginación y del poder de la
infancia. Ese momento de tu vida en el que todo parece posible y estás lleno de
energía. Así les ocurre a las ancianitas al final que se ven corriendo jugando
por todas partes. Una magia que surge cuando Ponyo se convierte en humana pero
que traspasa las barreras de la televisión y consigue llegar al espectador
haciéndole sentir un niño de nuevo.</p>


<p class="wp-block-paragraph">En cuanto a los aspectos técnicos, debo hacer mención a un
elemento que me tiraba para atrás de la película, que fue cuando vi el diseño
de las sirenitas, todas iguales con un diseño muy básico e incluso cutre. Tras
ver la película, me gustaría pedir disculpas a Miyazaki por dudar de él y
confesar que todos los diseños me han parecido espectaculares y en perfecta
consonancia con la magia y alegría infantil que transmite la película. Y debo
hacer una mención especial al diseño de las olas, sencillamente magistral. De
hecho, la escena de Ponyo corriendo por encima de las olas es la mejor de la
película.</p>


<p class="wp-block-paragraph">En definitiva, es una película muy alegre y divertida que
recomiendo a cualquier niño y también a cualquier adulto que quiera relajarse y
volver a ser un niño. Otra forma de contar el cuento de la sirenita más
adecuada para un niño y con una magia que sólo el Studio Ghibli es capaz de
transmitir.</p>
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