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	<title>Cara a cara &#8211; EspecialistaMike.com</title>
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	<description>Cine, Series, Frikadas</description>
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		<title>STAR WARS VII: EL DESPERTAR TRAMPOSO DE LA FUERZA</title>
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		<dc:creator><![CDATA[captain]]></dc:creator>
		<pubDate>Fri, 01 Jan 2016 23:03:26 +0000</pubDate>
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		<category><![CDATA[Críticas]]></category>
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					<description><![CDATA[[xrr rating=2.5/5] Cuando en 1977 se mal estrenaba Star Wars en contados cines, se produjo lo impensable, un éxito de público propiciado por el boca a boca. Era el comienzo de un nuevo viaje a las estrellas, otra manera muy diferente de ver el espacio, mucho más cercana que no el monolito de Stanley Kubrick, un film underground para la época que se pasó de presupuesto estigmatizando la posterior producción de films de ciencia-ficción. Pero el apabullante éxito de Star Wars propiciaría una segunda y tercera parte en los 80&#8242;: El Impeio Contraataca (1980), según crítica y fans la mejor de la saga, y El Retorno del Jedi (1983), ya con el control financiero, gracias a los derechos de lo que ahora llamamos merchandising y con un control creativo total de un joven George Lucas que iba creando divisiones de efectos especiales (Industrial Light&#38;Magic), de hardware computerizado (Pixar) y hasta de videojuegos (Lucas Film Games). George Lucas es el George Méliès del cine moderno, un creador de universos interesado más en elaborar la técnica al servicio de la creatividad que no dirigir actores en un set de rodaje. Lo suyo no son las personas, lo suyo es construir universos, es un arquitecto de estructuras. Si embargo, el fan de Star Wars, el que creció con la primera trilogía (aka @rgmorallon), viene con una demanda emocional, viene con la frustración que no le dieron la nuevas películas digitales al inicio de este milenio. El fan no le perdonó a Lucas la infantilización de la saga y unas interpretaciones lamentables teniendo tan buenos actores como Natalie Portman o Ewan McGregor. Ante esta frustración de años y más años y de un crecimiento continuado de lo que se llama el universo extaendido de Star Wars, el aficionado ha ido esperando pacientemente y ahora por fin llegaba el momento de recuperar esa emoción de la mano de Disney. Todos celebramos la noticia, yo el primero, y más cuando el encargado de volver a hacer despegar el Halcón Milenario sería J.J. Abrams, un director que mantuvo en vilo a medio planeta con el final de una de las series más novedosas y originales como fue Lost, una auténtica caja de Pandora, un juego infinito de matryoshkas. J.J. Abrams es mejor director que guionista, es mejor prestidigitador y encantador de serpientes (domina muy bien los mensajes 2.0 en las redes), si tenéis curiosidad lo podéis ver in flow en esta TED https://www.youtube.com/watch?v=z1s6kviVucE. J.J.Abrams es un director de moda que conecta con la gente joven y que resucitó un muerto muy muerto como era la saga de Star Trek, pocos ruedan como él las escenas de acción y tiene además algo que a mí me gusta gusto. Cómo te engaña para luego descubrirte la cosas&#8230;lástima que no aunara el momnto de quitarse la máscara con la muerte del icónico Han Solo. Aquí, a mi modo de ver, le quitó fuerza. Disney ha entrado a por todas, lanzando una campaña galáctica, no hay producto que se haya quedado fuera, a fin de amortizar la inversión. Sólo la preventa del estreno de Star Wars: El Despertar de la Fuerza ha marcado un antes y un después, habiendo amortizado el coste del film, independientemente de su crítica. El que escribe es consciente que no estoy solamente ante un film, limitarme a su análisis cinematográfico, sería muy pobre por mi parte. El fenómeno Star Wars se ha convertido con el paso del tiempo en una cultura propia, más allá de iconos puntuales como Darth Vader, etc. considero que estamos ante un relato moderno de nuestra propia mitología moderna, es la nueva Odisea donde Ulises es Han Solo. En qué momento de nuestras vidas tienes la posibilidad, recordemos que somos la primera generación en poder experimentar estas emociones, de entrar en un sala de cine y poder volver a ver a los mismos personajes de hace más de 30 años. No es fácil tratar de recuperar emociones pretéritas, más que nada porque nuestro cerebro las va modelando, el tiempo es escultor de manos habilidosas y tramposas. El propio J.J.Abrams dirigió Super 8, producido por un Steven Spilberg en un intento fallido por atraer a esa generación que crecimos con The Goonies (1985). J.J.Abrams es un director más valiente como para calcar la trama de este nuevo Star Wars: El Despertar de la Fuerza (2015) con El Imperio Contraataca (1980). Otra especie de Estrella de la Muerte, otra vez un punto débil, otra vez. Los fans aceptamos todos esos detalles que nos conectan emocionalmente con la saga: volver a volar con el Halcón Milenario, volver a ver a Han Solo y Chewi, volver a las chapuzas de la nave cuando se estropea&#8230;pero una vez que nos tienes encganchados, que te lo ponemos fácil porque entramos entregados como mi compañero @akamerc, por qué te echas para atrás, ¿por qué?. El primer bloque del film tiene un ritmo endiablado, los nuevos personajes están bien presentados y sin duda, el potencial de la protagonista femenina interpretada por la joven Daisy Ridley y su antagónico por Adam Driver, se mueve increíblemente, sólo vienen empañados por un elenco de antagonistas más dibujados, lo de la Capitana Phasma es de risa, y el holograma de Mago de Oz como pseudo Emperador es lamentable. A medida que avanza la película J.J.Abrams se fue alejando de sí mismo, las cada vez más numerosas reuniones con Disney, recordemos que Star Wars vuelve a ser un film de estudio, parecen haberle ido podando conexiones neuronales a la creatividad de un director que es puro chispazo. La emoción inicial no se sostiene, hay chistes que sobran, hay elementos de guión que no se entienden&#8230;da igual, se lo hubiera perdonado, pero es verdad, lo decía el slogan de la campaña de Disney: cada generación tiene su historia. La cosa anda dividida a partes iguales si chequeamos las  redes. Star Wars VII: El Despertar de la Fuerza (2015) es una buena película, entretenida y que visualmente ha recuperando las maquetas y construir un BB-8, el nuevo R2D2, de verdad para algunas escenas, pero no, esto no es Star Wars. J.J.Abrams se ha dejado vencer por la ocuridad de las orejas de ratón, que ya le ha dado los otras dos episodios a directores mucho más manejables. No exiguir más y contentarnos con pequeños guiños emocionales y disfrutar sólo de la acción no me parece suficiente para todo el Universo que nos dejó George Lucas. Todo lo demás es discutible, y yo soy el primero que se vino con un póster de 3&#215;3 metros cargado en el tren de la premiére de Londres, yo soy el primero que aplaude la ilusión de mis compañeros de especialistamike, pero salí del cine sin la emoción suficiente, sabiendo como se del potencial de este director, sabiendo del potencial de estos actores que poco pueden hacer cuando el guión es tramposete y no arriesga nada. La fuerza está despertando, veremos qué sucede, espero y deseo que no nos vendan un remake encubierto de la trilogía clásica, de momento sigo esperando algo más que un yo soy tu padre 2.0  ]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[<p style="text-align: justify;"><span style="line-height: 1.5;">[xrr rating=2.5/5]</span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="line-height: 1.5;">Cuando en 1977 se mal estrenaba </span><em style="line-height: 1.5;"><strong>Star Wars </strong></em><span style="line-height: 1.5;">en contados cines, se produjo lo impensable, un éxito de público propiciado por el boca a boca. Era el comienzo de un nuevo viaje a las estrellas, otra manera muy diferente de ver el espacio, mucho más cercana que no el monolito de </span><strong style="line-height: 1.5;">Stanley Kubrick</strong><span style="line-height: 1.5;">, un film </span><em style="line-height: 1.5;">underground</em><span style="line-height: 1.5;"> para la época que se pasó de presupuesto estigmatizando la posterior producción de films de ciencia-ficción.</span></p>
<p style="text-align: justify;">Pero el apabullante éxito de <em><strong>Star Wars</strong></em> propiciaría una segunda y tercera parte en los 80&#8242;:<em> <strong>El Impeio Contraataca (1980)</strong></em>, según crítica y fans la mejor de la saga, y<strong><em> El Retorno del Jedi (1983)</em>,</strong> ya con el control financiero, gracias a los derechos de lo que ahora llamamos <em>merchandising</em> y con un control creativo total de un joven <strong>George Lucas</strong> que iba creando divisiones de efectos especiales (<em>Industrial Light&amp;Magic</em>), de hardware computerizado (<em>Pixar</em>) y hasta de videojuegos (<em>Lucas Film Games</em>). <strong>George Lucas</strong> es el <strong>George Méliès</strong> del cine moderno, un creador de universos interesado más en elaborar la técnica al servicio de la creatividad que no dirigir actores en un set de rodaje. Lo suyo no son las personas, lo suyo es construir universos, es un arquitecto de estructuras.</p>
<p style="text-align: justify;">Si embargo, el fan de <strong>Star Wars</strong>, el que creció con la primera trilogía (aka @rgmorallon), viene con una demanda emocional, viene con la frustración que no le dieron la nuevas películas digitales al inicio de este milenio. El fan no le perdonó a Lucas la infantilización de la saga y unas interpretaciones lamentables teniendo tan buenos actores como <strong>Natalie Portman</strong> o <strong>Ewan McGregor</strong>. Ante esta frustración de años y más años y de un crecimiento continuado de lo que se llama <em><strong>el</strong></em><strong><em> universo extaendido de Star Wars, </em></strong>el aficionado ha ido esperando pacientemente y ahora por fin llegaba el momento de recuperar esa emoción de la mano de <strong>Disney.</strong></p>
<p style="text-align: justify;">Todos celebramos la noticia, yo el primero, y más cuando el encargado de volver a hacer despegar el Halcón Milenario sería <strong>J.J. Abrams, </strong>un director que mantuvo en vilo a medio planeta con el final de una de las series más novedosas y originales como fue <strong>Lost, una auténtica caja de Pandora, un juego infinito de <em>matryoshkas</em>.</strong> J.J. Abrams es mejor director que guionista, es mejor prestidigitador y encantador de serpientes (domina muy bien los mensajes 2.0 en las redes), si tenéis curiosidad lo podéis ver in flow en esta <strong>TED</strong> <a href="https://www.youtube.com/watch?v=z1s6kviVucE">https://www.youtube.com/watch?v=z1s6kviVucE</a>. <strong>J.J.Abrams</strong> es un director de moda que conecta con la gente joven y que <strong>resucitó un muerto muy muerto como era la saga de Star Trek, </strong>pocos ruedan como él las escenas de acción y tiene además algo que a mí me gusta gusto. Cómo te engaña para luego descubrirte la cosas&#8230;lástima que no aunara el momnto de quitarse la máscara con la muerte del icónico <strong>Han Solo</strong>. Aquí, a mi modo de ver, le quitó fuerza.</p>
<p style="text-align: justify;"><strong>Disney</strong> ha entrado a por todas, lanzando una campaña galáctica, no hay producto que se haya quedado fuera, a fin de amortizar la inversión. Sólo la preventa del estreno de Star Wars: El Despertar de la Fuerza ha marcado un antes y un después, habiendo amortizado el coste del film, independientemente de su crítica.</p>
<p style="text-align: justify;">El que escribe es consciente que no estoy solamente ante un film, limitarme a su análisis cinematográfico, sería muy pobre por mi parte. El fenómeno Star Wars se ha convertido con el paso del tiempo en una cultura propia, más allá de iconos puntuales como Darth Vader, etc. <strong>considero que estamos ante un relato moderno de nuestra propia mitología moderna, es la nueva <em>Odisea</em> donde Ulises es Han Solo.</strong></p>
<p style="text-align: justify;"><a href="http://www.especialistamike.com/wp-content/uploads/2016/01/FullSizeRender.jpg" data-lightbox="gallery"  rel="attachment wp-att-8252"><img fetchpriority="high" decoding="async" class="aligncenter wp-image-8252" src="http://www.especialistamike.com/wp-content/uploads/2016/01/FullSizeRender-300x225.jpg" alt="star wars VII" width="580" height="435" /></a></p>
<p style="text-align: justify;">En qué momento de nuestras vidas tienes la posibilidad, recordemos que somos la primera generación en poder experimentar estas emociones, de entrar en un sala de cine y poder volver a ver a los mismos personajes de hace más de 30 años. No es fácil tratar de recuperar emociones pretéritas, más que nada porque nuestro cerebro las va modelando, el tiempo es escultor de manos habilidosas y tramposas. El propio <strong>J.J.Abrams</strong> dirigió <em><strong>Super 8, </strong></em>producido por un <strong>Steven Spilberg</strong> en un intento fallido por atraer a esa generación que crecimos con<strong><em> The Goonies (1985).</em></strong></p>
<p style="text-align: justify;">J.J.Abrams es un director más valiente como para calcar la trama de este nuevo <em><strong>Star Wars: El Despertar de la Fuerza (2015)</strong></em> con <strong>El Imperio Contraataca (1980). </strong>Otra especie de Estrella de la Muerte, otra vez un punto débil, otra vez. Los fans aceptamos todos esos detalles que nos conectan emocionalmente con la saga: volver a volar con el Halcón Milenario, <strong>volver a ver a <em>Han Solo</em> y <em>Chewi</em></strong>, volver a las chapuzas de la nave cuando se estropea&#8230;pero una vez que nos tienes encganchados, que te lo ponemos fácil porque entramos entregados como mi compañero @akamerc, por qué te echas para atrás, ¿por qué?. El primer bloque del film tiene un ritmo endiablado, los nuevos personajes están bien presentados y sin duda, el potencial de la protagonista femenina interpretada por la joven <strong>Daisy Ridley</strong> y su antagónico por <strong>Adam Driver</strong>, se mueve increíblemente, sólo vienen empañados por un elenco de antagonistas más dibujados, lo de la <strong>Capitana Phasma</strong> es de risa, y el holograma de Mago de Oz como pseudo Emperador es lamentable.</p>
<p style="text-align: justify;">A medida que avanza la película <strong>J.J.Abrams se fue alejando de sí mismo</strong>, las cada vez más numerosas reuniones con Disney, recordemos que Star Wars vuelve a ser un film de estudio, parecen haberle ido podando conexiones neuronales a la creatividad de un director que es puro chispazo. <strong>La emoción inicial no se sostiene,</strong> hay chistes que sobran, hay elementos de guión que no se entienden&#8230;da igual, se lo hubiera perdonado, pero es verdad, lo decía el slogan de la campaña de Disney: <strong><em>cada generación tiene su historia</em></strong>. La cosa anda dividida a partes iguales si chequeamos las  redes. <strong>Star Wars VII: El Despertar de la Fuerza (2015)</strong> es una buena película, entretenida y que visualmente ha recuperando las maquetas y construir un BB-8, el nuevo R2D2, de verdad para algunas escenas, pero no, esto no es Star Wars.<strong> J.J.Abrams se ha dejado vencer por la ocuridad de las orejas de ratón</strong>, que ya le ha dado los otras dos episodios a directores mucho más manejables. No exiguir más y contentarnos con pequeños guiños emocionales y disfrutar sólo de la acción no me parece suficiente para todo el Universo que nos dejó<strong> George Lucas.</strong></p>
<p style="text-align: justify;">Todo lo demás es discutible, y <strong>yo soy el primero que se vino con un póster de 3&#215;3 metros cargado en el tren de la premiére de Londres,</strong> yo soy el primero que aplaude la ilusión de mis compañeros de <em>especialistamike,</em> pero salí del cine sin la emoción suficiente, sabiendo como se del potencial de este director, sabiendo del potencial de estos actores que poco pueden hacer cuando <strong>el guión es tramposete y no arriesga nada.</strong></p>
<p style="text-align: justify;">La fuerza está despertando, veremos qué sucede, espero y deseo que no nos vendan un remake encubierto de la trilogía clásica, de momento sigo esperando algo más que un <strong><em>yo soy tu padre 2.0</em></strong></p>
<p style="text-align: justify;"><strong><em> </em></strong></p>
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		<title>Origen, face to face</title>
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		<dc:creator><![CDATA[Maxrebo]]></dc:creator>
		<pubDate>Thu, 12 Aug 2010 07:22:09 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Cara a cara]]></category>
		<category><![CDATA[Christopher Nolan]]></category>
		<category><![CDATA[Inception]]></category>
		<category><![CDATA[Origen]]></category>
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					<description><![CDATA[El sueño se viene abajo, por Captain El sueño sigue siendo aún uno de los grandes misterios de la ciencia, científicamente no sabemos por qué soñamos. Lo único cierto es que quienes no pueden dormir acaban muriendo (FFI) y que los sueños ,por mucha interpretación freudiana, provienen del subconsciente de una manera totalmente descontrolada y azarosa. Desde esta premisa, el cine deviene el ejercicio más onírico conocido por mí ,una vez, te apagan la luz, se hace el silencio y un gran haz de luz arropa un nuevo sueño que solamente al final será destapado. El otro día, me dispuse a entrar en ese nuevo sueño del director de Imsomnio (2002) pero, como si de una trilogía se tratase, creo recordar que fue Memento (2000) su exitoso debut. Ahora ,Chris Nolan, es más conocido por la saga de Batman, donde los ejercicios de lucha contra el imsomnio y su búsqueda de identidad perdida son algo más oscuras que el murciélago del Tim Burton de los 90′. Una de las claves del éxito del director de Origen (Inception,2010) sigue siendo su apuesta por el guión escrito como motor principal de las escenas de acción, ésas que tan hábilmente rueda, sin excesos infográficos, muy al estilo de Michael Mann. Origen ,es el chico/chica guapa que todos esperamos ligarnos en verano, era simplemente, la más esperada. Y visto lo visto, viene de triunfar en USA con críticas dispares y más generosamente aplaudida aquí. Y es que no hay nada como triunfar en verano, porque como ya sabemos, las más guapas ya se fueron de vacaciones. Origen está concebida como una heist-movie ,es decir, una peli de ladrones donde a medida que vanos avanzando el director Chris Nolan no duda en ir más allá de los clásicos 3 actos y se lanza a Morfeo con una triple pirueta narrativa (cada una es un sueño) cual un juego de muñecas matriuskas. Para ello no duda en utilizar el film matriz: Matrix (Wachowski bros.1999), es el referent más inmediato, no por lo visual, sino por el tema: nuevamente, tenemos dos tipos de realidad enfrentadas, en este caso la onírica (en Matrix era la virtual) vs. la vigilia. Y es que C.Nolan es propenso a escapar de la realidad, le da igual la época ,(El Truco Final, 2006), y le da igual lo manido que pueda estar ya el personaje (Batman Begins,2005). Alguien que fue capaz de tratar de manera adulta a un personaje de cómic, que dotó de acción a las palabras, cada vez más vacías en Hollywood, y que ambiciona que leamos a Borges, que disfrutemos con escaleras infinitas (Mauritis C.Esher), que sepamos de arquitectura orgánica (A.Gaudí)…realmente, en los tiempos que corren, es todo un desafío. Llegados ya a la fase REM de este particular sueño, Origen no es ni será, el Matrix del s.XXI (como afirman en FOTOGRAMAS), ni el Blade Runner, de donde sí que bebe Origen. Su supuesta revolución es más por la densidad y la dificultad ,no tanto de seguirla, si no de disfrutarla. Considero que son excesivos los 148′ de furgoneta cayendo al vacío, de hoteles kubrickianos en órbita (la pelea antigravitatoria en el hotel es de lo mejor), y de persecuciones 007 en la nieve de un antiguo complejo hospitalario. La salud del espectador se resiente y me niego a afirmar que el espectador necesita de un segundo visionado para erntenderla, que el espectador no llega porque nunca visitó al Dr.Caligari o otras tantas sandeces que he leído durante estos días de reposo obligado ante un film que comienza a tener a grandes admiradores o a grandes detractores. Y es que Origen se acaba resintiendo, no sólo porque los actores estan mal escogidos, sino porque el peso lo lleva por completo alguien que para nada, con esa cara de adolescente eterno, puede interpretar esa dualidad confusa enfrentada y a la vez simbiótica de vigilia vs sueño. Leonardo DiCaprio no es Christopher Walken, revisen ,por favor, esa maravilla que fue La Zona Muerta (D.Cronenberg, 1983), y el resto de secundarios de la pandilla tienen menos carisma que incluso el recuperado Tom Berenger. El tema de graves acordes repetitivos que tanto ha gustado a quienes vieron el trailer que sepan que no es del siempre correcto y efectista Hans Zimmer, sino de un compositor de electrónica llamado Mike Zarin que trabaja para tantos otros teasers. Sin duda, alguna, no haré comentario alguno sobre los grandes efectos especiales, ni del truco final, porque pese a todo, Origen es una apuesta valiente y pretenciosa por querer ir más allá pero que requiere de demasiadas pastillas, tantas que te despiertas con dolor de cabeza. El cine es sueño, por Max Rebo Decía el clásico que ‘ estamos en un mundo tan singular, que el vivir sólo es soñar’. Si hubiera nacido en nuestra época, habría añadido ‘y ver cine’. Cine y sueño se funden más allá de la metáfora en Origen (Inception, Christopher Nolan, 2010). Y digámoslo ya, sin paños calientes: Origen no es la película del verano. Es una de las películas del año. Más aún: con sus defectos y virtudes, una de esas que acabarán en los manuales de referencia del cine de ciencia ficción. No perdáis el tiempo: aquellos que no la hayáis visto, absteneos de continuar leyendo este caldo de potenciales o explícitos spoilers, apagad vuestras computadoras y acudid prestos y despiertos al cine. Por el camino, aislaros de la posible influencia de críticos agoreros con vocación de polemistas. Ya tendréis tiempo, después, para volver a las reflexiones de este humilde cronista (y de otros, no tan humildes). Entonces será el momento de vitorearlos o quemarlos en la hoguera. Pero antes, ved la película. Es de aquellas que cumplen con lo que promete el tráiler. A primera vista, una arquetípica historia de un equipo de especialistas contratados para llevar a cabo un cometido más o menos imposible. La hemos visto en el cine clásico, en westerns como Los Profesionales ( The Professionals, Richard Brooks, 1966) o en películas bélicas como Los Cañones de Navarone ( The Guns of Navarone, J.Lee Thompson, 1961). Es habitual en el cine heist: el de pedigrí (Atraco Perfecto, The Killing, Stanley Kubrick, 1956) y el contemporáneo (Ocean’s Eleven, Steven Soderbergh, 2001). En la sci-fi hay precursoras como Un viaje alucinante (Fantastic Voyage, Michael Fleischer, 1966). Origen se construye sobre los esquemas de ese tipo de cine, incorporando un poco de todos ellos (un rescate, un sabotaje, un robo, una curación) e inyectando una dosis operativa de Matrix (Andy &#38; Lana Wachowski, 1999). Lo verdaderamente novedoso aquí es lo intangible de la misión: nunca, al menos que yo recuerde, hubo una banda de expertos cuyo objetivo fuera implantar una idea en la mente de un incauto, adentrándose en su subconsciente. Este punto de partida es sólo la primera de la serie de potentes ideas que apuntalan la estructura conceptual del film, elevándola incluso por encima de su notable factura. Las mismas ideas que lo enmarcan dentro del género del cine fantástico y que lo convertirán, como decía antes, en uno de sus referentes modernos. Ideas que atañen a la la mecánica de los sueños, al diseño y manipulación de los mismos, a la percepción temporal de los estados oníricos, a su estructura compartimentada (los sueños dentro de los sueños), a las adicciones que generan (las analogías con el opio y sus fumaderos), a la pérdida de la noción de la realidad o a la materialización de un limbo alejado de sus connotaciones cristianas. El sueño como campo de acción de un thriller en cuya escritura el británico Christopher Nolan ha invertido 10 años, el periodo que va desde su debut en Memento (2000) hasta hoy, tiempo suficiente para haberse convertido en uno de los directores más interesantes de Hollywood. Nolan se añade a la lista de paisajistas del inconsciente, alimentados por las investigaciones de Freud o Jung, pero lo hace aplicando un enfoque distinto, alejándose del onirismo surrealista de un Dalí y de su traducción fílmica en Buñuel o Maya Deren , o incluso de un David Lynch. El tratamiento de Nolan es cartesiano, ya que su película es un intrincado laberinto dentro de un escenario que deja resquicios a lo imprevisible, pero un territorio cuadriculado y cartografiado, en el que se juega constantemente con unas reglas particulares que sujetan la acción. Origen es una partida de ajedrez jugada sobre el tablero de un inconsciente controlado, y esa contención es su característica definitoria, algo que lamentamos un tanto aquellos que nos dejamos deslumbrar por los caprichosos designios ocultos bajo la superfície de una mente consciente. Pero creo poder afirmar que esa contención, además de estar plenamente justificada en el guión, obedece a la voluntad de no epatar al espectador a base de espectacularidad gratuita, lo cual no quiere decir que el film no sea espectacular. El entramado de peripecias que configuran la acción contiene, además, una considerable carga dramática (la última de las grandes ideas) gracias al personaje de Cobb (Leonardo Di Caprio), ciertamente, el único relevante del film en ese aspecto (Ariadne – Ellen Page&#8211; no es más que el lazarillo del espectador, la rookie a la que se explica el funcionamiento del tinglado). Cobb carga con la cruz de la pérdida a sus espaldas, un peso aún más doloroso por verse privado del consuelo de soñar en paz con sus seres queridos desaparecidos, cuando eso es lo único que le queda, pues al soñar con su esposa Mal (Marion Cotillard) siente la culpa y al soñar con sus hijos, de los que jamás contempla el rostro, la impotencia. Y ¿ qué es un hombre privado de la felicidad de soñar?. Una sombra, como es aquí Di Caprio, al que los años, los kilos y el bigote le están dando un empaque, un poso de clasicismo, que lo acercan a los viejos héroes de los años 40. El viejo sambenito del eterno adolescente es un estereotipo tan manido y caduco como aquellos que lo manejan. Al final, Origen es el viaje de Cobb hacia la aceptación. Un viaje de dos horas y media durante las cuales el espectador permanece atornillado a la butaca, absorto, atento, pensando, mientras se le está tratando con el debido respeto, como a un ser inteligente. Y, a pesar de que nunca se sucedieron sueños tan castos, de la falta de clarividencia de Nolan para las escenas de acción – lo dije y lo mantengo, desde Batman Begins (2005) – y de los tiros de más en el episodio del búnker nevado, es una aventura durante la cual se tiene la sensación permanente de estar viendo buen cine. Una película que deja huella y ronda la mente días después de haberla visto (acaso Nolan haya plantado la semilla de alguna idea en nuestro insconsciente?). De haberla contemplado nuestro clásico, hubiera pervertido sus líneas más célebres: ¿Qué es el cine? Un frenesí. ¿Qué es el cine? Una ilusión, una sombra, una ficción, y el mayor bien es pequeño: que todo el cine es sueño y los sueños, sueños son’.]]></description>
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<h1>El sueño se viene abajo, por Captain</h1>
<p>El sueño sigue siendo aún uno de los grandes misterios de la ciencia, científicamente no sabemos por qué soñamos. Lo único cierto es que quienes no pueden dormir acaban muriendo (FFI) y que los sueños ,por mucha interpretación freudiana, provienen del subconsciente de una manera totalmente descontrolada y azarosa.<br />
Desde esta premisa, el cine deviene el ejercicio más onírico conocido por mí ,una vez, te apagan la luz, se hace el silencio y un gran haz de luz arropa un nuevo sueño que solamente al final será destapado.<br />
El otro día, me dispuse a entrar en ese nuevo sueño del director de <strong>Imsomnio</strong> (2002) pero, como si de una trilogía se tratase, creo recordar que fue <strong>Memento</strong> (2000) su exitoso debut. Ahora ,<strong>Chris Nolan</strong>, es más conocido por la saga de <strong>Batman</strong>, donde los ejercicios de lucha contra el imsomnio y su búsqueda de identidad perdida son algo más oscuras que el murciélago del <strong>Tim Burton</strong> de los 90′. Una de las claves del éxito del director de <strong>Origen</strong> (<strong>Inception</strong>,2010) sigue siendo su apuesta por el guión escrito como motor principal de las escenas de acción, ésas que tan hábilmente rueda, sin excesos infográficos, muy al estilo de <strong>Michael Mann</strong>.</p>
<p style="text-align: left;"><strong>Origen</strong> ,es el chico/chica guapa que todos esperamos ligarnos en verano, era simplemente, la más esperada. Y visto lo visto, viene de triunfar en USA con críticas dispares y más generosamente aplaudida aquí. Y es que no hay nada como triunfar en verano, porque como ya sabemos, las más guapas ya se fueron de vacaciones.</p>
<p style="text-align: left;">
Origen está concebida como una<em> heist-movie</em> ,es decir, una peli de ladrones donde a medida que vanos avanzando el director<strong> Chris Nolan</strong> no duda en ir más allá de los clásicos 3 actos y se lanza a <strong>Morfeo</strong> con una triple pirueta narrativa (cada una es un sueño) cual un juego de muñecas <em>matriuskas</em>. Para ello no duda en utilizar el film matriz: <strong>Matrix</strong> (<strong>Wachowski bros</strong>.1999), es el referent más inmediato, no por lo visual, sino por el tema: nuevamente, tenemos dos tipos de realidad enfrentadas, en este caso la onírica (en <strong>Matrix</strong> era la virtual) vs. la vigilia.</p>
<p style="text-align: left;">
Y es que<strong> C.Nolan</strong> es propenso a escapar de la realidad, le da igual la época ,(<strong>El Truco Final</strong>, 2006), y le da igual lo manido que pueda estar ya el personaje (<strong>Batman Begins</strong>,2005). Alguien que fue capaz de tratar de manera adulta a un personaje de cómic, que dotó de acción a las palabras, cada vez más vacías en Hollywood, y que ambiciona que leamos a <strong>Borges</strong>, que disfrutemos con escaleras infinitas (<strong>Mauritis C.Esher</strong>), que sepamos de arquitectura orgánica (<strong>A.Gaudí</strong>)…realmente, en los tiempos que corren, es todo un desafío.</p>
<p style="text-align: left;">
Llegados ya a la fase REM de este particular sueño, <strong>Origen</strong> no es ni será, el <strong>Matrix</strong> del s.XXI (como afirman en FOTOGRAMAS), ni el <strong>Blade Runner</strong>, de donde sí que bebe <strong>Origen</strong>.</p>
<p style="text-align: left;">
Su supuesta revolución es más por la densidad y la dificultad ,no tanto de seguirla, si no de disfrutarla. Considero que son excesivos los 148′ de furgoneta cayendo al vacío, de hoteles<em> kubrickianos</em> en órbita (la pelea antigravitatoria en el hotel es de lo mejor), y de persecuciones 007 en la nieve de un antiguo complejo hospitalario. La salud del espectador se resiente y me niego a afirmar que el espectador necesita de un segundo visionado para erntenderla, que el espectador no llega porque nunca visitó al <strong>Dr.Caligari</strong> o otras tantas sandeces que he leído durante estos días de reposo obligado ante un film que comienza a tener a grandes admiradores o a grandes detractores.</p>
<p style="text-align: left;">Y es que <strong>Origen</strong> se acaba resintiendo, no sólo porque los actores estan mal escogidos, sino porque el peso lo lleva por completo alguien que para nada, con esa cara de adolescente eterno, puede interpretar esa dualidad confusa enfrentada y a la vez simbiótica de vigilia vs sueño. <strong>Leonardo DiCaprio</strong> no es <strong>Christopher Walken</strong>, revisen ,por favor, esa maravilla que fue <strong>La Zona Muerta</strong> (<strong>D.Cronenberg</strong>, 1983), y el resto de secundarios de la pandilla tienen menos carisma que incluso el recuperado<strong> Tom Berenger</strong>.</p>
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El tema de graves acordes repetitivos que tanto ha gustado a quienes vieron el trailer que sepan que no es del siempre correcto y efectista <strong>Hans Zimmer</strong>, sino de un compositor de electrónica llamado <strong>Mike Zarin</strong> que trabaja para tantos otros <em>teasers</em>.</p>
<p>Sin duda, alguna, no haré comentario alguno sobre los grandes efectos especiales, ni del truco final, porque pese a todo, <strong>Origen</strong> es una apuesta valiente y pretenciosa por querer ir más allá pero que requiere de demasiadas pastillas, tantas que te despiertas con dolor de cabeza.
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<div class="columns two last">
<h1>El cine es sueño, por Max Rebo</h1>
<p>Decía el clásico que<em> ‘ estamos en un mundo tan singular, que el vivir sólo es soñar’</em>. Si hubiera nacido en nuestra época, habría añadido <em>‘y ver cine’</em>. Cine y sueño se funden más allá de la metáfora en <strong>Origen</strong> (<strong>Inception</strong>, <strong>Christopher Nolan</strong>, 2010). Y digámoslo ya, sin paños calientes: <strong>Origen</strong> no es la película del verano. Es una de las películas del año. Más aún: con sus defectos y virtudes, una de esas que acabarán en los manuales de referencia del cine de ciencia ficción. No perdáis el tiempo: aquellos que no la hayáis visto, absteneos de continuar leyendo este caldo de potenciales o explícitos <em>spoilers</em>, apagad vuestras computadoras y acudid prestos y despiertos al cine. Por el camino, aislaros de la posible influencia de críticos agoreros con vocación de polemistas. Ya tendréis tiempo, después, para volver a las reflexiones de este humilde cronista (y de otros, no tan humildes). Entonces será el momento de vitorearlos o quemarlos en la hoguera. Pero antes, ved la película. Es de aquellas que cumplen con lo que promete el tráiler.<br />
A primera vista, una arquetípica historia de un equipo de especialistas contratados para llevar a cabo un cometido más o menos imposible. La hemos visto en el cine clásico, en westerns como<strong> Los Profesionales</strong> ( <strong>The Professionals</strong>, <strong>Richard Brooks</strong>, 1966) o en películas bélicas como <strong>Los Cañones de Navarone</strong> ( <strong>The Guns of Navarone</strong>,<strong> J.Lee Thompson</strong>, 1961). Es habitual en el cine <em>heist</em>: el de pedigrí (<strong>Atraco Perfecto</strong>, <strong>The Killing</strong>, <strong>Stanley Kubrick</strong>, 1956) y el contemporáneo (<strong>Ocean’s Eleven</strong>, <strong>Steven Soderbergh</strong>, 2001). En la <em>sci-fi </em>hay precursoras como <strong>Un viaje alucinante</strong> (<strong>Fantastic Voyage</strong>, <strong>Michael Fleischer</strong>, 1966). <strong>Origen</strong> se construye sobre los esquemas de ese tipo de cine, incorporando un poco de todos ellos (un rescate, un sabotaje, un robo, una curación) e inyectando una dosis operativa de <strong>Matrix </strong>(<strong>Andy &amp; Lana Wachowski</strong>, 1999). Lo verdaderamente novedoso aquí es lo intangible de la misión: nunca, al menos que yo recuerde, hubo una banda de expertos cuyo objetivo fuera implantar una idea en la mente de un incauto, adentrándose en su subconsciente.<br />
Este punto de partida es sólo la primera de la serie de potentes ideas que apuntalan la estructura conceptual del film, elevándola incluso por encima de su notable factura. Las mismas ideas que lo enmarcan dentro del género del cine fantástico y que lo convertirán, como decía antes, en uno de sus referentes modernos. Ideas que atañen a la la mecánica de los sueños, al diseño y manipulación de los mismos, a la percepción temporal de los estados oníricos, a su estructura compartimentada (los sueños dentro de los sueños), a las adicciones que generan (las analogías con el opio y sus fumaderos), a la pérdida de la noción de la realidad o a la materialización de un <em>limbo</em> alejado de sus connotaciones cristianas. El sueño como campo de acción de un thriller en cuya escritura el británico<strong> Christopher Nolan</strong> ha invertido 10 años, el periodo que va desde su debut en <strong>Memento</strong> (2000) hasta hoy, tiempo suficiente para haberse convertido en uno de los directores más interesantes de Hollywood.<br />
Nolan se añade a la lista de paisajistas del inconsciente, alimentados por las investigaciones de <strong>Freud</strong> o <strong>Jung</strong>, pero lo hace aplicando un enfoque distinto, alejándose del onirismo surrealista de un<strong> Dalí</strong> y de su traducción fílmica en <strong>Buñuel</strong> o <strong>Maya Deren</strong> , o incluso de un <strong>David Lynch</strong>. El tratamiento de <strong>Nolan</strong> es cartesiano, ya que su película es un intrincado laberinto dentro de un escenario que deja resquicios a lo imprevisible, pero un territorio cuadriculado y cartografiado, en el que se juega constantemente con unas reglas particulares que sujetan la acción. <strong>Origen </strong>es una partida de ajedrez jugada sobre el tablero de un inconsciente controlado, y esa contención es su característica definitoria, algo que lamentamos un tanto aquellos que nos dejamos deslumbrar por los caprichosos designios ocultos bajo la superfície de una mente consciente. Pero creo poder afirmar que esa contención, además de estar plenamente justificada en el guión, obedece a la voluntad de no epatar al espectador a base de espectacularidad gratuita, lo cual no quiere decir que el film no sea espectacular.<br />
El entramado de peripecias que configuran la acción contiene, además, una considerable carga dramática (la última de las grandes ideas) gracias al personaje de <strong>Cobb</strong> (<strong>Leonardo Di Caprio</strong>), ciertamente, el único relevante del film en ese aspecto (<strong>Ariadne</strong> – <strong>Ellen Page</strong>&#8211; no es más que el lazarillo del espectador, la <em>rookie</em> a la que se explica el funcionamiento del tinglado). <strong>Cobb</strong> carga con la cruz de la pérdida a sus espaldas, un peso aún más doloroso por verse privado del consuelo de soñar en paz con sus seres queridos desaparecidos, cuando eso es lo único que le queda, pues al soñar con su esposa <strong>Mal</strong> (<strong>Marion Cotillard</strong>) siente la culpa y al soñar con sus hijos, de los que jamás contempla el rostro, la impotencia. Y ¿ qué es un hombre privado de la felicidad de soñar?. Una sombra, como es aquí <strong>Di Caprio</strong>, al que los años, los kilos y el bigote le están dando un empaque, un poso de clasicismo, que lo acercan a los viejos héroes de los años 40. El viejo sambenito del <em>eterno adolescente</em> es un estereotipo tan manido y caduco como aquellos que lo manejan.<br />
Al final, <strong>Origen</strong> es el viaje de<strong> Cobb</strong> hacia la aceptación. Un viaje de dos horas y media durante las cuales el espectador permanece atornillado a la butaca, absorto, atento, pensando, mientras se le está tratando con el debido respeto, como a un ser inteligente. Y, a pesar de que nunca se sucedieron sueños tan castos, de la falta de clarividencia de <strong>Nolan</strong> para las escenas de acción – lo dije y lo mantengo, desde <strong>Batman Begins</strong> (2005) – y de los tiros de más en el episodio del búnker nevado, es una aventura durante la cual se tiene la sensación permanente de estar viendo buen cine. Una película que deja huella y ronda la mente días después de haberla visto (acaso<strong> Nolan </strong>haya plantado la semilla de alguna idea en nuestro insconsciente?). De haberla contemplado nuestro clásico, hubiera pervertido sus líneas más célebres: <em>¿Qué es el cine? Un frenesí. ¿Qué es el cine? Una ilusión, una sombra, una ficción, y el mayor bien es pequeño: que todo el cine es sueño y los sueños, sueños son’.</em>
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		<title>Avatar, face to face</title>
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		<dc:creator><![CDATA[Maxrebo]]></dc:creator>
		<pubDate>Sat, 30 Jan 2010 10:55:36 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Cara a cara]]></category>
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		<category><![CDATA[3D]]></category>
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					<description><![CDATA[Avatar: La dimensión del espectáculo, por Max Rebo Señores, llegó el turno de Avatar en EspecialistaMike. Ya iba siendo hora, pensaban algunos. El evento cinematográfico del final de la década, la nueva creación del autoproclamado Rey del Mundo, la película llamada a ser la Piedra Filosofal del cine del porvenir, el Santo Grial de la Tercera Dimensión. Una obra que propicia el atrincheramiento,  la adhesión incondicional a facciones enconadas, la división irremediable entre los que la defienden ciegamente y los que la vilipendian con vehemencia, apostando unos y otros por el blanco o el  negro. Dos bandos que olvidan que, en la mayoría de los casos, la verdad, si es que existe verdad alguna, se encuentra a medio camino, perdida en los recodos grises que requiebran el enorme trayecto que va de un extremo a otro del espectro. Avatar (Avatar, James Cameron, 2009), la ganadora del Globo de Oro y la presumible acaparadora de Oscars. Avatar, acogida con fervor religioso por los adoradores del Becerro de Oro de la Tecnología y por los acérrimos devotos de la Filosofía New Age y del pacifismo-ecologismo de proporciones cósmicas. Avatar, la demonizada por el sector duro de la cinefagia, por esos Cahiers du Cinema que se permitieron su último orgasmo a costa de una película-espectáculo allá por las épocas pretéritas de Cecil B. DeMille: El cine ha muerto, postulan los más pesimistas. Párenlo, que me bajo,  los poco menos agoreros. En definitiva, la película que se discute en todas las tertulias, cinéfilas o palomiteras, un film que, pese a quien pese, nació con vocación de clásico instantáneo y al que, como siempre, el tiempo se encargará de poner en su lugar, por encima de las visiones apocalítpticas de unos o las iluminaciones filosóficas trasnochadas de los otros. Desde luego, Avatar obliga a un debate sobre sobre la evolución y la incidencia de la tecnología, sobre el presente y el futuro del cine, pero también debería motivar una reflexión sobre el pasado. La historia del 3D no es nueva, a pesar de lo que pueda parecer. Los primeros intentos de reproducir la realidad en todas sus dimensiones datan de finales del siglo XIX, es decir, de los mismísimos orígenes del cine. Fue en los años 50 cuando la técnica vivió su Golden Age, con películas como Los crímenes del museo de cera (House of Wax, 1953) dirigida (tiene guasa) por el tuerto André De Toth. En los 80, con el advenimiento del sistema IMAX, se dio un nuevo empujón a esta tecnología, pero es ahora cuando se dan todos los elementos para que explosione y resulte rentable para los fabricantes de sueños y atractiva para el espectador, para constituir un paso en búsqueda de un cine vivido como experiencia sensitiva total, como inmersión en una realidad alternativa. Otros experimentos revolucionarios cayeron por el camino, como el Sensurround o el Cinerama, por no hablar del célebre Odorama de John Waters, o de los trucos de feria que utilizaba el mítico productor-director-embaucador William Castle en sus películas de serie B de los 60: desvaríos como el Percepto, sistema de asientos vibratorios utilizado en The tingler (1959),  el Emergo  o el Ilusion-O. Hallazgos de corta vida, ya sea por lo disparatado de su planteamiento, por la falta de resultados convincentes, por los problemas técnicos derivados o por sus elevados costes. El 3D podría haber sido uno de ellos, pero acaso es la pretensión más arraigada, la que persigue una aproximación más realista al mundo filmado/recreado y de ahí su tozudez, su resistencia a la desaparición, aunque según los más críticos no aporta nada, aparte de fatiga visual y dolor de cabeza. La postura escéptica ante el fenómeno 3D la sintentizaba de manera excelente la crítica de Javier Ocaña en El País, donde hacía referencia al presunto y tan cacareado carácter revolucionario de Avatar, etiqueta (la de revolucionaria) que se ha repetido en varias ocasiones &#8216;&#8230; a lo largo de la historia del cine desde que los Lumière lo inventaron, aunque éstos no supieran sacarle provecho porque eran unos técnicos y no unos artistas. El sonido, el tecnicolor y el cinemascope también iban a revolucionar el cine. Pero, ¿quién se acuerda hoy de El cantor de jazz, La feria de las vanidades o La túnica sagrada, más allá de su carácter primigenio? El cine lo revolucionaron los Hermanos Marx, Hitchcock, John Ford, los neorrealistas, los autores de la Nouvelle Vague&#8230; Ninguno era técnico. Eran artistas&#8217;.  Evidentemente, los autores citados por Ocaña son totémicos, esenciales, indiscutibles, pero yo diría que la propia afirmación del crítico contiene los argumentos esgrimibles para no despreciar la técnica como ingrediente que cataliza revoluciones. Para empezar, los Lumière no eran artistas, eran técnicos. E inventaron el cine. Seguramente hubo quien salió de la proyección de La Sortie de l&#8217;Usine Lumière à Lyon en 1895  diciendo que el movimiento no aportaba nada a la imagen&#8230; En cuanto al sonido&#8230;¿no revolucionó el cine? ¿Qué serían sin sonido las películas de los Marx, o M, El vampiro de Düsseldorf ? ¿Qué sería de Woody Allen sin el eco de sus palabras ?. Y ¿qué serían Vértigo, Centauros del Desierto o el Dracula de Terence Fisher sin el color ? ¿Qué sería La muerte tenía un precio sin el Cinemascope ? Decir que la técnica no aporta nada suena a fundamentalismo rancio, a que sólo existe una religión verdadera (cuando probablemente todas sean falsas) o a que sólo un camino lleva hasta Roma. El éxito de Avatar debería servir para que esta tecnología fuera algo más que el último conejo que Hollywood saca de su chistera con el objeto de captar público adolescente, evitar las copias ilegales y cobrar las entradas más caras. Debería ser uno de los factores que apuntalaran esta nueva vía. No será revolucionaria en el sentido Godardiano del término, pero no por ello es despreciable. Sin duda el camino será largo y nos tocará tragar más de una y más de diez raciones indigestas en las que la tercera dimensión sirva poco más que para apartar la cabeza cuando un objeto salga disparado de la pantalla. Pero cabe esperar que haya cineastas (y técnicos) que sigan avanzando por esa senda desconocida, que perfeccionen y depuren, que logren llevarnos a esa experiencia total de la que hablaba antes. De momento, lo que Cameron ha conseguido, al margen del uso del 3D, es la fusión casi perfecta de la imagen real con el trucaje infográfico, algo que ya era una realidad en términos de creación de fondos y escenarios, pero que todavía se antojaba insuficiente en cuanto al diseño de personajes. Igual que Kubrick evolucionó la óptica y la fotografía en su 2001: A Space Odyssey, Cameron ha utilizado Dios sabe qué técnicas para lograr que el espectador penetre en la ficción sin distinguir dónde termina el actor maquillado y dónde empieza la criatura virtual. Seguramente esa es la verdadera revolución de Avatar. De nuevo, una puerta abierta hacia un elenco de posibilidades infinitas. Y soy el primero en dibujar una sonrisa cómplice ante el cartón-piedra y en reivindicar el candor de los Animatronics o los Teleñecos, la grasa del maquillaje y la textura gorgoteante de la sangre fabricada a partir de zumo de tomate. Pero ahora ya sabemos que todo es posible. Y ¿qué sería Avatar sin la tercera dimensión? Pues nada nuevo bajo el sol: muchos la ven como un refrito de Pocahontas, otros, como yo, como una mixtura sci-fi de Bailando con Lobos + Matrix. La historia de Avatar no es novedosa y resulta previsible (como tantas historias repetidas y previsibles de tantas otras películas). Es un western disfrazado de fantaciencia espacial, con rostro pálido y casaca azul renegado, con indios que despliegan uno tras otro los elementos característicos de los nativos norteamericanos; rituales de iniciación, doma de caballos, flechas, pinturas y gritos de guerra, pintorescos chamanes, venerables jefes de la tribu y jóvenes e impetuosos guerreros&#8230; Y por supuesto, no falta el General Custer (o Coronel Quaritch, en este caso) de turno, presto a encaminar al 7º de Caballería a su Little Big Horn particular. No digo todo esto como desmerecimiento. Avatar es una película que ya hemos visto en muchas sesiones de Sábado Tarde, pero no por ello hay que negarle su porte de majestuosa fantasía épica continente de un modesto aliento pulp, filmada con la solvencia y la capacidad habitual de un James Cameron que ya demostró lo que sabía en  Aliens (1986),  Terminator 2: Judgement Day (1991) o en las escenas del hundimiento del Titanic  (1997). A su nueva epopeya ecologista y panteísta le sobran 15 minutos, probablemente por la obsesión del veterano director de que todo lo que filma ha de tener una justificación posterior (aun así, a efectos de ritmo, sobraba el ceremonial de la Weaver, por ejemplo). Pero a cambio, el viejo Cameron se toma su tiempo para perfilar bien la evolución de su personaje principal, Jake Sully (Sam Worthington), y para presentar en todo su esplendor el deslumbrante mundo imaginado en su cabeza, reproducido en la pantalla con preciosismo y minuciosidad. Y presisamente ahí radica la otra gran baza de Avatar: de la mano del protagonista, el espectador asiste al descubrimiento de ese mundo nuevo, igual que sucedía al volar de galaxia en galaxia en la saga de Star Wars, o al cabalgar de Reino en Reino en la trilogía de El Señor de los Anillos. Un planeta (Pandora) concebido en su totalidad, con su flora y su fauna, con su raza autóctona (los Na&#8217;vi) y su lenguaje propio, inventado para la ocasión. Un mundo que diríase parido al más puro estilo del universo marciano o venusiano de un Edgar Rice Burroughs,  un Ray Bradbury o un Poul Anderson. Un mundo en el que habitantes y naturaleza conviven en una comunión primigenia que va más allá de lo espiritual y metafórico para adentrarse en el terreno de la conexión física y psíquica, nexo que hace aún más doloroso el comportamiento mercantilista y antiecologista de los colonizadores humanos. Un mundo que a muchos ha fascinado y a otros les parece una aberración cromática más propia de los cutre-pintores psicodélicos de cazoleta y spray que pueblan la parte baja de Las Ramblas que de un director artístico reputado. Acaso el LSD consumido durante la juventud de alguno tenga algo que ver en el aspecto fluorescente y chillón de Pandora. Da igual, sobre eso no hay acuerdo posible, es cuestión de gustos. Pero es innegable que Cameron y su equipo han concebido y recreado un ecosistema con todo lujo de detalles, el mundo que la potencia económico-militar (la lectura paralela es más que evidente) pretende saquear, en una clara parábola sobre los usos y costumbres del insostenible capitalismo a ultranza que llevará al desastre no a Pandora, sino a la vieja Pangea. Resumiendo: el tiempo dirá cual fue la influencia de Avatar en la evolución del cine tridimensional. Lo que ya es innegable es que esta película constituye una nueva cima en términos de realidad virtual. Por lo demás, emerge como una colosal fantasía épica, una aventura mastodóntica de corte clásico y una ración pantagruélica de ciencia ficción con un entrañable y cándido mensaje ecopacifista. Todo eso es Avatar. Ciento sesenta minutos de espectáculo puro y duro. Dudo mucho que simbolice o certifique la defunción del Séptimo Arte. En el cine tienen cabida los dramas sociales de un Ken Loach o un Roberto Rossellini. Hay momentos para disfrutar del músculo de un Raoul Walsh o un Scorsese o de la versatilidad de un Howard Hawks. Ha de haber un tiempo para el naturalismo de un Eric Rohmer (descanse en paz), para la reflexión existencialista que proponen Bergman o Tarkovsky, para la contemplación de un Mizoguchi o el lirismo de un Ford o un Yimou. Pero también hay lugar para la evasión y para el buen espectáculo, el que son capaces de ofrecer tipos como Spielberg o  George Lucas, en sus tardes inspiradas,  o el James Cameron de Avatar. Negarles su espacio, su dimensión, sería absurdo. Avatar (y 2): Cameron, en el abismo, por Spaulding Quienquiera que conozca el cine de James Cameron deberá reconocer su habilidad para manejar el ritmo narrativo y su capacidad para agitar los cimientos del género fantástico mediante ráfagas vehementes de agudeza compositiva. Atesora, Cameron, además, la fórmula mágica, que pertenece al ámbito de lo insondable, para atrapar al espectador y no soltarlo hasta el final de la película. Así, Terminator, Aliens, True lies o Judgement day atraen gracias a un montaje brillante y dinámico que nos lleva al huerto como si fuéramos niños chicos, ¡ojo!, y nosotros encantados de la vida. Como pupilo aventajado de los autoproclamados neoclásicos (Spielberg, Lucas, Friedkin, Zemekis…), a Cameron le interesan las historias de hombres que arriesgan sus vidas para salvar a la humanidad y redimir, de paso, los errores de nuestra especie, ya sea el T-800 (Arnold Schwarzenegger) de Judgement day, el Bud Brigman (Ed Harris) de The Abyss, el Kyle Reese (Michael Biehn) de Terminator o el Bishop (Lance Henrikson) de Aliens. Todos ellos son personajes, de trazo no muy fino, pero sólidos y muy creíbles, contenedores de elementos trágicos clásicos que deben conducirnos irremisiblemente a la catarsis. El cine de Cameron está preñado de todos los reactivos narrativos y psicológicos del cine predominante y despliega todos los mecanismos de seducción del cine de género para estimular en el espectador la ansiada identificación psicológica con los personajes. En Avatar, el ejercicio crítico puede y debe efectuarse desde dos flancos, o incluso desde tres: el de lo estrictamente cinematográfico, el de la supuesta revolución tecnológica y el de la correspondencia entre las espectativas generadas por sus hacedores y el resultado final. Durante los últimos años, los perpetradores de Avatar han alardeado de los 300 millones de euros que han puesto sobre la mesa para establecer un punto de inflexión en la historia del cine; la bidimensionalidad habría quedado obsoleta y el 3D haría posible por fin la fidelísima trasposición de la realidad a la pantalla que tanto anhelaba Bazin. Nada más lejos de la realidad; Cameron no se ha interesado en ningún momento por las posibilidades del 3D a la hora de potenciar el cine como medio de expresión. No se trata, por lo tanto, de una revolución estética, sino de un hacerse más sitio, si cabe, para insuflar efectismos con poca chicha. Por otra parte, la promesa de un antes y un después en lo referente a la profundidad de campo, se diluye en una serie de capas superpuestas que quedan muy lejos de lo que ha conseguido Michael Mann (director mainstream) con Collateral (2004), Corrupción en Miami (2006) o Enemigos públicos (2009). Pero, ¿es pertinente juzgar una película a partir de las espectativas creadas? Casi nunca, pero sí esta vez. La salvaje campaña publicitaria de Avatar ha dirigido sus esfuerzos (más allá de lo puramente crematístico) a borrar cualquier pretensión por parte de las nuevas generaciones de aficionados de ir más allá del cine de la espectacularidad. El terreno marginal en el que viven las películas menos interesadas en lo aparatoso debe cerrarse a cal y canto debe pensar la Fox. La estrategia consiste en hacer creer al espectador potencial no avezado que puede elegir entre Señales de futuro, 2012 y Fama y entre los tres tamaños de cucuruchos de palomitas, ¿para qué quiere más? Lo que ha venido prometiendo Cameron desde 2006 ha resultado ser falso: el virtuosismo infográfico, per se, no va a aportar nada nuevo, ni bueno ni malo, hay que dotarlo de significado; el gran triunfo de Avatar se encuentra en el momento de su preproducción, cuando convencieron al mundo de que no hay vida más allá de las gafitas polarizadas. Y si despojamos a la reciente ganadora del Globo de oro de su alucinante parafernalia sensacionalista, ¿qué nos queda? ¿Hay algo de buen cine en Avatar? Pues sí, lo hay. Cameron controla el tempo narrativo sin decaídas, con pulso firme, y construye conflictos en la trama que rezuman arquitectura narrativa clásica. Ahí acaba todo, Cameron toma partido por el diseño de secuencias absolutamente intercambiables con las de otras tantas películas fieles al canon del Hollywood más reaccionario. Escribe diálogos vergonzantes que dejan al descubierto lo huero de su planteamiento. El tono infantiloide con que cuenta la historia deja en evidencia su poca confianza en el espectador como protagonista activo del hecho comunicativo que en principio debe ser el cine. Se entrega en cuerpo y alma a la dictadura de la acción con planos bien cortitos y con escenas subrayadas por una banda sonora anodina. Pone todo su empeño en ganarse el favor del ecologismo guay de manera tan superflua que lo que consigue es banalizar el tema y minusvalorar la inteligencia del espectador. Se queda tan en la epidermis cualquier cosa que plantea Cameron en Avatar, tiene tan poco calado que uno pone en duda que sea el mismo hombre quien ha creado al T-800 y a esa pareja protagonista tan poco trabajada que termina por ser risible. No voy a ser yo quien niegue los logros tecnológicos de Avatar, que, como dice Max Rebo, sean probablemente el germen de algo interesante que está por llegar. La última película de James Cameron fracasa porque no está bien escrita, porque la planificación es convencional y porque se entrega al discurso buenista tan apreciado en nuestra época; no porque reivindique el espectáculo o el entretenimiento. Por nuestra parte, seguiremos esperando al Cameron que arremetía con fiereza al estómago del espectador y que hacía que se tamabalearan nuestras creencias más profundas, con espectáculo y diversión.]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[<div class="columns two first">
<h1>Avatar: La dimensión del espectáculo, por Max Rebo</h1>
<p>Señores, llegó el turno de <strong>Avatar </strong>en EspecialistaMike. <em>Ya iba siendo hora</em>, pensaban algunos. El evento cinematográfico del final de la década, la nueva creación del autoproclamado Rey del Mundo, la película llamada a ser la Piedra Filosofal del cine del porvenir, el Santo Grial de la Tercera Dimensión. Una obra que propicia el atrincheramiento,  la adhesión incondicional a facciones enconadas, la división irremediable entre los que la defienden ciegamente y los que la vilipendian con vehemencia, apostando unos y otros por el blanco o el  negro. Dos bandos que olvidan que, en la mayoría de los casos, la verdad, si es que existe verdad alguna, se encuentra a medio camino, perdida en los recodos grises que requiebran el enorme trayecto que va de un extremo a otro del espectro. <strong>Avatar</strong> (<strong>Avatar</strong>, <strong>James Cameron</strong>, 2009), la ganadora del Globo de Oro y la presumible acaparadora de <em>Oscars</em>. <strong>Avatar</strong>, acogida con fervor religioso por los adoradores del Becerro de Oro de la Tecnología y por los acérrimos devotos de la Filosofía <em>New Age</em> y del pacifismo-ecologismo de proporciones cósmicas. <strong>Avatar</strong>, la demonizada por el sector duro de la cinefagia, por esos <em>Cahiers du Cinema</em> que se permitieron su último orgasmo a costa de una película-espectáculo allá por las épocas pretéritas de <strong>Cecil B. DeMille</strong>: <em>El cine ha muerto</em>, postulan los más pesimistas. <em>Párenlo, que me</em> <em>bajo</em>,  los poco menos agoreros. En definitiva, la película que se discute en todas las tertulias, cinéfilas o palomiteras, un film que, pese a quien pese, nació con vocación de clásico instantáneo y al que, como siempre, el tiempo se encargará de poner en su lugar, por encima de las visiones apocalítpticas de unos o las iluminaciones filosóficas trasnochadas de los otros.<br />
Desde luego, <strong>Avatar</strong> obliga a un debate sobre sobre la evolución y la incidencia de la tecnología, sobre el presente y el futuro del cine, pero también debería motivar una reflexión sobre el pasado. La historia del 3D no es nueva, a pesar de lo que pueda parecer. Los primeros intentos de reproducir la realidad en todas sus dimensiones datan de finales del siglo XIX, es decir, de los mismísimos orígenes del cine. Fue en los años 50 cuando la técnica vivió su <em>Golden Age</em>, con películas como <strong>Los crímenes del museo de cera </strong>(<strong>House of Wax</strong>, 1953) dirigida (tiene guasa) por el tuerto <strong>André De Toth</strong>. En los 80, con el advenimiento del sistema IMAX, se dio un nuevo empujón a esta tecnología, pero es ahora cuando se dan todos los elementos para que explosione y resulte rentable para los fabricantes de sueños y atractiva para el espectador, para constituir un paso en búsqueda de un cine vivido como experiencia sensitiva total, como inmersión en una realidad alternativa. Otros experimentos <em>revolucionarios </em>cayeron por el camino, como el <em>Sensurround</em> o el <em>Cinerama</em>, por no hablar del célebre <em>Odorama</em> de <strong>John Waters</strong>, o de los trucos de feria que utilizaba el mítico productor-director-embaucador <strong>William Castle</strong> en sus películas de serie B de los 60: desvaríos como el <em>Percepto</em>, sistema de asientos vibratorios utilizado en <strong>The tingler </strong>(1959),  el <em>Emergo</em>  o el <em>Ilusion-O</em>. Hallazgos de corta vida, ya sea por lo disparatado de su planteamiento, por la falta de resultados convincentes, por los problemas técnicos derivados o por sus elevados costes. El 3D podría haber sido uno de ellos, pero acaso es la pretensión más arraigada, la que persigue una aproximación más realista al mundo filmado/recreado y de ahí su tozudez, su resistencia a la desaparición, aunque según los más críticos <em>no aporta nada</em>, aparte de fatiga visual y dolor de cabeza.<br />
La postura escéptica ante el fenómeno 3D la sintentizaba de manera excelente la crítica de <strong>Javier Ocaña</strong> en <em>El País</em>, donde hacía referencia al presunto y tan cacareado carácter <em>revolucionario</em> de <strong>Avatar</strong>, etiqueta (la de revolucionaria) que se ha repetido en varias ocasiones <em>&#8216;&#8230; a lo largo de la historia del cine desde que los Lumière lo inventaron, aunque éstos no supieran sacarle provecho porque eran unos técnicos y no unos artistas. El sonido, el tecnicolor y el cinemascope también iban a revolucionar el cine. Pero, ¿quién se acuerda hoy de El cantor de jazz, La feria de las vanidades o La túnica sagrada, más allá de su carácter primigenio? El cine lo revolucionaron los Hermanos Marx, Hitchcock, John Ford, los neorrealistas, los autores de la Nouvelle Vague&#8230; Ninguno era técnico. Eran artistas&#8217;</em>.  Evidentemente, los autores citados por <strong>Ocaña</strong> son totémicos, esenciales, indiscutibles, pero yo diría que la propia afirmación del crítico contiene los argumentos esgrimibles para no despreciar la técnica como ingrediente que cataliza revoluciones. Para empezar, los <strong>Lumière</strong> no eran artistas, eran técnicos. E inventaron el cine. Seguramente hubo quien salió de la proyección de <strong>La Sortie de l&#8217;Usine Lumière à Lyon</strong> en 1895  diciendo que el movimiento no aportaba nada a la imagen&#8230; En cuanto al sonido&#8230;¿no revolucionó el cine? ¿Qué serían sin sonido las películas de los <strong>Marx</strong>, o <strong>M, El vampiro de Düsseldorf</strong> ? ¿Qué sería de <strong>Woody Allen</strong> sin el eco de sus palabras ?. Y ¿qué serían <strong>Vértigo</strong>, <strong>Centauros del Desierto</strong> o el <strong>Dracula</strong> de <strong>Terence Fisher</strong> sin el color ? ¿Qué sería <strong>La muerte tenía un precio</strong> sin el <em>Cinemascope</em> ? Decir que la técnica no aporta nada suena a fundamentalismo rancio, a que sólo existe una religión verdadera (cuando probablemente todas sean falsas) o a que sólo un camino lleva hasta Roma.<br />
El éxito de<strong> Avatar</strong> debería servir para que esta tecnología fuera algo más que el último conejo que Hollywood saca de su chistera con el objeto de captar público adolescente, evitar las copias ilegales y cobrar las entradas más caras. Debería ser uno de los factores que apuntalaran esta <em>nueva</em> vía. No será revolucionaria en el sentido <em>Godardiano</em> del término, pero no por ello es despreciable. Sin duda el camino será largo y nos tocará tragar más de una y más de diez raciones indigestas en las que la tercera dimensión sirva poco más que para apartar la cabeza cuando un objeto salga disparado de la pantalla. Pero cabe esperar que haya cineastas (y técnicos) que sigan avanzando por esa senda desconocida, que perfeccionen y depuren, que logren llevarnos a esa experiencia total de la que hablaba antes. De momento, lo que <strong>Cameron</strong> ha conseguido, al margen del uso del 3D, es la fusión casi perfecta de la imagen real con el trucaje infográfico, algo que ya era una realidad en términos de creación de fondos y escenarios, pero que todavía se antojaba insuficiente en cuanto al diseño de personajes. Igual que <strong>Kubrick</strong> evolucionó la óptica y la fotografía en su <strong>2001: A Space Odyssey</strong>, <strong>Cameron</strong> ha utilizado Dios sabe qué técnicas para lograr que el espectador penetre en la ficción sin distinguir dónde termina el actor maquillado y dónde empieza la criatura virtual. Seguramente esa es la verdadera revolución de <strong>Avatar</strong>. De nuevo, una puerta abierta hacia un elenco de posibilidades infinitas. Y soy el primero en dibujar una sonrisa cómplice ante el cartón-piedra y en reivindicar el candor de los <em>Animatronics</em> o los <em>Teleñecos</em>, la grasa del maquillaje y la textura gorgoteante de la sangre fabricada a partir de zumo de tomate. Pero ahora ya sabemos que todo es posible.<br />
Y ¿qué sería<strong> Avatar</strong> sin la tercera dimensión? Pues nada nuevo bajo el sol: muchos la ven como un refrito de <strong>Pocahontas</strong>, otros, como yo, como una mixtura <em>sci-fi </em>de <strong>Bailando con Lobos</strong> + <strong>Matrix</strong>. La historia de <strong>Avatar</strong> no es novedosa y resulta previsible (como tantas historias repetidas y previsibles de tantas otras películas). Es un <em>western </em>disfrazado de fantaciencia espacial, con rostro pálido y casaca azul renegado, con<em> indios</em> que despliegan uno tras otro los elementos característicos de los nativos norteamericanos; rituales de iniciación, doma de <em>caballos</em>, flechas, pinturas y gritos de guerra, pintorescos chamanes, venerables jefes de la tribu y jóvenes e impetuosos guerreros&#8230; Y por supuesto, no falta el <strong>General Custer</strong> (o <strong>Coronel Quaritch</strong>, en este caso) de turno, presto a encaminar al 7º de Caballería a su Little Big Horn particular. No digo todo esto como desmerecimiento. <strong>Avatar</strong> es una película que ya hemos visto en muchas sesiones de Sábado Tarde, pero no por ello hay que negarle su porte de majestuosa fantasía épica continente de un modesto aliento <em>pulp</em>, filmada con la solvencia y la capacidad habitual de un <strong>James Cameron</strong> que ya demostró lo que sabía en  <strong>Aliens </strong>(1986),  <strong>Terminator 2: Judgement Day </strong>(1991) o en las escenas del hundimiento del <strong>Titanic </strong> (1997). A su nueva epopeya ecologista y panteísta le sobran 15 minutos, probablemente por la obsesión del veterano director de que todo lo que filma ha de tener una justificación posterior (aun así, a efectos de ritmo, sobraba el ceremonial de la <strong>Weaver</strong>, por ejemplo). Pero a cambio, el viejo <strong>Cameron</strong> se toma su tiempo para perfilar bien la evolución de su personaje principal, <strong>Jake Sully</strong> (<strong>Sam Worthington)</strong>, y para presentar en todo su esplendor el deslumbrante mundo imaginado en su cabeza, reproducido en la pantalla con preciosismo y minuciosidad.<br />
Y presisamente ahí radica la otra gran baza de <strong>Avatar</strong>: de la mano del protagonista, el espectador asiste al descubrimiento de ese mundo nuevo, igual que sucedía al volar de galaxia en galaxia en la saga de <strong>Star Wars</strong>, o al cabalgar de Reino en Reino en la trilogía de <strong>El Señor de los Anillos</strong>. Un planeta (Pandora) concebido en su totalidad, con su flora y su fauna, con su raza autóctona (los Na&#8217;vi) y su lenguaje propio, inventado para la ocasión. Un mundo que diríase parido al más puro estilo del universo marciano o venusiano de un <strong>Edgar Rice Burroughs</strong>,  un <strong>Ray Bradbury</strong> o un <strong>Poul Anderson</strong>. Un mundo en el que habitantes y naturaleza conviven en una comunión primigenia que va más allá de lo espiritual y metafórico para adentrarse en el terreno de la conexión física y psíquica, nexo que hace aún más doloroso el comportamiento mercantilista y antiecologista de los colonizadores humanos. Un mundo que a muchos ha fascinado y a otros les parece una aberración cromática más propia de los cutre-pintores psicodélicos de cazoleta y spray que pueblan la parte baja de Las Ramblas que de un director artístico reputado. Acaso el LSD consumido durante la juventud de alguno tenga algo que ver en el aspecto fluorescente y chillón de Pandora. Da igual, sobre eso no hay acuerdo posible, es cuestión de gustos. Pero es innegable que <strong>Cameron</strong> y su equipo han concebido y recreado un ecosistema con todo lujo de detalles, el mundo que la potencia económico-militar (la lectura paralela es más que evidente) pretende saquear, en una clara parábola sobre los usos y costumbres del insostenible capitalismo a ultranza que llevará al desastre no a Pandora, sino a la vieja Pangea.<br />
Resumiendo: el tiempo dirá cual fue la influencia de <strong>Avatar</strong> en la evolución del cine tridimensional. Lo que ya es innegable es que esta película constituye una nueva cima en términos de realidad virtual. Por lo demás, emerge como una colosal fantasía épica, una aventura mastodóntica de corte clásico y una ración pantagruélica de ciencia ficción con un entrañable y cándido mensaje ecopacifista. Todo eso es <strong>Avatar</strong>. Ciento sesenta minutos de espectáculo puro y duro. Dudo mucho que simbolice o certifique la defunción del Séptimo Arte. En el cine tienen cabida los dramas sociales de un<strong> Ken Loach</strong> o un <strong>Roberto Rossellini</strong>. Hay momentos para disfrutar del músculo de un <strong>Raoul Walsh</strong> o un <strong>Scorsese </strong>o de la versatilidad de un <strong>Howard Hawks</strong>. Ha de haber un tiempo para el naturalismo de un<strong> Eric Rohmer</strong> (descanse en paz), para la reflexión existencialista que proponen<strong> Bergman</strong> o <strong>Tarkovsky</strong>, para la contemplación de un <strong>Mizoguchi</strong> o el lirismo de un <strong>Ford</strong> o un <strong>Yimou</strong>. Pero también hay lugar para la evasión y para el buen espectáculo, el que son capaces de ofrecer tipos como <strong>Spielberg</strong> o  <strong>George Lucas</strong>, en sus tardes inspiradas,  o el <strong>James Cameron</strong> de <strong>Avatar</strong>. Negarles su espacio, su <em>dimensión</em>, sería absurdo.
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<h1>Avatar (y 2): Cameron, en el abismo, por Spaulding</h1>
<p>Quienquiera que conozca el cine de <strong>James Cameron</strong> deberá reconocer su habilidad para manejar el ritmo narrativo y su capacidad para agitar los cimientos del género fantástico mediante ráfagas vehementes de agudeza compositiva. Atesora, <strong>Cameron</strong>, además, la fórmula mágica, que pertenece al ámbito de lo insondable, para atrapar al espectador y no soltarlo hasta el final de la película. Así, <em><strong>Terminator</strong></em>, <em><strong>Aliens</strong></em>, <em><strong>True lies</strong></em> o <em><strong>Judgement day</strong></em> atraen gracias a un montaje brillante y dinámico que nos lleva al huerto como si fuéramos niños chicos, ¡ojo!, y nosotros encantados de la vida.<br />
Como pupilo aventajado de los autoproclamados neoclásicos (<strong>Spielberg</strong>, <strong>Lucas</strong>, <strong>Friedkin</strong>, <strong>Zemekis</strong>…), a <strong>Cameron</strong> le interesan las historias de hombres que arriesgan sus vidas para salvar a la humanidad y redimir, de paso, los errores de nuestra especie, ya sea el T-800 (<strong>Arnold Schwarzenegger</strong>) de <em><strong>Judgement day</strong>, </em>el Bud Brigman (<strong>Ed Harris</strong>) de <em><strong>The Abyss</strong></em>, el Kyle Reese (<strong>Michael Biehn</strong>) de <em><strong>Terminator</strong></em> o el Bishop (<strong>Lance Henrikson</strong>) de <em><strong>Aliens</strong></em>. Todos ellos son personajes, de trazo no muy fino, pero sólidos y muy creíbles, contenedores de elementos trágicos clásicos que deben conducirnos irremisiblemente a la catarsis. El cine de <strong>Cameron</strong> está preñado de todos los reactivos narrativos y psicológicos del cine predominante y despliega todos los mecanismos de seducción del cine de género para estimular en el espectador la ansiada identificación psicológica con los personajes.<br />
En <em><strong>Avatar</strong></em>, el ejercicio crítico puede y debe efectuarse desde dos flancos, o incluso desde tres: el de lo estrictamente cinematográfico, el de la supuesta revolución tecnológica y el de la correspondencia entre las espectativas generadas por sus hacedores y el resultado final. Durante los últimos años, los perpetradores de <strong><em>Avatar</em> </strong>han alardeado de los 300 millones de euros que han puesto sobre la mesa para establecer un punto de inflexión en la historia del cine; la bidimensionalidad habría quedado obsoleta y el 3D haría posible por fin la fidelísima trasposición de la realidad a la pantalla que tanto anhelaba <strong>Bazin</strong>. Nada más lejos de la realidad; <strong>Cameron </strong>no se ha interesado en ningún momento por las posibilidades del 3D a la hora de potenciar el cine como medio de expresión. No se trata, por lo tanto, de una revolución estética, sino de un hacerse más sitio, si cabe, para insuflar efectismos con poca chicha. Por otra parte, la promesa de un antes y un después en lo referente a la profundidad de campo, se diluye en una serie de capas superpuestas que quedan muy lejos de lo que ha conseguido<strong> Michael Mann</strong> (director <em>mainstream</em>) con <em><strong>Collateral</strong></em> (2004), <em><strong>Corrupción en Miami</strong></em> (2006) o <em><strong>Enemigos públicos</strong></em> (2009).<br />
Pero, ¿es pertinente juzgar una película a partir de las espectativas creadas? Casi nunca, pero sí esta vez. La salvaje campaña publicitaria de <strong><em>Avatar</em> </strong>ha dirigido sus esfuerzos (más allá de lo puramente crematístico) a borrar cualquier pretensión por parte de las nuevas generaciones de aficionados de ir más allá del cine de la espectacularidad. El terreno marginal en el que viven las películas menos interesadas en lo aparatoso debe cerrarse a cal y canto debe pensar la Fox. La estrategia consiste en hacer creer al espectador potencial no avezado que puede elegir entre <em><strong>Señales de futuro</strong></em>, <em><strong>2012</strong></em> y <strong><em>Fama</em> </strong>y entre los tres tamaños de cucuruchos de palomitas, ¿para qué quiere más? Lo que ha venido prometiendo <strong>Cameron</strong> desde 2006 ha resultado ser falso: el virtuosismo infográfico, <em>per se</em>, no va a aportar nada nuevo, ni bueno ni malo, hay que dotarlo de significado; el gran triunfo de<strong> <em>Avatar</em></strong> se encuentra en el momento de su preproducción, cuando convencieron al mundo de que no hay vida más allá de las gafitas polarizadas.<br />
Y si despojamos a la reciente ganadora del Globo de oro de su alucinante parafernalia sensacionalista, ¿qué nos queda? ¿Hay algo de buen cine en <em><strong>Avatar</strong></em>? Pues sí, lo hay. <strong>Cameron</strong> controla el tempo narrativo sin decaídas, con pulso firme, y construye conflictos en la trama que rezuman arquitectura narrativa clásica. Ahí acaba todo, <strong>Cameron</strong> toma partido por el diseño de secuencias absolutamente intercambiables con las de otras tantas películas fieles al canon del Hollywood más reaccionario. Escribe diálogos vergonzantes que dejan al descubierto lo huero de su planteamiento. El tono infantiloide con que cuenta la historia deja en evidencia su poca confianza en el espectador como protagonista activo del hecho comunicativo que en principio debe ser el cine. Se entrega en cuerpo y alma a la dictadura de la acción con planos bien cortitos y con escenas subrayadas por una banda sonora anodina. Pone todo su empeño en ganarse el favor del ecologismo guay de manera tan superflua que lo que consigue es banalizar el tema y minusvalorar la inteligencia del espectador. Se queda tan en la epidermis cualquier cosa que plantea <strong>Cameron</strong> en <em><strong>Avatar</strong></em>, tiene tan poco calado que uno pone en duda que sea el mismo hombre quien ha creado al T-800 y a esa pareja protagonista tan poco trabajada que termina por ser risible.<br />
No voy a ser yo quien niegue los logros tecnológicos de <em><strong>Avatar</strong></em>, que, como dice Max Rebo, sean probablemente el germen de algo interesante que está por llegar. La última película de <strong>James Cameron</strong> fracasa porque no está bien escrita, porque la planificación es convencional y porque se entrega al discurso <em>buenista</em> tan apreciado en nuestra época; no porque reivindique el espectáculo o el entretenimiento. Por nuestra parte, seguiremos esperando al <strong>Cameron</strong> que arremetía con fiereza al estómago del espectador y que hacía que se tamabalearan nuestras creencias más profundas, con espectáculo y diversión.
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