Gary Oldman – EspecialistaMike.com

Hunter Killer, de enemigos a aliados

Félix Esteban — Thu, 25 Oct 2018 14:34:54 +0000

Hay muy buenos precedentes en el subgénero bélico de películas de submarinos. El cine ruso, alemán y el americano han creado grandes títulos llenos de emoción, ayudado siempre por las características tan especiales de estas máquinas de guerra y su ambiente claustrofóbico. ‘Hunter Killer’ se suma a la larga lista pero desgraciadamente no destaca. Una vez más la historia de un submarino americano solo ante el peligro para evitar la III Guerra Mundial y donde el enemigo acaba siendo aliado, ¿os suena de otros títulos?

Gerard Butler es el capitán del submarino americano

Quizá, sabedores de que en este tipo de films ya casi todo se ha mostrado en la pantalla, verosímil o no, añaden una subtrama de otro subgénero bélico: el de escuadrones al margen de lo oficial, el de guerrilla o mercenarios. La idea era buena pero aquí no aporta nada original a la trama y se convierte en un toma y daca entre escenas de submarino y de pelotón que hace que no te centres en ninguna. De hecho el argumento es casi pueril y hace aguas tanto como el sumergible, sin explicación alguna, sin un mínimo interés o capacidad de definir a los personajes y que te los creas.
‘Hunter Killer’ saca punta a todos los clichés habidos y por haber, con un desarrollo aburrido hasta que por fin en el desenlace se desmelenan algo y te hace recuperar el poco interés creado. Ni Gerard Butler ni el desaprovechado aquí Gary Oldman logran reflotar este submarino que surca el mar siempre a profundidades bajas. Se salvan un par de escenas pero el conjunto es bastante olvidable. Para pasar el rato en una sobremesa de sábado pero no para gastar en una butaca de cine.

The space between us

merk — Fri, 30 Sep 2016 06:54:06 +0000

Trailers:

El niño 44: crímenes y castigos

Félix Esteban — Tue, 16 Jun 2015 10:20:01 +0000

[xrr rating=3/5]

Fotograma de ‘El niño 44’

Tom Hardy está de dulce y sin duda es la perfecta simbiosis entre actor de acción y dramático, basculando continuamente entre su contundente presencia física y su capacidad de expresar fortaleza o debilidad. De los desiertos apocalípticos de ‘Mad Max’ ahora le podemos ver encarnado en un héroe de la II Guerra Mundial reconvertido, como tantos otros, en agente garante de los preceptos de la Unión Soviética stalinista.
‘El niño 44’ (‘Child 44’) se embarca en varios frentes, saliendo airosos de todos aunque sin victoria clara en ninguna batalla, más allá de las buenas interpretaciones de Tom Hardy, Naomi Rapace o Gary Oldman (¿cuándo no está bien uno de los secundarios más prolíficos?). Qué falla: pues nada en particular, simplemente es una cuestión de cantidad y no de calidad. Daniel Espinosa (chileno afincado en Dinamarca) no imprime personalidad alguna a la dirección pero es solvente en cada una de las capas: la situación de control absoluto del régimen de Stalin, donde todo el mundo es sospechoso de traición; las víctimas inocentes de la caza continuada de supuestos delatores; y de otro lado, insertado hábilmente aunque sin profundizar por la necesidad insistente de tocar una y otra vez todos los palos sin centrarse en ninguno, la trama del asesino en serie, convirtiendo al protagonista en un investigador obsesionado con encontrar al culpable como forma de redimirse y encontrar una esperanza en un país sumido en la oscuridad.
‘El niño 44’ da la impresión, bajo la producción de Ridley Scott, de pretender emular los grandes títulos de David Lean, pero los tiempos han cambiado y ni el director está a la altura ni la moda de tocar tantos palos suele dar como resultado una obra redonda. Sin embargo nos deja momentos de gran intensidad dramática y de acción, lo que la sitúa en la tierra de nadie de las obras pretenciosas pero tan correctas que cualquier otro reproche de mayor calado se antoja imposible.
La Rusia de Stalin, las consecuencias del conflicto armado, las penurias de un pueblo sometido y temeroso, la férrea disciplina y sus consecuencias en toda la vida pública y privada, incluso en lo más obvio a la solidaridad y la excepción como el asesinato de niños. Parece mucho pero simplemente estamos ante un film intenso, entretenido y valorable por lo que propone pero que continuamente te hace sentir insatisfecho, si bien al menos arriesga en la jugada inicial.

Lawless y el Sitges Tour

Félix Esteban — Thu, 26 Feb 2015 11:44:41 +0000

[xrr rating=3.5/5]

En el último festival de Sitges se presentó ‘Lawless’, una de las películas que aún no tienen siquiera fecha de distribución y que gracias a la iniciativa ‘Sitges Tour A Contracorriente’ podremos disfrutar junto con otros tres títulos en 18 ciudades españolas. Una buena iniciativa para dar a conocer de manera más directa el festival catalán y de paso explorar nuevas formas de distribución fílmica.

Servidor sólo pudo disfrutar de esta película norteamericana pero se podrá poner a prueba tu resistencia cinéfila y gusto por la maratón cinematográfica visionando los cuatro títulos ofertados en esta primer edición: ‘Oculus.El espejo del mal’, ‘Zombeavers’ (‘Castores zombies’), ‘Lawless’ (‘Sin ley’) y ‘The target’ (‘El objetivo’). Cuatro títulos muy diferentes entre sí y que resumen el espíritu y lo ecléctico del Festival de Sitges.
Pero centrémonos en ‘Lawless’. Para empezar, un reparto de relumbrón: Shia LaBeouf, Tom Hardy, Gary Oldman, Jason Clarke, Guy Pearce. Dirige John Hillcoat, autor de la durísima y magnífica ‘La Carretera’ (‘The Road’). Hillcoat mantiene esa dureza añadiendo unos toques leves (a veces adecuados, otros desconcertantes) de humor. El tema y el entorno da para esa dureza: la Norteamérica rural de la Gran Depresión y en plena ‘ley seca’. Tres hermanos destiladores y contrabandistas de alcohol que se negarán a trabajar para otros, con graves consecuencias para ellos y para la comarca.
‘Lawless’ se puede ver como un western con toques mafiosos o como una peli de gangsters con toques de western, un climax creciente y final muy ‘Ok Corral’. De hecho se puede decir que tiene más reminiscencias de clásicos del Oeste que de gangsters, pero de cualquier forma se mete a partes iguales y con acierto en los probablemente dos géneros más americanos y que más títulos y escenas míticas han dado, con guiños incluso a títulos como ‘Infierno de Cobardes’.

Una película notable con unas interpretaciones impecables pero donde tienes la sensación de que algo falta o sobra sin saber exactamente el qué. De cualquier forma, entre escenas brutales, impactantes e intensas, personajes bien perfilados (sobre todo el de Tom Hardy) y algún bajón que hace que los 116 minutos de duración de la película puedan parecer excesivos, el film deja huella y llena un subgénero poco abordado al menos en los últimos años.
Larga vida al Sitges Tour A Contracorriente.

Robocop: lo humano permanece

Félix Esteban — Thu, 13 Feb 2014 11:08:55 +0000

[xrr rating=4/5]
Confieso, como creo la mayoría, que iba con pocas expectativas. Para los que nos marcó tanto la película de Paul Verhoeven de 1987 se hacía difícil que esta nueva versión se acercara siquiera a las sensaciones que te dejaba el original. El film de Verhoeven era violento, oscuro, descarnado, con una de las escenas más brutales que uno recuerda, retratando un futuro poco halagüeño y muy factible en lo social y tecnológico. La revisión que hace el brasileño José Padilha (responsable de la saga Tropa de élite) no sólo no desmerece de la del holandés, sino que la enriquece, en parte manteniendo la esencia del original, en parte desmarcándose de ella y aportando nuevos caminos. Como si reivindicaran sus procedencias, una era más nórdica, la actual es más racial.

El nuevo Robocop se acerca más al cine de superhéroe y de reflexión de diversos aspectos que al de género policíaco-futurista. Padilha y los cuatro que firman el guión han sabido coger los imprescindibles ingredientes principales (el uso de escenas de noticiario y reporterismo, la trama familiar…) y añadir o resaltar otros con absoluto acierto. Es la misma historia pero contada de diferente manera, adaptada a los tiempos tanto, que el 2028 que retrata el film se nos antoja ya actualidad, presente. Y es que en lo que profundiza el film (debate máquina-humano, gestión de la violencia por parte del estado, uso de los medios de comunicación y el marketing, ética y límites médicos, poder corporativo e influencia en las esferas políticas…) son debates candentes hoy en día y que Padilha nos muestra sin distraer ni mermar la esencia de entretenimiento y acción. Se mete en muchos berenjenales y sale no sólo airoso de todos, sino que logra hacer el puzzle completo y lo que muestra además es armónico, crea debate y reflexión pero sin privarte de tu dosis de adrenalina.
La única pata que podría cojear un poco es la pobreza general y previsibilidad del argumento, en parte por ya conocida, pero en parte por la decisión, acertada a mi entender al final, de centrarse en el cómo y por qué y no en el qué. De hecho, las estructura es circular y no lineal. La gran mayoría del film se ocupa del proceso de creación de Robocop, de las causas y consecuencias, a través de las cuales ves de manera clara los males de los tiempos actuales. La destrucción de lo humano es fruto de la corrupción policial y la creación de su yo-máquina es fruto no de la preservación de la vida sino de intereses económico-políticos, de producto estrella para influenciar a la opinión pública y así derogar la ley del congreso que les impide poder lanzar al mercado americano policías-robot, sólo válidos en la política exterior norteamericana. Como voz pública en favor de ello, un inmenso Samuel L. Jackson que se come la pantalla en sus apariciones en pro de la grandeza de América y que aboga por un país robotizado, libre de delincuencia y bajas policiales; al frente de la corporación que fabrica los drones y que sueña con ese mercado, otro insuperable Michael Keaton, que mueve los hilos para lograr el negocio del siglo.
Todo ello conforma la carcasa de intereses pero el meollo del asunto es el factor humano en todas sus vertientes, perfectos en sus papeles tanto Joel Kinnaman (agente Murphy-Robocop) como Gary Oldman, el médico y biomecánico que «crea» a Robocop y sufre un continuo dilema moral sobre lo que hace (lo mecánico sobre lo humano) y a quién se lo hace (lo humano sobre lo mecánico), con continuas y nada chirriantes reminiscencias al mito de Frankenstein, por cierto. Hasta qué punto se puede manipular o anular la conciencia, el yo, cómo la química prevalece pero en circunstancias extremas el cerebro se readapta y rompe cualquier esquema, expresado magistralmente en el rostro de seguridad científica y a la vez sorpresa continua por lo ignoto de su camino que muestra Gary Oldman. Murphy no quiere vivir porque ya no es él, ha perdido casi todo su cuerpo. Sin embargo lo sigue siendo hasta el punto de que intentan que sólo sea una máquina sin sentimientos. Ni toda la tecnología y química lo consigue. El yo profundo que es la mente frente al yo completo y social mente-cuerpo.
Ahora diréis: todo esto está muy bien pero dónde queda la acción, lo épico. Pues a buen recaudo y dosificado en su justa medida, sin dejar a nadie indiferente o con ganas de más. Reiterar que no es un film eminentemente de acción, de violencia, futurista o policíaco. Padilha se aleja en ese aspecto de Verhoeven y se hace un favor a si mismo y al holandés, porque ambos salen ganando y mantendrán sus personalidades pase lo que pase, como la mente de Murphy aunque esté dentro de un exoesqueleto, pudiendo disfrutar de ambas en virtud de lo que querían mostrar y de la época en la que se realizaron. Así sí tiene sentido hacer remakes. Robocop no murió; larga vida al nuevo Robocop.
Lo mejor: un elenco de actores que se nota creen en lo que han hecho y los nuevos caminos y reflexiones que muestra.
Lo peor: la trama policial simple y previsible pero sacrificable a tenor del conjunto.
Estreno: 14 de Febrero.

Nuevo trailer de Robocop

merk — Tue, 12 Nov 2013 21:55:16 +0000

A estrenar en Febrero del 2014, nos llega el nuevo trailer del remake de Robocop.
Dirigida por protagonizada por Joel Kinnaman, Gary Oldman, Michael Keaton y Samuel L Jackson (que no se pierde una).
Veremos que tal…

El Caballero oscuro: La leyenda Renace. Gracias Nolan

merk — Fri, 20 Jul 2012 06:49:38 +0000

[xrr rating=4.75/5]
Ayer creí que necesitaba dormir para aclarar mis ideas sobre lo que acababa de ver. Bien es cierto que me cuesta discernir en si The Dark Knight Rises (El caballero oscuro. La leyenda renace) es mejor que su predecesora o no. Bien es cierto que tal como a mitad de película podía afirmar que la del Joker era mejor, al final de ella podría asegurar que no era así, que esta tercera era mejor.
¿Y eso porque? The dark Knight Rises (a partir de ahora TDKR) no tomaría forma de montaña rusa en el interés de su metraje, mas bien podríamos decir que durante sus largos (aunque entretenidísimos) 170 minutos, la película no deja de subir. Subir y subir. La bajada digamos que la dejas para la vuelta a casa. Tras ver TDKR, puedo decir que el subidón con el que sales es enorme. La película acaba en la cumbre, y seguramente por eso, la mente se te nubla y no sabes puntuar todo aquello que has visto. Dicho de otra manera, si al Batman de Joel Schumacher le metes la última media hora de esta, doblas las puntuaciones en las críticas.
Pero por suerte esta no es el Batman de Schumacher. Es Cristopher Nolan, desde ya hará tiempo, uno de mis directores fetiche.
Tiene gracia una película de Batman en la que Batman sale poco. Muy poco. La película se cuece a fuego lento a través de personajes interpretados genialmente por Joseph-Gordon Levitt, Tom Hardy (enorme Bane), Anne Hathaway y los ya habituales Bale, Caine, Oldman, Freeman… Extrañamente, la película tampoco tiene muchísima acción. Prácticamente toda la que has visto estaban en los trailers. El thriller político, el caos, la anarquía, el sufrimiento y el climax te llevan a la piel de gallina de inicio a fin.
¿Puntos negativos? Alrededor de un 40% de la gracia de la película gira alrededor de sorpresas finales. Si has sido muy inquieto y has indagado por internet, esas sorpresas dejan de ser tales. Pues desde un inicio te puedes imaginar cosas, pero no deja de ser eso, confabulaciones. En resumidas cuentas, si no sabes nada, mejor. Si los trailers no muestran casi nada, ya sabes el porque. Y si has aguantado hasta hoy, aguanta unas horas mas. Aíslate y espera. Y por eso no entraré a comentar mucho más. Ve al cine y disfruta. Seas fan o tan solo simpatizante. Si tienes dinero para una sola peli en todo el verano, ve a ver TDKR. Si te sobra, ve igualmente. Y si por aquellas cosas de las casualidades, tienes ocasión de verla en formato IMAX, ni lo dudes.
En fin, gran broche de oro ¿final? a la trilogía del renovado superhéroe. Señor Nolan, a sus pies.
Lo mejor: El subidón con el que sales del cine.
Lo peor: Saber demasiado penaliza mucho. Y que si Heath Ledger hubiese estado vivo, tendría algun papel en esta sequela, seguro.

Sid & Nancy: amor intravenoso

Maxrebo — Thu, 28 Apr 2011 06:19:26 +0000

En palabras del crítico estadounidense Roger Ebert, Sid Vicious y Nancy Spungen fueron los Romeo y Julieta del punk rock. Amantes legendarios, como los de Verona, el paralelismo estriba en lo trágico del final de la pareja, más que en la naturaleza del amor que se profesaban el uno al otro, si atendemos a los testimonios provistos por los testigos presenciales de la relación o al retrato que de ella ofrece la película Sid & Nancy (Alex Cox, 1986). La inmortal tragedia shakespereana, el conflicto entre Capuletos y Montescos, no es más que un juego de niños en comparación a la vorágine autodestructiva en la que vivían inmersos el último bajista de los Sex Pistols y su novia estadounidense, stripper, prostituta, groupie, mánager, camello y yonqui.
Desde luego, resulta difícil empatizar y comprender las claves de una historia de amor entre dos adictos a la heroína para cualquiera que no malviva esclavizado dentro de ese miserable pozo de inmundicia. De la película de Cox se desprende que Vicious no era más que un botarate (no contribuyó con nada de valor, murió como un idiota, Cox dixit) y la Spungen una bala perdida que ejerció una pésima influencia sobre él, algo que percibió todo el entorno del joven veinteañero. Malcom McLaren, mánager y autoproclamado manipulador de los Sex Pistols, afirmó que la aparición en escena de Nancy fue como si el Dr.Strangelove hubiera enviado una enfermedad siniestra a Inglaterra… hice todo lo posible por conseguir que la atropellaran, envenenaran, secuestraran o devolvieran a Nueva York.

Sid & Nancy es, por tanto, un descenso fílmico a los abismos de la marginalidad del caballo y un intento de explicar cómo Vicious llegó a ser uno de los cádaveres jóvenes y bien parecidos más mitificados de la cultura popular del siglo XX. Empresa difícil: a diferencia de otros rockeros mártires ( Elvis, Jim Morrison, Ian Curtis…), su contribución a la causa musical fue poco más que nula. Apenas aprendió a tocar el bajo en los once meses que estuvo en los Sex Pistols. Si se le venera es por ser la imagen y la actitud del punk, algo que también podría discutirse dada la versatilidad y transversalidad de una corriente que arraigó en el underground neoyorkino de la segunda mitad de los 60, que desembocó en la cultura rock intelectual y bohemia de la misma ciudad en los 70 y que sufrió una suerte de mutación agresiva al cruzar el charco.
Mientras que en Nueva York hubo lugar para el amateurismo (Ramones), el desfase y la diversión (New York Dolls) o las más elevadas pretensiones literarias y musicales (Patti Smith, Television), tras su desembarco en la otra orilla del Atlántico, con McLaren actuando de vaso comunicante, el punk se transformó en un catalizador más agresivo de la rabia juvenil en un contexto de crisis económica y agitación social, en una Inglaterra en la que la temible y despreciable Margaret Tatcher se preparaba para ejercer el poder. El punk fue vómito y escupitajo de la juventud en la cara de sus mayores, su grito de rechazo contra un mundo del cual no sentían formar parte. Se trataba de ser cuanto más ofensivo posible y despreciar tanto los viejos valores conservadores como el insoportable y caduco buenismo hippie, y los jóvenes británicos lo escenificaron de una manera harto explícita.
Para tener esta óptica más amplia del escenario social es preciso visionar Sid & Nancy en programa doble junto a The Filth and the Fury (Julian Temple, 2000), el excelente documental sobre los Sex Pistols que pone en contexto la historia de Vicious dentro de la banda y al grupo dentro de su marco histórico, complementando así a la biografía de Alex Cox. Sólo si observamos a través del prisma del asqueo y la falta de perspectivas de la generación del no future, ilustrados con poderío y elocuencia en los diez primeros minutos del documental, podemos entender como mito contemporáneo al Sid Vicious macarra, borracho, drogado y por momentos violento que vemos en la película de Cox. Y todavía no le he dicho, pero Vicious está interpretado de una manera sobrecogedora por un debutante Gary Oldman, que se enfundó la automutilada piel del rockero con tal intensidad que acabó en el hospital.
En este vórtice de mugre y furia, espléndidamente fotografiado por Roger Deakins, se desarrolla el romance de Sid y Nancy, desde el encuentro de la pareja en el 77 hasta su misterioso y sangriento final (la opción de Cox es sólo una de las hipótesis barajadas). Johnny Rotten, cantante de los Pistols y amigo de Vicious, despreció el film, no por la estupida visión que de él mismo se ofrece, sino por considerar a Cox un indocumentado que, además, había filmado una glorificación del submundo de la heroína. No comparto su opinión con respecto a lo segundo. Cox defendió su película como un alegato en contra de la degradación provocada por el caballo y así debería apreciarla cualquiera en su sano juicio. El vuelo poético del final en el taxi ha de entenderse como un homenaje al amor que debía subyacer en el fondo de tanta autodestrucción, y no como un romántico viaje final gracias al último pico.
Sea como fuere, el punk no sobrevivió mucho más allá de la muerte de Sid Vicious, en el año 79. Llegaron los nefastos 80, la época del nuevo liberalismo de Reagan y la misma Tatcher, del yuppismo y del dominio del pop absurdo y sintentizado que sepultaron a un (anti)movimiento que, de cualquier forma, tenía fecha de caducidad. En parte por el carácter autodestructivo de muchos de sus partícipes, víctimas o supervivientes (Richard Hell, Dee Dee Ramone, Iggy Pop, Johnny Thunders…), pero también por la voracidad fagocitadora del Sistema, que engulle, regurgita y lo devuelve todo convertido en descafeinado producto de mercado. El punk británico quedó desnaturalizado, convertido en una moda carnavalesca, un amasijo de imperdibles y crestas de colores, reclamo para turistas en busca de una postal londinense cargada de pintoresquismo.
En cuanto a la semilla del punk, me gustaría pensar que se mantiene intacta en algún reducto inexpugnable de la conciencia de la juventud de nuestro tiempo, sumida en permanente abotargamiento. Porque en el contexto de esta vomitiva crisis capitalista se dan todas las condiciones para un nuevo estallido de inconformismo. Por eso terminaré apelando al escritor Legs McNeil, que acuñó el término como título de una revista editada en Nueva York en 1975. Según McNeil, el punk era aquella maravillosa fuerza vital articulada por la música que trataba de corromper todas las formas: decía a los chicos que no esperasen a que les dijeran lo que tenían que hacer, que crearan su propia vida, que volvieran a utilizar la imaginación, que no fueran perfectos…que la verdadera creatividad surge del caos.