«Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves»: una aventura sorprendentemente atractiva con personajes divertidos y una búsqueda auténtica.

Después de años de anticipación y especulación, «Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves» finalmente llega a los cines el 31 de marzo y la respuesta de aquellos que la han visto está siendo abrumadoramente positiva. La película ha logrado conquistar tanto a los fans acérrimos del juego como a aquellos que no lo son, gracias a su trama de alto riesgo, personajes cautivadores y un enorme mundo con infinitas oportunidades para la narrativa.

Según Erielle Sudario de We Got This Covered, «Honor Among Thieves» logra poner un giro ganador al género de fantasía, obteniendo una puntuación de 4/5. De manera similar, Lex Briscuso de TheWrap elogia la película por ser extremadamente accesible y atractiva para los no fans desde el principio, al mismo tiempo que satisface a los devotos más acérrimos del juego.

Aunque algunos críticos, como Mike Massie de Gone With The Twins, encontraron que las habilidades mágicas y las premisas narrativas de la película carecían de sentido, la mayoría de los críticos han elogiado la naturaleza llena de diversión y el encanto de la película. Meagan Navarro de Bloody Disgusting la califica como un «paseo de bajo riesgo destinado a entretener», mientras que Matthew Monagle de The Playlist la alaba como una «celebración de la comedia y los personajes».

El reparto de la película también ha sido ampliamente elogiado por sus interpretaciones, destacando Chris Pine en su papel. David Fear de Rolling Stone señala que Pine es la «salsa secreta» que mantiene a la película ágil y ligera, mientras que Ryan McQuade de AwardsWatch elogia la entrega sin emociones de Rege-Jean Page como equiparable a Pine en todos los aspectos, lo que hace que sus escenas sean las más divertidas de la película.

Los momentos emocionales de la película tampoco han pasado desapercibidos, con Alan French de Sunshine State Cineplex elogiando la capacidad de la película para crear «momentos emocionales merecidos» y jugar con «la comedia de la regla de tres».

Enamorando allí y aquí

Sin tener que irnos a críticos americanos, podemos leer el hilo de tuit de Horror Losers que también la alaba mucho:

Horror Losers opina que Dungeons & Dragons: HAT es una película sorprendente, divertida y bien escrita, que cuida a sus personajes y rescata la inocencia naíf de películas como Willow o Dragonheart. La película tiene un tono juguetón y ligero en comparación con la visión oscura y despiadada del género después de Game of Thrones. Además, es una buena sucesora del tono de las películas de aventuras antiguas y es una alternativa a Marvel en un mundo de espada y brujería. La película utiliza técnicas tradicionales de maquillaje y escultura de moldes y cuenta con un plantel espectacular de seres mágicos, monstruos y personajes extraños.

Estreno el 31 de marzo

En general, «Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves» es una aventura sorprendentemente atractiva que logra ser divertida y auténtica. Como señala Laura Bradley de The Daily Beast, «Esta es una ganadora para la multitud, incluso para aquellos entre nosotros que nunca hemos visto una hoja de personaje». Con el éxito de la primera película, no es sorprendente que ya se estén preparando secuelas, y los fans están ansiosos por ver hacia dónde irá la historia.

#Willow, Serie Original, estreno 30 de noviembre en #DisneyPlus.

El primer spinoff de la saga fue Rogue One (2016),  donde poco nos importaban unos personajes muy planos y que a la postre no tendrían continuidad, en cambio con  Han Solo: Una Hª de Star Wars (2018) el script de los personajes me ha parecido de lo mejor, y es que el casting, visto lo visto (acabo de volver por segunda vez del cine) ha sido el primer acierto. Quién es Han Solo, cómo conoce a Chewbacca, cómo desean y consiguen el flamante y nuevecito Halcón Milenario. La construcción de los personajes gracias al guión literario nos explica al fan clásico por qué Han Solo es un cínico descreído con un desamor que arrastra a lo Rick de Casablanca (1942), por qué Chewbacca es casi su hermano de sangre, por qué el joven Lando Carlrissian (espectacular Donald Glover) es más granuja que todos los contrabandistas juntos de la cantina de Mos Eisley. Y aunque es una película coral, nuestro protagonista es el joven Han Solo interpretado y dirigido a la perfección: los gestos, las muecas, las respuestas cual nuestro icónico Harrison Ford hecho joven. ¿Os imagináis una película de Han Solo con un personaje que no tuviera nada que ver con el clásico?. Es la piedra de toque, por muy buen guión, por mucho corta y pega de Ron Howard, director salvador (luego lo contamos), la interpretación de Alden Ehrenreich es perfecta.

El segundo argumento a favor es cómo lo conectan todo con el universo canon con un guión suficientemente sólido como para no echar de menos todo el universo de la fuerza donde se sustenta la saga de clásica. Y es que a diferencia de Rogue One (2016) donde los actores estaban al servicio de la acción, aquí los actores se sirven así mismos. Ahí es donde aparece la mano que da continuidad al canon de George Lucas, el guionista Lawrence Kasdan (Star Wars: Episode V – The Empire Strikes Back (1980), Star Wars: Episode VI – Return of the Jedi (1983). Recuerdo cuando esperábamos la primera película de Disney Star Wars: Episode VII – The Force Awakens, lo tórpemente interrelacionados los clásicos personajes con los nuevos ( y no comentaremos la burda muerte de Han Solo). Ahora ya por fin, podemos ver a un Chewbacca que no es un comparsa, por fin sabemos de Lando, y por fin entendemos por qué Solo va de canalla pero es un «good guy» como le dice Emilia Clarke, nuestra mother of the dragons de Game of Thrones. Otro elemento fundamental era tener a un antagonista de peso, aquí no teníamos ningún personaje clásico en el reverso de la fuerza, por lo que el papelón de Paul Bettany con su lado physco a lo Manhunt: Unabomber (os recomiendo la miniserie en Netflix) era fundamental para nivelar la balanza dramática de la historia.

Star Wars se creó contra viento y marea, en unos años 70 donde al ciencia ficción seguía siendo un producto de serial televisivo y poco más, George Lucas (ahora que me estoy leyendo su biografía por Brian Jay Jones) luchó contra los elementos porque creía en su idea, hasta en el rodaje todo fueron problemas técnicos y de actores «que no lo veían», pero él persistió. Han Solo: Una Historia de Star Wars (2018) tiene ese mismo germen. Disney rescindía el contrato a media película por discrepancias creativas con los directores Phil Lord y Chris Miller. Al recate vino Ron Howard, director con oficio que nos hizo disfrutar en los 80’s con dos joyas como fue Willow (1988) y Coccon (1985) pero si os tengo que recomendar dos películas actuales me quedo con la soberbia (y eso que no soy fan de la F1) de Rush (20013) y Frost/Nixon (2008). Volver a rodar escenas, cambiar el montaje y una de mis dudas sobre lo que yo considero el talón de Aquiles de este film: la partitura de John Powell, compositor británico de films de animación, que ha hecho un flaco favor a la saga. Desde el minuto uno, ves que la narración visual va por un lado y la música por otro. Es un desastre  absoluto y una pena porque las secuencias de acción se ven resentidas de una manera inmerecida, luego las transiciones de las escenas de acción a las íntimas son tan bruscas como el montaje…es una asintonía total que solo remonta el vuelo cuando suenan los leitmotifs clásicos de John Williams.

Solo :A Star Wars Story es una película que respeta y amplia el universo canónico, que nos deja más de una sonrisa con muchas interpretaciones geniales y aunque no saltará al hiperespacio, para nada es la decepción que muchos vaticinaban, es ,simplemente…una historia de Star Wars y eso, todavía, es más que suficiente.

Cuando en 1977 se mal estrenaba Star Wars en contados cines, se produjo lo impensable, un éxito de público propiciado por el boca a boca. Era el comienzo de un nuevo viaje a las estrellas, otra manera muy diferente de ver el espacio, mucho más cercana que no el monolito de Stanley Kubrick, un film underground para la época que se pasó de presupuesto estigmatizando la posterior producción de films de ciencia-ficción.

Pero el apabullante éxito de Star Wars propiciaría una segunda y tercera parte en los 80′: El Impeio Contraataca (1980), según crítica y fans la mejor de la saga, y El Retorno del Jedi (1983), ya con el control financiero, gracias a los derechos de lo que ahora llamamos merchandising y con un control creativo total de un joven George Lucas que iba creando divisiones de efectos especiales (Industrial Light&Magic), de hardware computerizado (Pixar) y hasta de videojuegos (Lucas Film Games). George Lucas es el George Méliès del cine moderno, un creador de universos interesado más en elaborar la técnica al servicio de la creatividad que no dirigir actores en un set de rodaje. Lo suyo no son las personas, lo suyo es construir universos, es un arquitecto de estructuras.

Si embargo, el fan de Star Wars, el que creció con la primera trilogía (aka @rgmorallon), viene con una demanda emocional, viene con la frustración que no le dieron la nuevas películas digitales al inicio de este milenio. El fan no le perdonó a Lucas la infantilización de la saga y unas interpretaciones lamentables teniendo tan buenos actores como Natalie Portman o Ewan McGregor. Ante esta frustración de años y más años y de un crecimiento continuado de lo que se llama el universo extaendido de Star Wars, el aficionado ha ido esperando pacientemente y ahora por fin llegaba el momento de recuperar esa emoción de la mano de Disney.

Todos celebramos la noticia, yo el primero, y más cuando el encargado de volver a hacer despegar el Halcón Milenario sería J.J. Abrams, un director que mantuvo en vilo a medio planeta con el final de una de las series más novedosas y originales como fue Lost, una auténtica caja de Pandora, un juego infinito de matryoshkas. J.J. Abrams es mejor director que guionista, es mejor prestidigitador y encantador de serpientes (domina muy bien los mensajes 2.0 en las redes), si tenéis curiosidad lo podéis ver in flow en esta TED https://www.youtube.com/watch?v=z1s6kviVucE. J.J.Abrams es un director de moda que conecta con la gente joven y que resucitó un muerto muy muerto como era la saga de Star Trek, pocos ruedan como él las escenas de acción y tiene además algo que a mí me gusta gusto. Cómo te engaña para luego descubrirte la cosas…lástima que no aunara el momnto de quitarse la máscara con la muerte del icónico Han Solo. Aquí, a mi modo de ver, le quitó fuerza.

Disney ha entrado a por todas, lanzando una campaña galáctica, no hay producto que se haya quedado fuera, a fin de amortizar la inversión. Sólo la preventa del estreno de Star Wars: El Despertar de la Fuerza ha marcado un antes y un después, habiendo amortizado el coste del film, independientemente de su crítica.

El que escribe es consciente que no estoy solamente ante un film, limitarme a su análisis cinematográfico, sería muy pobre por mi parte. El fenómeno Star Wars se ha convertido con el paso del tiempo en una cultura propia, más allá de iconos puntuales como Darth Vader, etc. considero que estamos ante un relato moderno de nuestra propia mitología moderna, es la nueva Odisea donde Ulises es Han Solo.

En qué momento de nuestras vidas tienes la posibilidad, recordemos que somos la primera generación en poder experimentar estas emociones, de entrar en un sala de cine y poder volver a ver a los mismos personajes de hace más de 30 años. No es fácil tratar de recuperar emociones pretéritas, más que nada porque nuestro cerebro las va modelando, el tiempo es escultor de manos habilidosas y tramposas. El propio J.J.Abrams dirigió Super 8, producido por un Steven Spilberg en un intento fallido por atraer a esa generación que crecimos con The Goonies (1985).

J.J.Abrams es un director más valiente como para calcar la trama de este nuevo Star Wars: El Despertar de la Fuerza (2015) con El Imperio Contraataca (1980). Otra especie de Estrella de la Muerte, otra vez un punto débil, otra vez. Los fans aceptamos todos esos detalles que nos conectan emocionalmente con la saga: volver a volar con el Halcón Milenario, volver a ver a Han Solo y Chewi, volver a las chapuzas de la nave cuando se estropea…pero una vez que nos tienes encganchados, que te lo ponemos fácil porque entramos entregados como mi compañero @akamerc, por qué te echas para atrás, ¿por qué?. El primer bloque del film tiene un ritmo endiablado, los nuevos personajes están bien presentados y sin duda, el potencial de la protagonista femenina interpretada por la joven Daisy Ridley y su antagónico por Adam Driver, se mueve increíblemente, sólo vienen empañados por un elenco de antagonistas más dibujados, lo de la Capitana Phasma es de risa, y el holograma de Mago de Oz como pseudo Emperador es lamentable.

A medida que avanza la película J.J.Abrams se fue alejando de sí mismo, las cada vez más numerosas reuniones con Disney, recordemos que Star Wars vuelve a ser un film de estudio, parecen haberle ido podando conexiones neuronales a la creatividad de un director que es puro chispazo. La emoción inicial no se sostiene, hay chistes que sobran, hay elementos de guión que no se entienden…da igual, se lo hubiera perdonado, pero es verdad, lo decía el slogan de la campaña de Disney: cada generación tiene su historia. La cosa anda dividida a partes iguales si chequeamos las  redes. Star Wars VII: El Despertar de la Fuerza (2015) es una buena película, entretenida y que visualmente ha recuperando las maquetas y construir un BB-8, el nuevo R2D2, de verdad para algunas escenas, pero no, esto no es Star Wars. J.J.Abrams se ha dejado vencer por la ocuridad de las orejas de ratón, que ya le ha dado los otras dos episodios a directores mucho más manejables. No exiguir más y contentarnos con pequeños guiños emocionales y disfrutar sólo de la acción no me parece suficiente para todo el Universo que nos dejó George Lucas.

Todo lo demás es discutible, y yo soy el primero que se vino con un póster de 3×3 metros cargado en el tren de la premiére de Londres, yo soy el primero que aplaude la ilusión de mis compañeros de especialistamike, pero salí del cine sin la emoción suficiente, sabiendo como se del potencial de este director, sabiendo del potencial de estos actores que poco pueden hacer cuando el guión es tramposete y no arriesga nada.

La fuerza está despertando, veremos qué sucede, espero y deseo que no nos vendan un remake encubierto de la trilogía clásica, de momento sigo esperando algo más que un yo soy tu padre 2.0

¡Alto!: un respeto. El planeta del sol naciente posee un pedigrí sin igual en el seno del fantástico. Una tradición cinematográfica centenaria, trágicamente marcada por un obvio hecho histórico: los monstruos atómicos de 1945 germinaron otros monstruos simbólicos, Godzillas, Gameras y familia, imposibles mutaciones que protagonizaron los kaijū eiga. El pavor atómico y la destrucción fueron la seña de identidad de la ciencia ficción nipona, que parió otros seres amenazantes o protectores como Mazinger Z y la caterva de robots gigantes. La amenaza que llega del cielo, en forma de horda imperial, también está presente en Los invasores del Espacio. El film está inspirado en un manga del discípulo de Tezuka, Shotaro Ishinomori, pero su argumento y personajes se adaptaron convenientemente para establecer evidentes paralelismos con las aventuras y los arquetipos ideados por Lucas. ¿Herejía? ¡No, justicia!. Lucas había fagocitado (y volvería a hacerlo en el futuro) elementos propios del folklore y el cine japonés (los jedi-samurais o la armadura de Vader, y el vestuario y maquillaje a lo kabuki de la Reina Amidala son una buena muestra). Legítimo era, por lo tanto, que los japos reciclaran el universo del tío Georgie y ofrecieran al mundo su particular óptica sobre el tinglado espacial que revolucionó el cine de los 70.

Así, en esta marcianada producida por la Toei, encontramos indisimulados alter egos de la mayoría de los personajes principales de Star Wars: un par de jóvenes e impulsivos botarates a modo de Han Solo y Luke Skywalker, un Darth Vader ceñudo y cornudo (el emperador Rockseia XLL) o la inevitable princesa de nívea vestidura (Esmeralina), émula de nuestra amada Leia. Beba-2 es un adorable R2-D2, mientras que C3-PO adquiere los rasgos humanos de un insufrible y quejicoso haragán con sombrero de paja, con pintas de trilero. El viejo general Garuda es un remedo de Obi Wan, aunque el aspecto místico de Kenobi se insufla aquí al patriarca del planeta Jillucia… En definitiva, los sospechosos habituales, la troupe casi al completo (falta Chewieee!), con el añadido triunfal de una tétrica Madre-Rockseia, que pilota una silla de ruedas (más bien un trono) maqueada de lo más fetén…Tampoco faltan escenas, ambientes y diseños que resultan muy familiares, como el combate aéreo final, la cantina repleta de maleantes y las naves reminiscentes de los x-wings, snow speeders y, por supuesto, el Halcón Milenario. Incluso hay planos que son un calco indisimulado de los de la película referencial, sin duda en forma de merecido homenaje…

Hasta aquí, todo muy canónico y discutiblemente digno. Es la aportación autóctona la que desata la locura, empezando por el delirante vestuario y los decorados: los pacifistas Jillucianos, ataviadas sus testas por coronas hechas de hojas de parra, parecen una secta de trasnochados adoradores de Baco. Los jóvenes héroes lucen unas chupas de polipiel blanca, a medio camino entre la estética del tunning y la de un Elvis Presley en la decandencia de Las Vegas. La guarida del Imperio Gavana viene a ser una Estrella de la Muerte de aires japoneses, pero decorada por el escenógrafo de alguna versión de serie Z (italiana, of course) de Conan el Bárbaro. No tengo palabras para describir el velero espacial de la princesa Esmeralina, una Santa María dotada de propulsores que hace palidecer la majestuosa Arcadia del Capitán Harlock. El pintoresco reparto coral, mezcla de actores orientales y viejas (y jóvenes) glorias de occidente, se ocupa del resto. Destacan Sonny Chiba, el Hattori Hanzo de Kill Bill (Quentin Tarantino, 2003), y Vic Morrow (actor que murió decapitado por un helicóptero en el rodaje de Twilight Zone: The Movie, en 1983), que aquí mimetiza la gestualidad manual de Sir Alec Guiness.

El resultado es un glorioso híbrido entre la Star Wars original y los samurais de Kurosawa (8, en este caso): una amalgama en la que subyace la tradición de los Transformers y el aroma de los mangas de Leiji Matsumoto. Una aventura protagonizada por un grupo de héroes más que dudosos, a ratos mezquinos, y unos villanos resultones (el ejército de troopers). Una space opera de capa, espada (de acero) y látigos (de luz), 100% artesanal, vigorizada por las enérgicas coreografías y los retorcidos ejercicios gestuales propios del cine de acción oriental. Y una sinfonía galáctica, sonorizada por una orquesta que saquea sin piedad (y sin fanfarrias) a John Williams, aunque la banda sonora también se permite algún desvarío de j-rockabilly. Pero no nos llevemos a engaño. La obra va mucho más allá del plagio: es puro celuloide simbiótico. La retroalimentación es evidente: Lucas se inspiró en ella en sus capítulos posteriores de la saga. Hasta me atrevería a decir que su temido Emperador Palpatine no es más que una versión chic de Mamá Rockseia XLL. En cualquier caso, es una película estimable, dirigida con entusiasmo por Kinji Fukasaku, al que también debemos otra pequeña perla, Batalla más allá de las estrellas (The green slime, 1968) y la más conocida Battle Royale (Batoru rowaiaru,2000). 

Los Invasores del Espacio está editada por Asian Trash Cinema en forma de apetitoso programa doble, junto a Superman contra la banda negra (Attack from Space, Teruo Ishii,1958), cuya reseña es otra historia, que debe ser contada en otra ocasión. Además se incluye un olvidable audiocomentario y 2 estrambóticos cortos de animación estadounidenses de los años 50: uno advirtiendo de lo pecaminoso de la conducción temeraria, patrocinado por la Iglesia Metodista, y otro alabando las excelencias de un mundo que vive felizmente del petróleo y en la inmersión en el sistema capitalista, patrocinado por las compañías petroleras norteamericanas. Así, tal cual suena. Pero sin duda, el punto definitivo de esta edición es la pista de audio en castellano (la única disponible, por otra parte). Por una vez, sin que sirva de precedente, romperemos una lanza en favor del doblaje, porque las voces utilizadas en la película son, una por una, las mismas que recitaron esos diálogos que nos sabemos de memoria de nuestra Guerra de las Galaxias, asociadas a los mismos personajes, Constantino Romero a la cabeza. De esta manera, el círculo se cierra y la hermandad de las dos cintas se completa. No os la perdáis. Y que el valor os acompañe.