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	<title>Universal &#8211; EspecialistaMike.com</title>
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		<title>CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN &#8211; Teaser Tráiler Oficial </title>
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		<pubDate>Wed, 20 Nov 2024 10:33:19 +0000</pubDate>
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<p>CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN se estrena el 13 de junio exclusivamente en cines.</p>



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		<title>Nuevo trailer de Jurassic World (ENG+ESP) + Pósters</title>
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		<pubDate>Mon, 20 Apr 2015 15:31:44 +0000</pubDate>
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					<description><![CDATA[Espero como agua de mayo esta película. Doy por supuesto que no superará la primera, ni siquiera la segunda, pero que queréis que os diga&#8230; me encanta. Le tengo muchas ganas, y todo lo relacionado con ella me interesa. El marketing hasta el momento ha sido clavado, milimétrico, (mirad sino los magníficos pósters) así que espero que lo que vayáis a ver no sea lo que espero que no sea: un resumen de la película. Da la sensación que han echado el resto y te han mostrado todo lo que tienen, cosa que me jodería bastante, pues no era necesario. Esperemos que sigan sabiendo lo que se hacen, y el próximo 12 de Junio disfrutemos de un buen espectáculo.]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[<p>Espero como agua de mayo esta película. Doy por supuesto que no superará la primera, ni siquiera la segunda, pero que queréis que os diga&#8230; me encanta. Le tengo muchas ganas, y todo lo relacionado con ella me interesa.<br />
El marketing hasta el momento ha sido clavado, milimétrico, (mirad sino los magníficos pósters) así que espero que lo que vayáis a ver no sea lo que espero que no sea: un resumen de la película.<br />
Da la sensación que han echado el resto y te han mostrado todo lo que tienen, cosa que me jodería bastante, pues no era necesario. Esperemos que sigan sabiendo lo que se hacen, y el próximo 12 de Junio disfrutemos de un buen espectáculo.<br />

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		<title>Satanás: Karloff, Lugosi y Poe a la europea</title>
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		<dc:creator><![CDATA[Maxrebo]]></dc:creator>
		<pubDate>Thu, 01 Jul 2010 22:39:26 +0000</pubDate>
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					<description><![CDATA[Si bien la leyenda de la Edad de Oro del Terror de la Universal &#8211; la que abarca la d&#233;cada de los a&#241;os 30, sin olvidar algunas gemas de los a&#241;os 20 y los 40 &#8211; se cimenta en los cuatro mitos cl&#225;sicos del g&#233;nero (Dr&#225;cula, Frankenstein, La Momia y, en el furg&#243;n de cola, El Hombre Lobo), un buen pu&#241;ado de pel&#237;culas menos conocidas pero igual de fascinantes enriquecieron el cat&#225;logo en sobremanera desde la segunda l&#237;nea del frente. Films como The Man who laughs (Paul Leni, 1928), El Hombre Invisible (The Invisible Man, James Whale, 1933) o la perla negra que nos ocupa hoy, Satan&#225;s (The Black Cat, Edgar G. Ulmer, 1934). Esta familia de delicias artesanales est&#225; imbuida de un esp&#237;ritu g&#243;tico-rom&#225;ntico de fuertes ra&#237;ces europeas, debido a la aportaci&#243;n de un notable elenco de actores, directores y operadores de c&#225;mara que emigraron desde el Viejo Continente y dieron con sus huesos en la compa&#241;&#237;a fundada por otro extranjero, el alem&#225;n Carl Laemmle. Adem&#225;s de la sensibilidad aut&#243;ctona de los creadores, el car&#225;cter europeo proven&#237;a del sustrato literario (Mary Shelley, Bram Stoker, Victor Hugo) sobre el que se fundamentaron muchas de las historias. El caso de Satan&#225;s es distinto: aunque la acci&#243;n se desarrolla en alg&#250;n lugar perdido entre Austria y Hungr&#237;a, la materia primordial de la que se nutre la pel&#237;cula no es la literatura decimon&#243;nica europea, sino la estadounidense, ya que se trata de la adaptaci&#243;n de un relato de tintes autobiogr&#225;ficos de Edgar Allan Poe (The Black Cat, 1867). Para ser justos, deber&#237;amos hablar de adaptaci&#243;n libre, o m&#225;s bien lib&#233;rrima: no es una versi&#243;n fiel a la letra del cuento original, una narraci&#243;n extraordinaria sobre el trastorno de la personalidad debido al alcoholismo. Ulmer (Detour,1945) prefiri&#243; reescribir el libreto inspir&#225;ndose en la esencia pura de la obra del genio de Baltimore, absorbiendo el esp&#237;ritu de la misma y confiri&#233;ndolo a la pantalla en esta peque&#241;a y extra&#241;a pieza. &#160; Satan&#225;s supura Poe mucho m&#225;s all&#225; de su fr&#225;gil v&#237;nculo con el t&#237;tulo del relato original y del anecd&#243;tico gato negro que aparece en el film como s&#237;mbolo del mism&#237;simo diablo. De Satan&#225;s emanan los vapores t&#243;xicos de la Casa Usher, transmutada aqu&#237; de caser&#243;n g&#243;tico decadente y ruinoso a flamante mansi&#243;n de dise&#241;o radical a la Bauhaus, obra de su inquilino, el arquitecto Hjalmar Poelzig (Boris Karloff). Una casona que emerge sobre un nebuloso promontorio, recordando poderosamente (como su escalera interior) al castillo del Dracula de Tod Browning (1931). Se percibe all&#237; el h&#225;lito usherino, enfermizo, igual que el erotismo f&#250;nebre de Ligeia o de Morella: la obsesi&#243;n por la amada muerta y los imp&#237;os intentos por eternizarla. Sin duda, una de las materias po&#233;ticas y art&#237;sticas por excelencia: citando a la escritora Pilar Pedraza, para el arte y la cultura no es lo mismo un muerto que una muerta. Los hombres muertos son banales (De Poe a Bu&#241;uel, la amada en la cripta, 2009). Por si el concepto de la casa en la que habita el mal y la corrupci&#243;n y el mito de la amada (y sus desdichadas r&#233;plicas) en la cripta no fueran suficientemente poderosos, Ulmer a&#241;adi&#243; a la trama unas gotas ponzo&#241;osas de ocultismo sectario de principios del siglo XX, encajando una tan innecesaria como sugerente misa negra de resonancias expresionistas y convirtiendo a Poezlig en una suerte de Aleister Crowley h&#250;ngaro, poseedor de los rasgos felinos &#8211; luciferinos &#8211; de un Karloff que pocas veces ray&#243; a mayor altura, interpretando con sutileza a un personaje pavoroso y lascivo, extraordinariamente caracterizado, que deambula entre el aut&#243;mata y el zombie: remotamente vivo su cuerpo, muerta su alma. Y si Karloff deslumbra, B&#233;la Lugosi no le va a la zaga, interpretando al tr&#225;gico Dr. Vitus Werdegast, personaje cargado de pathos: otro muerto en vida, despu&#233;s de ser traicionado por su amigo Poezlig, caer prisionero y perder a su esposa e hija. Lugosi y Karloff, tot&#233;micos, rivales, pugnan en un tour de force que justifica por si s&#243;lo a esta bizarra, fascinante y macabra pel&#237;cula, m&#237;tica por ser la primera colaboraci&#243;n entre estos dos pesos pesados de la historia del cine de terror. Una obra marcada a fuego por el carisma de sus protagonistas, por el dise&#241;o de los decorados de Charles D. Hall y por el personal estilo de su, por entonces, jovenc&#237;simo director (30 a&#241;os) de origen moravio, Edgar G. Ulmer. Entre otros inventos, Ulmer utiliz&#243; m&#250;sica a lo largo de los 65 minutos de metraje, haciendo una selecci&#243;n de cl&#225;sicos del romanticismo temprano y tard&#237;o ( Liszt, Tchaikovsky, Beethoven, Schubert) e incluyendo la celeb&#233;rrima Tocata y Fuga en Re Menor, de Bach, piezas que ven&#237;an a subrayar (de manera algo atosigante, hay que decir) la raigambre europea antes mencionada, de la acci&#243;n en particular y de la productora en general. Satan&#225;s es, en resumen, un h&#237;brido entre la pulsi&#243;n centroeuropea de la Universal y el esp&#237;ritu torturado y alucinado de Edgar Allan Poe. Una simbiosis en la que las retorcidas formas barrocas descritas por el autor norteamericano se camuflan bajo la geometr&#237;a de l&#237;neas rectas de la arquitectura moderna, una amalgama en la que la piedra sepulcral y su cobertura f&#250;ngica presente en los cuentos adquieren el aspecto cl&#237;nico y futurista del hormig&#243;n y el acero. Construcciones y materiales distintos, mas el paralelismo con la Casa Usher alcanza hasta el destino compartido e inexorable: si &#233;sta se derrumba bajo el peso de su decadencia, hundi&#233;ndose en las t&#233;tricas aguas del profundo y cenagoso estanque, la Casa Poezlig salta por los aires, dinamitada a causa de su desviaci&#243;n (estil&#237;stica, ergo moral), propiciando un espect&#225;culo de fuegos artificiales para consuelo y deleite de una pareja de t&#243;rtolos recien casados que, por cierto, no pintaban nada en el entierro.]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[<p>Si bien la leyenda de la Edad de Oro del Terror de la Universal &#8211; la que abarca la d&eacute;cada de los a&ntilde;os 30, sin olvidar algunas gemas de los a&ntilde;os 20 y los 40 &#8211; se cimenta en los cuatro mitos cl&aacute;sicos del g&eacute;nero (<strong>Dr&aacute;cula</strong>, <strong>Frankenstein</strong>, <strong>La Momia</strong> y, en el furg&oacute;n de cola, <strong>El Hombre Lobo</strong>), un buen pu&ntilde;ado de pel&iacute;culas menos conocidas pero igual de fascinantes enriquecieron el cat&aacute;logo en sobremanera desde la segunda l&iacute;nea del frente. Films como <strong>The Man who laughs</strong> (<strong>Paul Leni</strong>, 1928), <strong>El Hombre Invisible </strong>(<strong>The Invisible Man</strong>, <strong>James Whale</strong>, 1933) o la perla <em>negra </em>que nos ocupa hoy, <strong>Satan&aacute;s</strong> (<strong>The Black Cat</strong>, <strong>Edgar G. Ulmer</strong>, 1934). Esta familia de delicias artesanales est&aacute; imbuida de un esp&iacute;ritu g&oacute;tico-rom&aacute;ntico de fuertes ra&iacute;ces europeas, debido a la aportaci&oacute;n de un notable elenco de actores, directores y operadores de c&aacute;mara que emigraron desde el Viejo Continente y dieron con sus huesos en la compa&ntilde;&iacute;a fundada por otro extranjero, el alem&aacute;n <strong>Carl Laemmle</strong>.</p>
<p>Adem&aacute;s de la sensibilidad aut&oacute;ctona de los creadores, el car&aacute;cter europeo proven&iacute;a del sustrato literario (<strong>Mary Shelley</strong>, <strong>Bram Stoker</strong>, <strong>Victor Hugo</strong>) sobre el que se fundamentaron muchas de las historias. El caso de <strong>Satan&aacute;s</strong> es distinto: aunque la acci&oacute;n se desarrolla en alg&uacute;n lugar perdido entre Austria y Hungr&iacute;a, la materia primordial de la que se nutre la pel&iacute;cula no es la literatura decimon&oacute;nica europea, sino la estadounidense, ya que se trata de la adaptaci&oacute;n de un relato de tintes autobiogr&aacute;ficos de <strong>Edgar Allan Poe</strong> (<strong>The Black Cat</strong>, 1867). Para ser justos, deber&iacute;amos hablar de adaptaci&oacute;n libre, o m&aacute;s bien lib&eacute;rrima: no es una versi&oacute;n fiel a la letra del cuento original, una <em>narraci&oacute;n extraordinaria</em> sobre el trastorno de la personalidad debido al alcoholismo. <strong>Ulmer</strong> (<strong>Detour</strong>,1945) prefiri&oacute; reescribir el libreto inspir&aacute;ndose en la esencia pura de la obra del genio de Baltimore, absorbiendo el esp&iacute;ritu de la misma y confiri&eacute;ndolo a la pantalla en esta peque&ntilde;a y extra&ntilde;a pieza.<br /><span id="more-435"></span></p>
<p>&nbsp;</p>
<p><strong>Satan&aacute;s</strong> supura <strong>Poe</strong> mucho m&aacute;s all&aacute; de su fr&aacute;gil v&iacute;nculo con el t&iacute;tulo del relato original y del anecd&oacute;tico gato negro que aparece en el film como s&iacute;mbolo del mism&iacute;simo diablo. De <strong>Satan&aacute;s </strong>emanan los vapores t&oacute;xicos de la Casa Usher, transmutada aqu&iacute; de caser&oacute;n g&oacute;tico decadente y ruinoso a flamante mansi&oacute;n de dise&ntilde;o radical a la Bauhaus, obra de su inquilino, el arquitecto <strong>Hjalmar Poelzig </strong>(<strong>Boris Karloff</strong>). Una casona que emerge sobre un nebuloso promontorio, recordando poderosamente (como su escalera interior) al castillo del <strong>Dracula</strong> de <strong>Tod Browning</strong> (1931). Se percibe all&iacute; el h&aacute;lito <em>usherino</em>, enfermizo, igual que el erotismo f&uacute;nebre de <em>Ligeia</em> o de <em>Morella</em>: la obsesi&oacute;n por la amada muerta y los imp&iacute;os intentos por eternizarla. Sin duda, una de las materias po&eacute;ticas y art&iacute;sticas por excelencia: citando a la escritora <strong>Pilar Pedraza</strong>, <em>para el arte y la cultura no es lo mismo un muerto que una muerta. Los hombres muertos son banales </em>(<em>De Poe a Bu&ntilde;uel, la amada en la cripta</em>, 2009).</p>
<p>Por si el concepto de la casa en la que habita el mal y la corrupci&oacute;n y el mito de la amada (y sus desdichadas r&eacute;plicas) en la cripta no fueran suficientemente poderosos, <strong>Ulmer</strong> a&ntilde;adi&oacute; a la trama unas gotas ponzo&ntilde;osas de ocultismo sectario de principios del siglo XX, encajando una tan innecesaria como sugerente misa negra de resonancias expresionistas y convirtiendo a <strong>Poezlig</strong> en una suerte de <strong>Aleister Crowley</strong> h&uacute;ngaro, poseedor de los rasgos felinos &#8211; luciferinos &#8211; de un <strong>Karloff</strong> que pocas veces ray&oacute; a mayor altura, interpretando con sutileza a un personaje pavoroso y lascivo, extraordinariamente caracterizado, que deambula entre el aut&oacute;mata y el <em>zombie</em>: remotamente vivo su cuerpo, muerta su alma. Y si<strong> Karloff </strong>deslumbra, <strong>B&eacute;la Lugosi</strong> no le va a la zaga, interpretando al tr&aacute;gico <strong>Dr. Vitus Werdegast</strong>, personaje cargado de <em>pathos</em>: otro muerto en vida, despu&eacute;s de ser traicionado por su amigo <strong>Poezlig</strong>, caer prisionero y perder a su esposa e hija.</p>
<p><strong>Lugosi</strong> y <strong>Karloff</strong>, tot&eacute;micos, rivales, pugnan en un <em>tour de force</em> que justifica por si s&oacute;lo a esta bizarra, fascinante y macabra pel&iacute;cula, m&iacute;tica por ser la primera colaboraci&oacute;n entre estos dos pesos pesados de la historia del cine de terror. Una obra marcada a fuego por el carisma de sus protagonistas, por el dise&ntilde;o de los decorados de <strong>Charles D. Hall </strong>y por el personal estilo de su, por entonces, jovenc&iacute;simo director (30 a&ntilde;os) de origen moravio, <strong>Edgar G. Ulmer</strong>. Entre otros inventos, <strong>Ulmer</strong> utiliz&oacute; m&uacute;sica a lo largo de los 65 minutos de metraje, haciendo una selecci&oacute;n de cl&aacute;sicos del romanticismo temprano y tard&iacute;o ( <strong>Liszt</strong>, <strong>Tchaikovsky</strong>,<strong> Beethoven</strong>, <strong>Schubert</strong>) e incluyendo la celeb&eacute;rrima <em>Tocata y Fuga en Re Menor</em>, de<strong> Bach</strong>, piezas que ven&iacute;an a subrayar (de manera algo atosigante, hay que decir) la raigambre europea antes mencionada, de la acci&oacute;n en particular y de la productora en general. </p>
<p><strong>Satan&aacute;s </strong>es, en resumen, un h&iacute;brido entre la pulsi&oacute;n centroeuropea de la Universal y el esp&iacute;ritu torturado y alucinado de <strong>Edgar Allan Poe</strong>. Una simbiosis en la que las retorcidas formas barrocas descritas por el autor norteamericano se camuflan bajo la geometr&iacute;a de l&iacute;neas rectas de la arquitectura moderna, una amalgama en la que la piedra sepulcral y su cobertura f&uacute;ngica presente en los cuentos adquieren el aspecto cl&iacute;nico y futurista del hormig&oacute;n y el acero. Construcciones y materiales distintos, mas el paralelismo con la Casa Usher alcanza hasta el destino compartido e inexorable: si &eacute;sta se derrumba bajo el peso de su decadencia, hundi&eacute;ndose en las t&eacute;tricas aguas del profundo y cenagoso estanque, la Casa Poezlig salta por los aires, dinamitada a causa de su desviaci&oacute;n (estil&iacute;stica, ergo moral), propiciando un espect&aacute;culo de fuegos artificiales para consuelo y deleite de una pareja de t&oacute;rtolos recien casados que, por cierto, no pintaban nada en el entierro.</p>
<p></p>
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		<title>El Hombre Lobo: Retorno al pasado</title>
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		<dc:creator><![CDATA[Maxrebo]]></dc:creator>
		<pubDate>Wed, 10 Feb 2010 00:44:08 +0000</pubDate>
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					<description><![CDATA[He de confesar que el hombre lobo es, del wild bunch que conforman&#160; los mitos del terror cl&#225;sico, el que menos me gusta. El erotismo del vampiro, los escarceos her&#233;ticos y el malditismo del Dr.Frankenstein y su criatura o el exotismo rom&#225;ntico de la momia me seducen mucho m&#225;s que las las peripecias tr&#225;gicas de esos seres malditos que se transforman bajo la influencia de la luna llena. Tal vez mi falta de admiraci&#243;n devota tenga su origen en las mismas ra&#237;ces del clasicismo terror&#237;fico cinematogr&#225;fico, en las primeras versiones de la Universal: Lon Chaney Jr., int&#233;rprete de Larry Talbot, el lic&#225;ntropo cl&#225;sico por antonomasia (aunque no el primero) desde The Wolf Man (George Waggner, 1941), siempre me pareci&#243; un panoli. Un actor muy alejado del carisma de su padre, Lon Chaney Sr. y de sus compa&#241;eros de fatigas Bela Lugosi y Boris Karloff. Tampoco me apasion&#243; Oliver Reed en la inevitable relectura brit&#225;nica de 1961, The curse of the werewolf, dirigida por el maestro Terence Fisher. Ni siquiera las aportaciones m&#225;s contempor&#225;neas realizadas por Neil Jordan, Joe Dante o Mike Nichols lograron despertar mi inter&#233;s, pese a tratarse de pel&#237;culas recomendables a priori.&#160; Acaso la excepci&#243;n sea nuestra bestia aut&#243;ctona, Waldemar Daninsky, la criatura moldeada por el querido Paul Naschy, recientemente fallecido. &#201;l fue el m&#225;s humano de los lobos, su monstruo y sus pel&#237;culas las m&#225;s entra&#241;ables para m&#237;, elev&#225;ndose por encima de sus limitaciones gracias al inconmensurable amor de su autor por el g&#233;nero. Amor a los grandes maestros de la literatura fant&#225;stica, a sus personajes y a las versiones f&#237;lmicas de la Hammer y la Universal. No s&#233; si en nombre de ese mismo amor, pero precisamente ahora la Universal recupera al mito lobuno del ba&#250;l de los recuerdos, en El hombre lobo (The Wolfman,2010), producida e interpretada por Benicio del Toro. Y lo hace apelando al estilo clasicista y al esp&#237;ritu de la serie B, mediante un homenaje en toda regla a aquellas joyas que la casa factur&#243; all&#225; por los a&#241;os 30 y 40. Un gui&#241;o may&#250;sculo que comienza con la propia elecci&#243;n del protagonista: la en&#233;sima reencarnaci&#243;n de Lawrence Talbot en el cuerpo de del Toro es una decisi&#243;n inmejorable, no s&#243;lo por tratarse &#233;ste de un aut&#233;ntico animal de escena, una presencia turbadora y amenazante pero capaz de transmitir nobleza y sensibilidad, sino porque su mismo rostro abotargado recuerda poderosamente al del desdichado Chaney Junior. Pero este razonable (y en el fondo anecd&#243;tico) parecido no es lo &#250;nico que retrotrae a las peque&#241;as perlas de la Edad de Oro del terror norteamericano: la fotograf&#237;a de Shelly Johnson mitiga cualquier atisbo de saturaci&#243;n crom&#225;tica (a excepci&#243;n del v&#237;vido rojo sangre ) para recrear la atm&#243;sfera del blanco y negro heredada del expresionsimo alem&#225;n que se estilaba en aquella &#233;poca. Tampoco faltan en la ambientaci&#243;n elementos t&#237;picos de la productora, como el poblado gitano, la aldea poblada de supersticiosos lugare&#241;os que ahogan sus penas en la posada, la usheriana mansi&#243;n familiar, dotada de una escalera que hubiera hecho las delicias de Tod Browning, los brumosos bosques o las chusmas iluminadas y pose&#237;das por el af&#225;n de linchamiento. Y en &#250;ltima instancia, la criatura en cuesti&#243;n, que es puro dise&#241;o retro. Este retorno formal al pasado hace que, de entrada, el p&#250;blico nost&#225;lgico se llene las alforjas de arrobas de simpat&#237;a. En m&#225;s de un caso, me temo, las bienintencionadas provisiones no alcanzar&#225;n hasta el final del viaje, por no decir que quedar&#225;n emponzo&#241;adas a los pocos kil&#243;metros de camino. As&#237;, el mismo pr&#243;logo de la pel&#237;cula ya nos avisa de que estamos ante una obra amablemente evocadora, pero que va a desgarrarnos el coraz&#243;n con m&#225;s de un zarpazo de zafiedad. Zafia es la primera aparici&#243;n del monstruo nada m&#225;s comenzar. Zafias son buena parte de sus intervenciones posteriores. Zafio es el gui&#243;n (basado en el libreto de la pel&#237;cula original, de Curt Siodmak) que apenas justifica estas intervenciones, ora comprensibles, ora gratuitas. Un gui&#243;n que tampoco explica demasiado bien la historia de amor, de calado indispensable para emocionarnos con la pertinente redenci&#243;n del infortunado protagonista, ni ofrece una radiograf&#237;a satisfactoria del complejo personaje del padre (Anthony Hopkins), ni supera los m&#237;nimos deseables a la hora de dar cancha y arrojar luz sobre personajes secudarios potencialmente atractivos, como el criado hind&#250; (Art Malik) o el pintoresco inspector de Scotland Yard (jugosa interpretaci&#243;n de Hugo Weaving, de lo mejor de la pel&#237;cula). Y lo que es peor, zafiedad (incapacidad, nulidad ser&#237;a m&#225;s apropiado) a la hora de profundizar en el jugoso tema que la licantrop&#237;a pone encima de la mesa: la emersi&#243;n de la bestia que todo ser humano lleva dentro. Pero seguramente entre los modestos prop&#243;sitos del homenaje no estaba ahondar en estas sutilezas&#8230; El principal responsable de la falta de destreza en los momentos culminantes de la puesta en escena es Joe Johnston, un director de filmograf&#237;a poco prol&#237;fica, siempre enfocada al fant&#225;stico, desde Cari&#241;o, he encogido a los ni&#241;os (Honey, I Shrunk the Kids ,1989), a Rocketeer (1991) o Jurassic Park III (2001). Visto lo visto, poco se puede esperar de este hombre que vivi&#243; su momento de gloria interpretando a un Trooper de la Estrella de la Muerte y participando en los departamentos de efectos visuales de La Guerra de las Galaxias (Star Wars, George Lucas,1977), en la serie Galactica (Battlestar Galactica, 1978) y en En busca del arca perdida (Raiders of the Lost Ark, Steven Spielberg, 1981). Quiz&#225;s su experiencia en el &#225;mbito de los Fx, junto al buen hacer del m&#237;tico Rick Baker, haya contribuido al acierto de los trucajes de la pel&#237;cula. Si bien las carreras a cuatro patas son poco convincentes, el aroma cl&#225;sico de la criatura peluda funciona a la perfecci&#243;n y las transformaciones (la primera filmada con acierto, esta vez s&#237;) rayan a gran altura, aunque despu&#233;s de lo visto hace 30 a&#241;os en Un hombre lobo americano en Londres (An American Werewolf in London, John Landis,1981) poco hab&#237;a que a&#241;adir. Para ser justos, Johnston s&#237; nos regala un episodio inspirado en medio de la mediocridad general: la breve secuencia del manicomio (la tortura, la imaginativa pesadilla) y las posteriores correr&#237;as por el Londres victoriano, escenas que entroncan m&#225;s con el esp&#237;ritu de la serie B, aportando una mayor dosis de pulp y de humor, supondremos que voluntario. Estas breves notas de humor permiten un cierto y necesario distanciamiento del relato, puesto que esa distancia condescendiente que existe al revisitar el cl&#225;sico no est&#225; presente al visualizar a su gemela contempor&#225;nea. La misma funci&#243;n relativizadora tienen las no tan breves notas de gore que salpican el film, pura diversi&#243;n para los t&#233;cnicos y artistas de efectos especiales, los responsables del catering de v&#237;sceras y, venga, dig&#225;moslo ya, para los espectadores. Es cierto que no hab&#237;a casquer&#237;a en nuestros cl&#225;sicos favoritos, pero aqu&#237;, dada la poca sustancia a la hora de crear terror, la poca elegancia para sugerir, en lugar de mostrar y la poca seriedad para construir una obra dram&#225;tica m&#225;s s&#243;lida, no vienen mal un desmelene a base de unos cuantos litros de sangre y unos cuantos miembros desmembrados por la pantalla. Estas fulgurantes explosiones sangrientas entroncan m&#225;s con la tradici&#243;n hemoglob&#237;nica del cine de terror de los 80, que no en vano constituy&#243; una d&#233;cada de parcial resurrecci&#243;n del mito de los hijos de Lycaon. En cualquier caso, esta El Hombre Lobo no es ni una reescritura del mito ni una verdadera actualizaci&#243;n: es pura nostalgia y revisitaci&#243;n del pasado. Ir&#243;nicamente, en la misma pel&#237;cula, Sir Anthony Hopkins, el patriarca de los Talbot, aconseja a su v&#225;stago que &#8216;nunca mires atr&#225;s, el pasado es un desierto de horrores&#8216;. Desde luego, el pasado de la Universal lo fue: un desierto de horror atmosf&#233;rico, po&#233;tico, construido por un formidable y legendario elenco de actores, directores y t&#233;cnicos, que dejaron una huella imborrable en nuestra memoria. El presente es otro desierto, un poco m&#225;s fr&#237;o. Un poco m&#225;s vac&#237;o. Dedicado a Paul Naschy.]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[<p>He de confesar que el hombre lobo es, del <em>wild bunch</em> que conforman&nbsp; los mitos del terror cl&aacute;sico, el que menos me gusta. El erotismo del vampiro, los escarceos her&eacute;ticos y el malditismo del <strong>Dr.Frankenstein</strong> y su criatura o el exotismo rom&aacute;ntico de la momia me seducen mucho m&aacute;s que las las peripecias tr&aacute;gicas de esos seres malditos que se transforman bajo la influencia de la luna llena. Tal vez mi falta de admiraci&oacute;n devota tenga su origen en las mismas ra&iacute;ces del clasicismo terror&iacute;fico cinematogr&aacute;fico, en las primeras versiones de la Universal: <strong>Lon Chaney Jr.</strong>, int&eacute;rprete de <strong>Larry Talbot</strong>, el lic&aacute;ntropo cl&aacute;sico por antonomasia (aunque no el primero) desde <strong>The Wolf Man </strong>(<strong>George Waggner</strong>, 1941), siempre me pareci&oacute; un panoli. Un actor muy alejado del carisma de su padre, <strong>Lon Chaney Sr.</strong> y de sus compa&ntilde;eros de fatigas <strong>Bela Lugosi </strong>y <strong>Boris Karloff</strong>. Tampoco me apasion&oacute; <strong>Oliver Reed</strong> en la inevitable relectura brit&aacute;nica de 1961, <strong>The curse of the werewolf</strong>, dirigida por el maestro <strong>Terence Fisher</strong>. Ni siquiera las aportaciones m&aacute;s contempor&aacute;neas realizadas por <strong>Neil Jordan</strong>, <strong>Joe Dante</strong> o <strong>Mike Nichols </strong>lograron despertar mi inter&eacute;s, pese a tratarse de pel&iacute;culas recomendables a priori.&nbsp; Acaso la excepci&oacute;n sea nuestra <em>bestia</em> aut&oacute;ctona, <strong>Waldemar Daninsky</strong>, la criatura moldeada por el querido <strong>Paul Naschy</strong>, recientemente fallecido. &Eacute;l fue el m&aacute;s humano de los lobos, su <em>monstruo</em> y sus pel&iacute;culas las m&aacute;s entra&ntilde;ables para m&iacute;, elev&aacute;ndose por encima de sus limitaciones gracias al inconmensurable amor de su autor por el g&eacute;nero. Amor a los grandes maestros de la literatura fant&aacute;stica, a sus personajes y a las versiones f&iacute;lmicas de la Hammer y la Universal.</p>
<p>No s&eacute; si en nombre de ese mismo amor, pero precisamente ahora la Universal recupera al mito lobuno del ba&uacute;l de los recuerdos, en <strong>El hombre lobo </strong>(<strong>The Wolfman</strong>,2010), producida e interpretada por <strong>Benicio del Toro</strong>. Y lo hace apelando al estilo clasicista y al esp&iacute;ritu de la serie B, mediante un homenaje en toda regla a aquellas joyas que la casa factur&oacute; all&aacute; por los a&ntilde;os 30 y 40. Un gui&ntilde;o may&uacute;sculo que comienza con la propia elecci&oacute;n del protagonista: la en&eacute;sima reencarnaci&oacute;n de <strong>Lawrence Talbot</strong> en el cuerpo de <strong>del Toro </strong>es una decisi&oacute;n inmejorable, no s&oacute;lo por tratarse &eacute;ste de un aut&eacute;ntico<em> animal</em> de escena, una presencia turbadora y amenazante pero capaz de transmitir nobleza y sensibilidad, sino porque su mismo rostro abotargado recuerda poderosamente al del desdichado <strong>Chaney Junior</strong>. Pero este razonable (y en el fondo anecd&oacute;tico) parecido no es lo &uacute;nico que retrotrae a las peque&ntilde;as perlas de la Edad de Oro del terror norteamericano: la fotograf&iacute;a de <strong>Shelly Johnson </strong>mitiga cualquier atisbo de saturaci&oacute;n crom&aacute;tica (a excepci&oacute;n del v&iacute;vido rojo sangre ) para recrear la atm&oacute;sfera del blanco y negro heredada del expresionsimo alem&aacute;n que se estilaba en aquella &eacute;poca. Tampoco faltan en la ambientaci&oacute;n elementos t&iacute;picos de la productora, como el poblado gitano, la aldea poblada de supersticiosos lugare&ntilde;os que ahogan sus penas en la posada, la <em>usheriana</em> mansi&oacute;n familiar, dotada de una escalera que hubiera hecho las delicias de <strong>Tod Browning</strong>, los brumosos bosques o las chusmas<em> iluminadas</em> y pose&iacute;das por el af&aacute;n de linchamiento. Y en &uacute;ltima instancia, la <em>criatura</em> en cuesti&oacute;n, que es puro dise&ntilde;o retro.</p>
<p><span id="more-272"></span></p>
<p>Este retorno formal al pasado hace que, de entrada, el p&uacute;blico nost&aacute;lgico se llene las alforjas de arrobas de simpat&iacute;a. En m&aacute;s de un caso, me temo, las bienintencionadas provisiones no alcanzar&aacute;n hasta el final del viaje, por no decir que quedar&aacute;n emponzo&ntilde;adas a los pocos kil&oacute;metros de camino. As&iacute;, el mismo pr&oacute;logo de la pel&iacute;cula ya nos avisa de que estamos ante una obra amablemente evocadora, pero que va a desgarrarnos el coraz&oacute;n con m&aacute;s de un zarpazo de zafiedad. Zafia es la primera aparici&oacute;n del monstruo nada m&aacute;s comenzar. Zafias son buena parte de sus intervenciones posteriores. Zafio es el gui&oacute;n (basado en el libreto de la pel&iacute;cula original, de <strong>Curt Siodmak</strong>) que apenas justifica estas intervenciones, ora comprensibles, ora gratuitas. Un gui&oacute;n que tampoco explica demasiado bien la historia de amor, de calado indispensable para emocionarnos con la pertinente redenci&oacute;n del infortunado protagonista, ni ofrece una radiograf&iacute;a satisfactoria del complejo personaje del padre (<strong>Anthony Hopkins</strong>), ni supera los m&iacute;nimos deseables a la hora de dar cancha y arrojar luz sobre personajes secudarios potencialmente atractivos, como el criado hind&uacute; (<strong>Art Malik</strong>) o el pintoresco inspector de Scotland Yard (jugosa interpretaci&oacute;n de <strong>Hugo Weaving</strong>, de lo mejor de la pel&iacute;cula). Y lo que es peor, zafiedad (incapacidad, nulidad ser&iacute;a m&aacute;s apropiado) a la hora de profundizar en el jugoso tema que la licantrop&iacute;a pone encima de la mesa: la emersi&oacute;n de la bestia que todo ser humano lleva dentro. Pero seguramente entre los modestos prop&oacute;sitos del homenaje no estaba ahondar en estas sutilezas&#8230;</p>
<p>El principal responsable de la falta de destreza en los momentos culminantes de la puesta en escena es <strong>Joe Johnston</strong>, un director de filmograf&iacute;a poco prol&iacute;fica, siempre enfocada al fant&aacute;stico, desde <strong>Cari&ntilde;o, he encogido a los ni&ntilde;os </strong>(<strong>Honey, I Shrunk the Kids</strong> ,1989), a <strong>Rocketeer </strong>(1991) o <strong>Jurassic Park III </strong>(2001). Visto lo visto, poco se puede esperar de este hombre que vivi&oacute; su momento de gloria interpretando a un <em>Trooper</em> de la Estrella de la Muerte y participando en los departamentos de efectos visuales de<strong> La Guerra de las Galaxias</strong> (<strong>Star Wars</strong>, <strong>George Lucas</strong>,1977), en la serie <strong>Galactica</strong> (<strong>Battlestar Galactica</strong>, 1978) y en <strong>En busca del arca perdida</strong> (<strong>Raiders of the Lost Ark</strong>, <strong>Steven Spielberg</strong>, 1981). Quiz&aacute;s su experiencia en el &aacute;mbito de los Fx, junto al buen hacer del m&iacute;tico <strong>Rick Baker</strong>, haya contribuido al acierto de los trucajes de la pel&iacute;cula. Si bien las carreras a cuatro patas son poco convincentes, el aroma cl&aacute;sico de la criatura peluda funciona a la perfecci&oacute;n y las transformaciones (la primera filmada con acierto, esta vez s&iacute;) rayan a gran altura, aunque despu&eacute;s de lo visto hace 30 a&ntilde;os en <strong>Un hombre lobo americano en Londres </strong>(<strong>An American Werewolf in London</strong>, <strong>John Landis</strong>,1981) poco hab&iacute;a que a&ntilde;adir. Para ser justos, <strong>Johnston</strong> s&iacute; nos regala un episodio inspirado en medio de la mediocridad general: la breve secuencia del manicomio (la tortura, la imaginativa pesadilla) y las posteriores correr&iacute;as por el Londres victoriano, escenas que entroncan m&aacute;s con el esp&iacute;ritu de la serie B, aportando una mayor dosis de <em>pulp</em> y de humor, supondremos que voluntario.</p>
<p>Estas breves notas de humor permiten un cierto y necesario distanciamiento del relato, puesto que esa distancia condescendiente que existe al revisitar el cl&aacute;sico no est&aacute; presente al visualizar a su gemela contempor&aacute;nea. La misma funci&oacute;n relativizadora tienen las no tan breves notas de <em>gore</em> que salpican el film, pura diversi&oacute;n para los t&eacute;cnicos y artistas de efectos especiales, los responsables del catering de v&iacute;sceras y, venga, dig&aacute;moslo ya, para los espectadores. Es cierto que no hab&iacute;a casquer&iacute;a en nuestros cl&aacute;sicos favoritos, pero aqu&iacute;, dada la poca sustancia a la hora de crear terror, la poca elegancia para sugerir, en lugar de mostrar y la poca seriedad para construir una obra dram&aacute;tica m&aacute;s s&oacute;lida, no vienen mal un desmelene a base de unos cuantos litros de sangre y unos cuantos miembros desmembrados por la pantalla. Estas fulgurantes explosiones sangrientas entroncan m&aacute;s con la tradici&oacute;n hemoglob&iacute;nica del cine de terror de los 80, que no en vano constituy&oacute; una d&eacute;cada de parcial resurrecci&oacute;n del mito de los hijos de <strong>Lycaon</strong>. En cualquier caso, esta <strong>El Hombre Lobo</strong> no es ni una reescritura del mito ni una verdadera actualizaci&oacute;n: es pura nostalgia y revisitaci&oacute;n del pasado. Ir&oacute;nicamente, en la misma pel&iacute;cula, <strong>Sir Anthony Hopkins</strong>, el patriarca de los<strong> Talbot</strong>, aconseja a su v&aacute;stago que &#8216;<em>nunca mires atr&aacute;s, el pasado es un desierto de horrores</em>&#8216;. Desde luego, el pasado de la Universal lo fue: un desierto de horror atmosf&eacute;rico, po&eacute;tico, construido por un formidable y legendario elenco de actores, directores y t&eacute;cnicos, que dejaron una huella imborrable en nuestra memoria. El presente es otro desierto, un poco m&aacute;s fr&iacute;o. Un poco m&aacute;s vac&iacute;o. </p>
<p><em>Dedicado a Paul Naschy.</em></p>
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