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	<description>Cine, Series, Frikadas</description>
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	<title>captain &#8211; EspecialistaMike.com</title>
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		<title>AD ASTRA PER ASPERA</title>
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		<pubDate>Mon, 07 Oct 2019 06:30:50 +0000</pubDate>
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					<description><![CDATA[Existe una mirada interna, una conversación sin réplica con nosotros mismos cada día que nos levantamos y nos colocamos el traje para salir al mundo exterior. Es una mirada de afuera hacia adentro, es esa voz en off, ese self-talk sin contestación aparente como sondas lanzadas al espacio esperando encontrar una respuesta. Ad Astra es un viaje homérico plagado de infortunios pero sin ninfas tentadoras. Si la Ilíada fue el blockbuster de acción de la época (Star Wars, Matrix) en esta ocasión el viaje de nuestro héroe (un inconmensurable Brad Pitt) es la Odisea, mucho más madura, combinando lo exterior con lo interior, combinando la prosa de la acción con la poética del pensamiento. Nuestro Odiseo no está secuestrado en la isla Ogigia entre los brazos de la enamorada Calipso, pero aquí su único amor le dejará las llaves antes de salir por la puerta. Es una escena nada más empezar donde ya quedan claras dos cosas: una el tipo de película que vamos a ver y la soledad del héroe como elemento icónico de todo gran viaje. Es la soledad del héroe que ya se nos presenta hablándonos en primera persona a lo largo de toda su odisea. Pero como todo héroe necesitará de aliados para que la trama se vaya resolviendo. Es aquí donde la película del director de La Noche es Nuestra (2007) o Two Lovers (2008), James Gray muestra sus flaquezas&#8230;¿Podrían los actores secundarios ser eliminados del motnaje final y la historia cambiaría?&#8230;¿Podríamos eliminar todas las secuencias de acción?&#8230;¡Podríamos!. Sería el Solaris (2002) de Steven Soderbergh, solo que la constelación familiar en este caso era la esposa. Roy McBride es Brad Pitt, un ingeniero que perdió a su padre en una misión sin retorno a Neptuno. El padre, al que nunca llegó a conocer, es Tomy Lee Jones, un ilustre del Hollywood clásico moderno, pero que a mí no me funciona ni como padre, ni como explorador de las estrellas. Su físico tan de mestizaje de la América india, y su rol histórico de hombre rudo al servicio de la ley no me dejan verlo en absoluto como un astronauta pionero en la búsqueda de inteligencia extraterrestre. Independientemente de mis visiones, el supuesto punto álgido de nuestro Omero al final de la película, en ese viaje a El Corazón de las Tinieblas que muchos han visto, es cuando tras superar todas los infortunios, el hijo por fin conocerá a su padre. Insulsa puesta en escena, decepcionante diálogo, (Marlon Brando improvisaba mejor su speech final en Apocalypse Now) y nula química entre Brad Pitt y Tomy Lee Jones. Pero por suerte el planteamiento de James Gray (escribió el guión que filma) es el resultado final, del conjunto gracias al matrimonio: guión literario dice ¡Sí quiero! a guión técnico. Este combo perfecto es lo que permite que pese a todo lo descrito, en el momento que el padre decide desprenderse del todo de su hijo, funcione perfectamente la alegoría. El simbolismo de la ruptura a modo de cordón umbilical de todo lo que unía a un padre perdido con su hijo ansioso por encontrarlo, se resuelve en esa secuencia en el exterior de la nave. El hijo por fin se libera cual el héroe griego de los Dioses. Tras superar su áspero destino, tras superar todas la pruebas puede ahora ser libre, libre para decidir&#8230;y decide vivir. Gravity (2013) es el referente visual más reciente que en muchos momentos me venía a la memoria. La secuencia inicial con las descargas cósmicas que destruyen esa especie de antena gigante orbital y la ya comentada secuencia final. Pero como diría aquel, la sombra del monolito es alargada, 2001:A Space Odyssey (1968): el ritmo, la iluminación en el interior de la nave (ese rojo Hal 9000), o el diseño de producción que nos sitúa en un futuro retro pero incierto, muy de las películas de los 70 (Rollerball, Fahrenheit 451, WestWorld). Pero si hay una película reciente que explora las galaxias del pensamiento utilizando de lanzadera la relación truncada padre e hija es esa maravilla disfrazada de biopic de Neil Armstrong en su lucha personal por alcanzar la Luna. Metáfora perfecta del pensamiento estoico per aspera ad astra. First Man (tenéis mi review http://www.especialistamike.com/first-man-odisea-interpersonal/ ). Admito que soy un enamorado del sonido electrónico, de esa música ambiental de ceros y unos de Cliff Martínez ( Solaris, Drive), Julian Winding y su electro de diseño (The Neon Demon) y Hans Zimmer que con Black Hawk Down demuestra que no solo sabe de sonidos elctrónicos que tan bien representan el espacio como hizo con Interestellar. Una partitura que podría recordarnos a Ad Astra pero que tienen una génesis muy diferente. Y es que Max Richter, un joven compositor de origen alemán pero criado en Reino Unido de formación clásica «pura y dura» compone una serie de pasajes para poner color a las emociones y pensamientos del Omero. Pero es la colaboración con Nils Frahm, otro compositor alemán que combina electrónica con música clásica la que me hizo volar más allá de las estrellas. Aquí os dejo un mágico in crescendo de su álbum Spaces https://youtu.be/dIwwjy4slI8 Ad Astra es un gran viaje para emprender y para aprender. Conozco muchos cinéfilos padres, o debería decir, padres cinéfilos, porque una vez pasas ese umbral ya no hay retorno, que les ha volado la cabeza esta película. . Yo no puedo hablar mucho sobre este tipo de amor, pero sí reconozco el valor de todos esos estoicos y estoicas que no sucumben y demuestran siempre determinación en lo que hacen y en lo que dicen. Creo que era Alejandro Jodorowsky quien dijo: el amor siempre toma rehenes.]]></description>
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<p class="wp-block-paragraph">Existe una mirada interna, una conversación sin réplica con nosotros mismos cada día que nos levantamos y nos colocamos el traje para salir al mundo exterior. Es una mirada de afuera hacia adentro, es esa <em>voz en off</em>, ese <em>self-talk</em> sin contestación aparente como sondas lanzadas al espacio esperando encontrar una respuesta.</p>


<p class="wp-block-paragraph"><strong><em>Ad Astra</em></strong> es un viaje homérico plagado de infortunios pero sin ninfas tentadoras. Si la <em><strong>Ilíada</strong></em> fue el blockbuster de acción de la época (Star Wars, Matrix) en esta ocasión el viaje de nuestro héroe (un inconmensurable <strong>Brad Pitt</strong>) es la <strong><em>Odisea</em></strong>, mucho más madura, combinando lo exterior con lo interior, combinando la prosa de la acción con la poética del pensamiento. Nuestro Odiseo no está secuestrado en la isla Ogigia entre los brazos de la enamorada Calipso, pero aquí su único amor le dejará las llaves antes de salir por la puerta. Es una escena nada más empezar  donde ya quedan claras dos cosas: una el tipo de película que vamos a ver y la soledad del héroe como elemento icónico de todo gran viaje. Es la soledad del héroe que ya se nos presenta hablándonos en primera persona a lo largo de toda su odisea. Pero como todo héroe necesitará de aliados para que la trama se vaya resolviendo. Es aquí donde la película del director de <strong><em>La Noche es Nuestra</em></strong> (2007) o <strong><em>Two Lovers</em></strong> (2008), <strong>James Gray</strong> muestra sus flaquezas&#8230;¿Podrían los actores secundarios ser eliminados del motnaje final y la historia cambiaría?&#8230;¿Podríamos eliminar todas las secuencias de acción?&#8230;¡Podríamos!. Sería el <strong><em>Solaris</em></strong> (2002) de <strong>Steven Soderbergh</strong>, solo que la constelación familiar en este caso era la esposa.</p>


<p class="wp-block-paragraph"><em>Roy McBride</em> es <strong>Brad Pitt</strong>, un ingeniero que perdió a su padre en una misión sin retorno a Neptuno. El padre, al que nunca llegó a conocer, es <strong>Tomy Lee Jones</strong>, un ilustre del <em>Hollywood</em> clásico moderno, pero que a mí no me funciona ni como padre, ni como explorador de las estrellas. Su físico tan de mestizaje de la América india, y su rol histórico de hombre rudo al servicio de la ley no me dejan verlo en absoluto como un astronauta pionero en la búsqueda de inteligencia extraterrestre. Independientemente de mis visiones, el supuesto punto álgido de nuestro Omero al final de la película, en ese viaje a <em>El Corazón de las Tinieblas</em> que muchos han visto, es cuando tras superar todas los infortunios, el hijo por fin conocerá a su padre. Insulsa puesta en escena, decepcionante diálogo, (<strong>Marlon Brando </strong>improvisaba mejor su <em>speech</em> final en <strong><em>Apocalypse Now)</em></strong> y nula química entre <strong>Brad Pitt</strong> y <strong>Tomy Lee Jones</strong>. </p>


<p class="wp-block-paragraph">Pero por suerte el planteamiento de <strong>James Gray</strong> (escribió el guión que filma) es el resultado final, del conjunto gracias al matrimonio: guión literario dice ¡<em>Sí quiero! </em>a guión técnico. Este combo perfecto es lo que permite que pese a todo lo descrito, en el momento que el padre decide desprenderse del todo de su hijo, funcione perfectamente la alegoría. El simbolismo de la ruptura a modo de cordón umbilical de todo lo que unía a un padre perdido con su hijo ansioso por encontrarlo, se resuelve en esa secuencia en el exterior de la nave. El hijo por fin se libera cual el héroe griego de los Dioses. Tras superar su áspero destino, tras superar todas la pruebas puede ahora ser libre, libre para decidir&#8230;y decide vivir.</p>


<figure class="wp-block-image"><img decoding="async" src="http://www.especialistamike.com/wp-content/uploads/2019/10/3B19E6C1-B9B9-4C9B-B31F-6E2F2BEDE470-1024x1024.jpg" alt="" class="wp-image-14310"/></figure>


<p class="wp-block-paragraph"> <strong>Gravity</strong> (2013) es el referente visual más reciente que en muchos momentos me venía a la memoria. La secuencia inicial con las descargas cósmicas que destruyen esa especie de antena gigante orbital y la ya comentada secuencia final. Pero como diría aquel, la sombra del monolito es alargada, <strong><em>2001:A Space Odyssey</em></strong> (1968): el ritmo, la iluminación en el interior de la nave (ese rojo<em> Hal 9000</em>), o el diseño de producción que nos sitúa en un futuro retro pero incierto, muy de las películas de los 70 (<strong><em>Rollerball, Fahrenheit 451, WestWorld</em></strong>). Pero si hay una película reciente que explora las galaxias del pensamiento utilizando de lanzadera la relación truncada padre e hija es esa maravilla disfrazada de <em>biopic</em> de <em>Neil Armstrong </em>en su lucha personal por alcanzar la Luna. Metáfora perfecta del pensamiento estoico <em>per aspera ad astra</em>.  <strong><em>First Man</em></strong> (tenéis mi <em>review</em> <a href="http://www.especialistamike.com/first-man-odisea-interpersonal/">http://www.especialistamike.com/first-man-odisea-interpersonal/</a> ). </p>


<p class="wp-block-paragraph">Admito que soy un enamorado del sonido electrónico, de esa música ambiental de ceros y unos de <strong>Cliff Martínez </strong>( <strong><em>Solaris, Drive</em></strong>), <strong>Julian Winding</strong> y su electro de diseño (<strong><em>The Neon Demon</em></strong>) y <strong>Hans Zimmer</strong> que con <strong><em>Black Hawk Down</em></strong> demuestra que no solo sabe de sonidos elctrónicos que tan bien representan el espacio como hizo con <strong><em>Interestellar</em></strong>. Una partitura que podría recordarnos a <strong><em>Ad Astra</em></strong> pero que tienen una génesis muy diferente. Y es que <strong>Max Richter</strong>, un joven compositor de origen alemán pero criado en Reino Unido de formación clásica «pura y dura» compone una serie de pasajes para poner color a las emociones y pensamientos del Omero. Pero es la colaboración con <strong>Nils Frahm</strong>, otro compositor alemán que combina electrónica con música clásica la que me hizo volar más allá de las estrellas. Aquí os dejo un mágico <em>in crescendo</em> de su álbum <strong><em>Spaces </em></strong> <a href="https://youtu.be/dIwwjy4slI8">https://youtu.be/dIwwjy4slI8</a></p>


<p class="wp-block-paragraph"><strong><em> Ad Astra</em></strong> es un gran viaje para emprender y para aprender. Conozco muchos cinéfilos padres, o debería decir, padres cinéfilos, porque una vez pasas ese umbral ya no hay retorno, que les ha volado la cabeza esta película. . Yo no puedo hablar mucho sobre este tipo de amor, pero sí reconozco el valor de todos esos estoicos y estoicas que no sucumben y demuestran siempre determinación en lo que hacen y en lo que dicen.</p>


<p class="wp-block-paragraph"> Creo que era <strong>Alejandro Jodorowsky</strong> quien dijo: <strong><em>el amor siempre toma rehenes</em></strong>.</p>


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		<title>ROMA: Cine para habitantes del país de las nubes.</title>
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		<pubDate>Mon, 14 Jan 2019 13:07:59 +0000</pubDate>
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					<description><![CDATA[Roma&#160;(2018) es la última película de Alfonso Cuarón, estrenada en Netflix y en pocos cines por eso de poder optar a los Oscar y a los recién ganados, por cierto, Globos de oro por Mejor Dirección y Película extranjera. Y es que Roma está rodada en B/N e interpretada en español y en mixteco (es la castellanización de la palabra de origen náhuatl, mixtécatl: &#8216;habitante del país de las nubes&#8217;). Todo un ejercicio de estilo, o lo que es lo mismo, un film tan personal y poco corriente que solo en la plataforma televisiva de pago podía tener cabida&#8230;al margen de la polémica y del debate que genera pues empieza a tambalearse el monopolio de las distribuidoras, nos centraremos en esta rara avis que es Roma. Sentarse ante el televisor y estar dispuesto a que te cuenten sin la estructura clásica a la que estamos acostumbrados, una sucesión de hechos sin un punto de inflexión, sin un protagonista o un antagonista claro, sin giros en la trama, porque cuente lo que te cuente ahora no hay spoiler posible, creo que ya puedes empezar a entender un poco de qué va esto. Porque Roma viene avalada por quien viene avalada, el director de Gravity (2013) y Children of Men (2006), Alfonso Cuarón, un mexicano que tira de recuerdos de infancia en el barrio cuyo nombre da título a la película para mostrarnos cómo era era su México en los 70. Una propuesta arriesgada por cómo lo ha hecho que para muchos ha sido calificada de magnum opus y para otros una larga siesta de dos horas y pico. Alfonso Cuarón construye este homenaje, esta reivindicación por todas esas mujeres de origen humilde e indígena que hicieron de madres en tantas familias de clase media y alta, que como dice el director, no deja de ser otra forma de esclavitud. Fue Liboria Rodríguez, su nana, el recuerdo vivo e inspiración para rodar esta película. ¡Los brazos de mujeres que no piden nada a cambio más que amor! Los espectadores que conectan con ese sentimiento compartido con Alfonso Cuarón, es que tuvieron una segunda madre, es que tuvieron todo ese amor incondicional de alguien que vino sin nada para darlo todo, porque si hay un mensaje claro, más allá de lo que veamos cada uno, es el valor de la mujeres en una sociedad de hombres egoístas. En tiempos de feminismo confuso no hay obra artística más útil que esta rara avis cinematográfica, Roma. La fotografía en blanco y negro, un acierto a la hora de adoptar esa distancia argumental, ese recuerdo de infancia ya lejano, casi borroso pues los colores se perdieron. El movimiento panorámico de la cámara, cual una mirada de derecha a izquierda, ese timeline vital que el director utilizará en toda la película, poco más vamos a ver a nivel técnico&#8230;todo es una mirada sentada como cuando abrimos ese gran álbum de fotos familiares y lo enseñamos página a página. Cuarón no quiere artificios de ningún tipo, y ahí entramos en la interpretación de los actores ( son tan naturales que yo no los veos), el trió de mujeres están excepcionales tanto como las escenas donde la chavalería te los crees haciendo sus trastadas, en ese sentido nada te saca de la película&#8230;otro tema es que tras la primera hora sigas esperando esa secuencia que lo cambie todo, entonces my friend, sí que vas a quedarte fuera porque el álbum de fotos es el mismo desde la primera página a la última. La fuerza de este film es el conjunto, no es la acción de hechos, es le detalle en el detalle, es la contemplación de ese barrio, de coche entrando en el portal, de esos dormitorios por hacer y deshacer cada mañana, de ese travelling por el barrio un día de diario. Roma (20128)&#160;es una película muy necesaria, no solo para el propio cine, por su manera de cuestionar lo que se hace y cómo se hace, es un film que transciende la pantalla por su valor social, por todo lo que devuelve a quienes tanto dan, por su memoria histórica a los menos afortunados, es justicia poética filmada en blanco y negro pero con todos los colores que brillan en lo mejor del ser humano. El cine que transciende por sí mismo, sin pretensiones, porque conecta con todos, porque el amor que se da a cambio de nada, el amor que no espera el tren de vuelta, es el amor que perdura en nuestra memoria emocional, es la nana que todos tenemos o deberíamos haber tenido.]]></description>
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<p class="justify-text wp-block-paragraph"><strong>Roma&nbsp;(2018)</strong> es la última película de<strong> Alfonso Cuarón</strong>, estrenada en <em>Netflix</em> y en pocos cines por eso de poder optar a los Oscar y a los recién ganados, por cierto, Globos de oro por Mejor Dirección y Película extranjera. Y es que <strong>Roma</strong> está rodada en B/N e interpretada en español y en mixteco (es la castellanización de la palabra de origen náhuatl, <em>mixtécatl</em>: &#8216;habitante del país de las nubes&#8217;). Todo un ejercicio de estilo, o lo que es lo mismo, un film tan personal y poco corriente que solo en la plataforma televisiva de pago podía tener cabida&#8230;al margen de la polémica y del debate que genera pues empieza a tambalearse el monopolio de las distribuidoras, nos centraremos en esta <em>rara avis</em> que es <strong>Roma.</strong></p>


<p class="justify-text wp-block-paragraph">Sentarse ante el televisor y estar dispuesto a que te cuenten sin la estructura clásica a la que estamos acostumbrados, una sucesión de hechos sin un punto de inflexión, sin un protagonista o un antagonista claro, sin giros en la trama, porque cuente lo que te cuente ahora no hay <em>spoiler</em> posible, creo que ya puedes empezar a entender un poco de qué va esto. Porque <strong>Roma</strong> viene avalada por quien viene avalada, el director de <strong><em>Gravity (2013)</em></strong> y <strong><em>Children of Men (2006)</em></strong>, <strong>Alfonso Cuarón</strong>, un mexicano que tira de recuerdos de infancia en el barrio cuyo nombre da título a la película para mostrarnos cómo era era su México en los 70. Una propuesta arriesgada por cómo lo ha hecho que para muchos ha sido calificada de magnum opus y para otros una larga siesta de dos horas y pico.</p>


<figure class="wp-block-image"><img decoding="async" src="http://www.especialistamike.com/wp-content/uploads/2019/01/roma-cuaron-1024x588.jpg" alt="" class="wp-image-12780"/></figure>


<p class="justify-text wp-block-paragraph"><strong>Alfonso Cuarón</strong> construye este homenaje, esta reivindicación por todas esas mujeres de origen humilde e indígena que hicieron de madres en tantas familias de clase media y alta, que como dice el director, no deja de ser otra forma de esclavitud. Fue <strong>Liboria Rodríguez</strong>, su nana, el recuerdo vivo e inspiración para rodar esta película. <strong>¡Los brazos de mujeres que no piden nada a cambio más que amor! </strong></p>


<p class="justify-text wp-block-paragraph">Los espectadores que conectan con ese sentimiento compartido con <strong>Alfonso Cuarón</strong>, es que tuvieron una segunda madre, es que tuvieron todo ese amor incondicional de alguien que vino sin nada para darlo todo, porque si hay un mensaje claro, más allá de lo que veamos cada uno, es el valor de la mujeres en una sociedad de hombres egoístas. En tiempos de feminismo confuso no hay obra artística más útil que esta <em>rara avis</em> cinematográfica, <strong>Roma.</strong></p>


<p class="justify-text wp-block-paragraph">La fotografía en blanco y negro, un acierto a la hora de adoptar esa distancia argumental, ese recuerdo de infancia ya lejano, casi borroso pues los colores se perdieron. El movimiento panorámico de la cámara, cual una mirada de derecha a izquierda, ese timeline vital que el director utilizará en toda la película, poco más vamos a ver a nivel técnico&#8230;todo es una mirada sentada como cuando abrimos ese gran álbum de fotos familiares y lo enseñamos página a página. <strong>Cuarón</strong> no quiere artificios de ningún tipo, y ahí entramos en la interpretación de los actores ( son tan naturales que yo no los veos), el trió de mujeres están excepcionales tanto como las escenas donde la chavalería te los crees haciendo sus trastadas, en ese sentido nada te saca de la película&#8230;otro tema es que tras la primera hora sigas esperando esa secuencia que lo cambie todo, entonces my friend, sí que vas a quedarte fuera porque el álbum de fotos es el mismo desde la primera página a la última. La fuerza de este film es el conjunto, no es la acción de hechos, es le detalle en el detalle, es la contemplación de ese barrio, de coche entrando en el portal, de esos dormitorios por hacer y deshacer cada mañana, de ese travelling por el barrio un día de diario.</p>


<p class="justify-text wp-block-paragraph"><strong><em>Roma (20128)</em></strong>&nbsp;es una película muy necesaria, no solo para el propio cine, por su manera de cuestionar lo que se hace y cómo se hace, es un film que transciende la pantalla por su valor social, por todo lo que devuelve a quienes tanto dan, por su memoria histórica a los menos afortunados, es justicia poética filmada en blanco y negro pero con todos los colores que brillan en lo mejor del ser humano. El cine que transciende por sí mismo, sin pretensiones, porque conecta con todos, porque el amor que se da a cambio de nada, el amor que no espera el tren de vuelta, es el amor que perdura en nuestra memoria emocional, es la nana que todos tenemos o deberíamos haber tenido.</p>
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		<title>SAD HILL UNEARTHED, «ARENA OF DESTINY»</title>
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		<dc:creator><![CDATA[captain]]></dc:creator>
		<pubDate>Sun, 30 Dec 2018 22:22:03 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
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		<category><![CDATA[clint eatswood]]></category>
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		<category><![CDATA[SERGIO LEONE]]></category>
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					<description><![CDATA[Decía el protagonista en La Grande Bellezza (2013):  «La Nostalgia es la Única Distracción Posible para Quién No Cree en el Futuro» Avengers: Infinity War (2018), estará en todos los top10 de este 2018, fue un éxito de taquilla y de crítica por méritos propios. Pero la pregunta que me formulo es: ¿Dentro de 50 años cómo será recordada o mejor dicho, qué legado emocional  habrá dejado a toda esa generación del CGI, de las redes sociales y la VR que ya empieza a asomar? Esta perversa pregunta me asalta después de visionar en Netflix la que automáticamente incluyo en mi lista de favoritas del 2108, el documental español nominado a los Goyas, Sad Hill Unearthed (2108) de Guillermo Oliveira. Sergio Leone, que nunca será lo suficientemente reconocido pues le tocó lidiar con los Fellini, Antonioni o Rossellini entre otros es el director italiano que transformó el género americano por excelencia, el western, en algo que se podía masticar y oler con sabor Mediterráneo, lo llamaron spaghetti-western. Solo él podía coger las dos páginas  que duraba el desenlace final de la trilogía del dólar para rodarlo en 20&#8242; de encuentro, flirteo y orgasmo final. Un triángulo perfecto, una santísima Trinidad, Clint Eastwood, Eli Wallach y Lee Van Cleef, en lo que él bautizó Arena of Destiny. A modo de coliseo romano, empedrado y  rodeado por 5000 tumbas. Nadie lo sabía en ese momento, se estaba rodando un clásico moderno, pese al éxito exponencial en taquilla de las anteriores películas. Con El Bueno, El Feo y el Malo (1966) Sergio Leone contaba con un presupuesto de gran producción, era el momento de la verità, la secuencia final es el principio de esta historia. Ahora, en el Valle de Mirandilla (Burgos), una asociación cultural ha desenterrado el pasado y lo ha convertido en presente.  La emoción del documental es el leitmotiv, cual las melodías magistrales de Ennio Morricone que con su música Leone no hubieran llegado nunca al altar . Al igual que el maestro, aparecerán otros personajes que irán construyendo el discurso emocional y arqueológico de esta locura maravillosa&#8230;dejaré que lo descubráis en el visionado. Me parece muy interesante que podamos conversar por qué la gente necesita hacer este tipo de cosas, por qué necesitamos llegar a desenterrar un cementerio no real, apadrinar cruces para poder cumplir un sueño compartido por muchos de los aldeanos de la zona, o por qué gente de otros países, vinieron con su pala a un valle perdido de Burgos. Es realmente apasionante cómo el hombre sigue siendo el único animal capaz de proyectar una emoción en el futuro&#8230;por muy enterrada que estuviera.  Cuando pasen 50 años, seguiremos queriendo estar juntos, los que estemos y compartir nuestros recuerdos, nuestra emoción, solo así sabremos, que sin ser mitos cinematográficos, también nosotros transcenderemos. ]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[
<p class="wp-block-paragraph" style="text-align:left">Decía el protagonista en <strong><em>La Grande Bellezza (2013)</em></strong>: </p>


<p class="justify-text wp-block-paragraph">«<em><strong>La Nostalgia es la Única Distracción Posible para Quién No Cree en el Futuro»</strong></em></p>


<p class="justify-text wp-block-paragraph"><strong><em>Avengers: Infinity War (2018)</em></strong>, estará en todos los <strong><em>top10 </em></strong>de este 2018, fue un éxito de taquilla y de crítica por méritos propios. Pero la pregunta que me formulo es: ¿Dentro de 50 años cómo será recordada o mejor dicho, qué legado emocional  habrá dejado a toda esa generación del CGI, de las redes sociales y la VR que ya empieza a asomar?</p>


<p class="justify-text wp-block-paragraph">Esta perversa pregunta me asalta después de visionar en <em>Netflix </em>la que automáticamente incluyo en mi lista de favoritas del 2108, el documental español nominado a los Goyas, <strong><em>Sad Hill Unearthed (2108) de Guillermo Oliveira.</em></strong></p>


<p class="wp-block-paragraph"></p>


<p class="justify-text wp-block-paragraph"><strong>Sergio Leone</strong>, que nunca será lo suficientemente reconocido pues le tocó lidiar con los <strong>Fellini, Antonioni </strong>o <strong>Rossellini</strong> entre otros es el director italiano que transformó el género americano por excelencia, el western, en algo que se podía masticar y oler con sabor Mediterráneo, lo llamaron <strong><em>spaghetti-western. </em></strong>Solo él podía coger las dos páginas  que duraba el desenlace final de la trilogía del dólar para rodarlo en 20&#8242; de encuentro, flirteo y orgasmo final. Un triángulo perfecto, una santísima Trinidad, <strong>Clint Eastwood, Eli Wallach </strong>y <strong>Lee Van Cleef</strong>, en lo que él bautizó <em>Arena of Destiny.</em> A modo de coliseo romano, empedrado y  rodeado por 5000 tumbas. Nadie lo sabía en ese momento, se estaba rodando un clásico moderno, pese al éxito exponencial en taquilla de las anteriores películas. Con <strong><em>El Bueno, El Feo y el Malo (1966)</em></strong> Sergio Leone contaba con un presupuesto de gran producción, era el momento de la <em>verità</em>, la secuencia final es el principio de esta historia. Ahora, en el Valle de Mirandilla (Burgos), una asociación cultural ha desenterrado el pasado y lo ha convertido en presente. </p>


<p class="justify-text wp-block-paragraph">La emoción del documental es el <em>leitmotiv</em>, cual las melodías magistrales de <strong>Ennio Morricone</strong> que con su música Leone no hubieran llegado nunca al altar . Al igual que el maestro, aparecerán otros personajes que irán construyendo el discurso emocional y arqueológico de esta locura maravillosa&#8230;dejaré que lo descubráis en el visionado.</p>


<p class="justify-text wp-block-paragraph">Me parece muy interesante que podamos conversar por qué la gente necesita hacer este tipo de cosas, por qué necesitamos llegar a desenterrar un cementerio no real, apadrinar cruces para poder cumplir un sueño compartido por muchos de los aldeanos de la zona, o por qué gente de otros países, vinieron con su pala a un valle perdido de Burgos. Es realmente apasionante cómo el hombre sigue siendo el único animal capaz de proyectar una emoción en el futuro&#8230;por muy enterrada que estuviera. </p>


<p class="justify-text wp-block-paragraph">Cuando pasen 50 años, seguiremos queriendo estar juntos, los que estemos y compartir nuestros recuerdos, nuestra emoción, solo así sabremos, que sin ser mitos cinematográficos, también nosotros transcenderemos. </p>


<figure class="wp-block-image"><img decoding="async" src="http://www.especialistamike.com/wp-content/uploads/2018/12/20180714_140919-1-1024x576.jpg" alt="" class="wp-image-12689"/></figure>
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		<title>First Man: Odisea Interpersonal</title>
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		<dc:creator><![CDATA[captain]]></dc:creator>
		<pubDate>Wed, 07 Nov 2018 18:08:37 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
		<category><![CDATA[Destacado]]></category>
		<category><![CDATA[Reviews]]></category>
		<category><![CDATA[Damien Chazelle]]></category>
		<category><![CDATA[first man]]></category>
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					<description><![CDATA[En el 50 aniversario de la obra maestra 2001:Una Odisea del Espacio (1968), maravillas como&#160;Interstelar&#160;(2014) o la&#160; reverencial secuela, Blade Runnerr 2049 (2017), son candidatas al juicio severo del único crítico que nunca se equivoca, #Mr.PasoDelTiempo. Creo sinceramente que con First Man (2018) podemos tener algo grande que orbite los venideros 50 años o más. First Man&#160;es un biopic sobre el primer hombre que pisó la Luna, Neil Armstrong. Biopic, esa palabra que con decirla ya algunos (me incluyo) salimos corriendo sin necesidad de cuenta atrás. Cuando vi el cartel de la película en los autobuses de doble piso, me dije&#8230;«ummmm, Ryan Gosling en el espacio» y rápidamente recordé los fracasos recientes de&#160;Passengers (2016) o Life (2017), grandes actores pero en tramas totalmente fuera de órbita. Todo esto me hizo dejar de lado el cerebro emocional y tiré de uno de los puntos principales de mi manifiesto: ¿Quién la dirige?: Damien Chazelle, guionista y director de la oscarizada La La Land (2016)&#160;y de esa maravillosa clase de narración y acción musical que fue Whiplash (2014). Acabé donde no podía ser de otra manera, mi primera visita al IMAX de Londres. Como no he leído la biografía de Neil Armstrong, no puedo valorar los hechos, solo puedo valorar cinematográficamente la historia personal del hombre. Cómo llegó a la Nasa y acabó siendo el elegido, tras una carrera espacial en pugna con la ex URSS que por entonces fue pionera en orbitar al primer hombre en el espacio. Era la época de la Guerra Fría, la rivalidad de las dos potencias, se decía en aquella época, terminada la Segunda Guerra Mundial, que mantenía el equilibrio mundial. Pero este First Man de Damien Chazelle, no es una peli histórica o un panfleto patriótico, tampoco es un Apollo 13 (1995), es una mirada interpersonal del protagonista donde como sucedía en Interstelar, casi&#160;todo gravita entre la relación&#160;padre e hija, aquí con el drama de la muerte de la pequeña Karen de 2 años, para mí el auténtico whiplash&#160;de la película.&#160;Ryan Gosling, ese tipo de actor expresivamente-inexpresivo, como Buster Keaton, (so sorry a los millennials por haberme ido tan lejos)&#160;tiene esa mirada perdida que conecta perfectamente con esa nada, con esa ausencia del&#160; sonido y de&#160; la gravedad en el espacio&#8230;es como si toda emoción terrenal dejara de tener sentido más allá de la estratosfera. Es una de las virtudes de la película, realmente sientes que estás en el espacio exterior. El texto de esta cinta es brillante porque el tema que han escogido no es vida y milagros de Armstrong, ni siquiera el viaje del Apollo 11. El foco está en el viaje previo.&#160;La lucha&#160; por llegar a la Luna es planteado en el film desde el yo del protagonista, es el&#160;viaje interior (como diría un coach) de nuestro protagonista que tras la pérdida de su hija (veremos recurrentes flashbacks&#160;recordándola), transforma su dolor en combustible vital para seguir adelante. Que el guión orbite sobre este punto considero que es el gran acierto de la película. Aquí os pongo una de las frases que más me gustan de la película y que resumen a la perfección el eneatipo del personaje. Otro de los aspectos brillantes de este First Man, a parte del guión, ha sido la dirección; muchas escenas han sido filmadas con cámara al hombro, con planos&#160; sacudidos por los despegues, por los aterrizajes, las caídas, las pruebas de los astronautas, etc. Encuadres muy cerrados para transmitirnos esa sensación de claustrofobia en aquellas primeras cápsulas estrechas y donde el ruido a metal a punto de resquebrajarse no hacía presagiar nada bueno. Con el objetivo siempre pendiente de Armstrong, planos filmando desde su espalda en muchas ocasiones, buscando ese estilo documental pero siempre cerca, muy cerca del protagonista, de la persona. Es una dirección perfectamente acorde con la narración, es decir, era como si estuviéramos rodando con los mismos movimientos y ejes de cámara de los 60&#8217;/70&#8242;, lo cual le da mayor veracidad o dicho de otra manera, el director consigue un rigor histórico extra, independientemente, que sea 100% verdad tal escena o tal otra (sinceramente, a mí no me importa ). De acuerdo que es una película que no deja de ser uno de los momentos históricos más importantes de la Historia Moderna, pero me consta por lo leído que su intención ha sido ser rigurosa. Creo que al igual que otro joven director que me tiene ganado, Denis Villeneuve, (Enemy, Prisoners, Arrival), Damien Chazelle basa su dirección&#160;en&#160;un guión escrito por él mismo y si no es así, como en este caso, procura que el texto siempre esté por delante, es decir, es la dirección y el montaje quienes reforzarán el guión literario. Es como pasa con muchas BSO, que por sí mismas no tienen la misma fuerza si no van de la mano de las imágenes&#8230;no es el caso, estamos ante una banda sonora perfectamente disfrutable sin el fotograma. He escuchado el soundtrack de First Man por del oscarizado Justin Hurwitz&#160; (La La Land&#160;) como un centenar de veces, y pese a las fáciles comparaciones con el Interstellar de Hans Zimmer, tenemos una partitura más variada y menos electrónica que las películas donde la acción sucede siempre en el espacio. Para mí, en esta ocasión, el referente directo es el Solaris (2002)&#160;de Cliff Martínez pero con el plus que aquí tenemos mayor variedad de estilos, de sonoridades de instrumentos muy diferentes. Sencillas melodías y soul en la Tierra y electro-ambiental para el espacio. Justin&#160; Hurwitz , compositor que he descubierto ahora, bebe de muchas fuentes, una de ellas es del minimalismo de&#160;Philip Glass de The Hours&#160; (2002), (otra brutalidad de BSO junto con Solaris que os recomiendo) pero sin duda su amor al soul y al jazz marcan su obra. First Man&#160; será, para mí, una de mis candidatas a la lista de las #mustsee2018. Un excelente film que te impulsará hacia el espacio interior de las emociones que solo el buen cine puede proyectar. Feliz viaje! &#160;]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[<p style="text-align: justify;">En el 50 aniversario de la obra maestra <em><strong>2001:Una Odisea del Espacio </strong>(1968)</em>, maravillas como&nbsp;<em><strong>Interstelar&nbsp;</strong>(2014)</em> o la&nbsp; reverencial secuela,<em><strong> Blade Runnerr 2049 </strong>(2017)<strong>, </strong></em>son candidatas al juicio severo del único crítico que nunca se equivoca, #Mr.PasoDelTiempo. Creo sinceramente que con <em><strong>First Man</strong></em> <em>(2018) </em>podemos tener algo grande que orbite los venideros 50 años o más.</p>
<p style="text-align: justify;"><em><strong>First Man</strong></em>&nbsp;es un <em>biopic</em> sobre el primer hombre que pisó la Luna, <em>Neil Armstrong</em>. <em><strong>Biopic</strong></em>, esa palabra que con decirla ya algunos (me incluyo) salimos corriendo sin necesidad de cuenta atrás. Cuando vi el cartel de la película en los autobuses de doble piso, me dije&#8230;<em>«ummmm, <strong>Ryan Gosling</strong> en el espacio»</em> y rápidamente recordé los fracasos recientes de&nbsp;<em><strong>Passengers</strong> </em>(2016) o<em><strong> Life</strong></em> (2017), grandes actores pero en tramas totalmente fuera de órbita. <strong>Todo esto me hizo dejar de lado el cerebro emocional y tiré de uno de los puntos principales de mi manifiesto: ¿Quién la dirige?: Damien Chazelle</strong>, guionista y director de la oscarizada <em><strong>La La Land (2016)&nbsp;</strong></em>y de esa maravillosa clase de narración y acción musical que fue <em><strong>Whiplash</strong></em> (2014). Acabé donde no podía ser de otra manera, mi primera visita al <strong>IMAX</strong> de Londres.</p>
<p style="text-align: justify;">Como no he leído la biografía de <strong>Neil Armstrong,</strong> no puedo valorar los hechos, solo puedo valorar cinematográficamente la historia personal del hombre. Cómo llegó a la Nasa y acabó siendo el elegido, tras una carrera espacial en pugna con la ex URSS que por entonces fue pionera en orbitar al primer hombre en el espacio. Era la época de la Guerra Fría, la rivalidad de las dos potencias, se decía en aquella época, terminada la Segunda Guerra Mundial, que mantenía el equilibrio mundial.</p>
<p style="text-align: justify;">Pero este <em><strong>First Man</strong></em> de <strong>Damien Chazelle</strong>, no es una peli histórica o un panfleto patriótico, tampoco es un <em><strong>Apollo 13</strong> </em>(1995), es una mirada interpersonal del protagonista donde como sucedía en <strong><em>Interstelar, </em></strong>casi&nbsp;todo gravita entre la relación&nbsp;padre e hija, aquí con el drama de la muerte de la pequeña Karen de 2 años, para mí el auténtico<strong><em> whiplash</em></strong>&nbsp;de la película.&nbsp;<strong>Ryan Gosling</strong>, ese tipo de actor <strong>expresivamente-inexpresivo, </strong>como <strong>Buster Keaton, </strong>(so sorry a los <em>millennials</em> por haberme ido tan lejos)&nbsp;tiene esa mirada perdida que conecta perfectamente con esa nada, con esa ausencia del&nbsp; sonido y de&nbsp; la gravedad en el espacio&#8230;es como si toda emoción terrenal dejara de tener sentido más allá de la estratosfera. Es una de las virtudes de la película, realmente sientes que estás en el espacio exterior. <strong>El texto de esta cinta es brillante porque el tema que han escogido no es vida y milagros de Armstrong, ni siquiera el viaje del Apollo 11. El foco está en el viaje previo.&nbsp;La lucha&nbsp; por llegar a la Luna es planteado en el film desde el yo del protagonista, es el&nbsp;</strong>viaje interior (como diría un coach) de nuestro protagonista que tras la pérdida de su hija (veremos recurrentes <em>flashbacks</em>&nbsp;recordándola), transforma su dolor en combustible vital para seguir adelante. Que el guión orbite sobre este punto considero que es el gran acierto de la película. Aquí os pongo una de las frases que más me gustan de la película y que resumen a la perfección el eneatipo del personaje.</p>
<p style="text-align: justify;"><a href="http://www.especialistamike.com/wp-content/uploads/2018/11/first-man.jpg" data-lightbox="gallery" ><img fetchpriority="high" decoding="async" class="aligncenter wp-image-12291" src="http://www.especialistamike.com/wp-content/uploads/2018/11/first-man-1024x683.jpg" alt="first man script" width="750" height="500"></a></p>
<p style="text-align: justify;">Otro de los aspectos brillantes de este <em><strong>First Man</strong></em>, a parte del guión, ha sido la dirección; muchas escenas han sido filmadas con cámara al hombro, con planos&nbsp; sacudidos por los despegues, por los aterrizajes, las caídas, las pruebas de los astronautas, etc. Encuadres muy cerrados para transmitirnos esa sensación de claustrofobia en aquellas primeras cápsulas estrechas y donde el ruido a metal a punto de resquebrajarse no hacía presagiar nada bueno. Con el objetivo siempre pendiente de Armstrong, planos filmando desde su espalda en muchas ocasiones, buscando ese estilo documental pero siempre cerca, muy cerca del protagonista, de la persona. Es una dirección perfectamente acorde con la narración, es decir, era como si estuviéramos rodando con los mismos movimientos y ejes de cámara de los 60&#8217;/70&#8242;, lo cual le da mayor veracidad o dicho de otra manera, el director consigue un rigor histórico extra, independientemente, que sea 100% verdad tal escena o tal otra (sinceramente, a mí no me importa ). De acuerdo que es una película que no deja de ser uno de los momentos históricos más importantes de la Historia Moderna, pero me consta por lo leído que su intención ha sido ser rigurosa.</p>
<p style="text-align: justify;">Creo que al igual que otro joven director que me tiene ganado, <strong>Denis Villeneuve</strong>, (<strong><em>Enemy, Prisoners, Arrival</em></strong>), <strong>Damien Chazelle basa su dirección&nbsp;</strong>en&nbsp;un guión escrito por él mismo y si no es así, como en este caso, procura que el texto siempre esté por delante, es decir, es la dirección y el montaje quienes reforzarán el guión literario. Es como pasa con muchas BSO, que por sí mismas no tienen la misma fuerza si no van de la mano de las imágenes&#8230;no es el caso, estamos ante una banda sonora perfectamente disfrutable sin el fotograma.</p>
<p style="text-align: justify;">He escuchado el soundtrack de <em><strong>First Man</strong></em> por del oscarizado <strong>Justin Hurwitz</strong>&nbsp; (<strong><em>La La Land</em></strong>&nbsp;) como un centenar de veces, y pese a las fáciles comparaciones con el <em><strong>Interstellar</strong></em> de <strong>Hans Zimmer, </strong>tenemos una partitura más variada y menos electrónica que las películas donde la acción sucede siempre en el espacio. Para mí, en esta ocasión, el referente directo es el <strong>Solaris </strong>(2002)&nbsp;de <strong>Cliff Martínez </strong>pero con el plus que aquí tenemos mayor variedad de estilos, de sonoridades de instrumentos muy diferentes. Sencillas melodías y soul en la Tierra y electro-ambiental para el espacio. <strong>Justin&nbsp; Hurwitz</strong> , compositor que he descubierto ahora, bebe de muchas fuentes, una de ellas es del minimalismo de&nbsp;<strong>Philip Glass</strong> de <strong><em>The Hours</em></strong>&nbsp; (2002), (otra brutalidad de BSO junto con <em><strong>Solaris</strong></em> que os recomiendo) pero sin duda su amor al soul y al jazz marcan su obra.</p>
<p><strong><em>First Man</em>&nbsp; será, para mí, una de mis candidatas a la lista de las #mustsee2018. Un excelente film que te impulsará hacia el espacio interior de las emociones que solo el buen cine puede proyectar. Feliz viaje!</strong><br />
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		<title>Han Solo: pese a todo, una Hª de Star Wars</title>
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		<dc:creator><![CDATA[captain]]></dc:creator>
		<pubDate>Mon, 28 May 2018 22:55:04 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Críticas]]></category>
		<category><![CDATA[George Lucas]]></category>
		<category><![CDATA[Han Solo]]></category>
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					<description><![CDATA[Lo que era un galaxia muy muy lejana, cada vez la tenemos a tocar más cerca, es decir, una película anual. Por una lado tenemos el Star Wars canon, la trama principal creada por George Lucas, y por el otro los spinoffs y presecuelas del universo expandido que seguirán los criterios creativos-financieros de Disney. Y remarco el término creativo-financiero porque dependiendo de la taquilla Solo tendrá compañía. El primer spinoff de la saga fue Rogue One (2016),  donde poco nos importaban unos personajes muy planos y que a la postre no tendrían continuidad, en cambio con  Han Solo: Una Hª de Star Wars (2018) el script de los personajes me ha parecido de lo mejor, y es que el casting, visto lo visto (acabo de volver por segunda vez del cine) ha sido el primer acierto. Quién es Han Solo, cómo conoce a Chewbacca, cómo desean y consiguen el flamante y nuevecito Halcón Milenario. La construcción de los personajes gracias al guión literario nos explica al fan clásico por qué Han Solo es un cínico descreído con un desamor que arrastra a lo Rick de Casablanca (1942), por qué Chewbacca es casi su hermano de sangre, por qué el joven Lando Carlrissian (espectacular Donald Glover) es más granuja que todos los contrabandistas juntos de la cantina de Mos Eisley. Y aunque es una película coral, nuestro protagonista es el joven Han Solo interpretado y dirigido a la perfección: los gestos, las muecas, las respuestas cual nuestro icónico Harrison Ford hecho joven. ¿Os imagináis una película de Han Solo con un personaje que no tuviera nada que ver con el clásico?. Es la piedra de toque, por muy buen guión, por mucho corta y pega de Ron Howard, director salvador (luego lo contamos), la interpretación de Alden Ehrenreich es perfecta. El segundo argumento a favor es cómo lo conectan todo con el universo canon con un guión suficientemente sólido como para no echar de menos todo el universo de la fuerza donde se sustenta la saga de clásica. Y es que a diferencia de Rogue One (2016) donde los actores estaban al servicio de la acción, aquí los actores se sirven así mismos. Ahí es donde aparece la mano que da continuidad al canon de George Lucas, el guionista Lawrence Kasdan (Star Wars: Episode V &#8211; The Empire Strikes Back (1980), Star Wars: Episode VI &#8211; Return of the Jedi (1983). Recuerdo cuando esperábamos la primera película de Disney Star Wars: Episode VII &#8211; The Force Awakens, lo tórpemente interrelacionados los clásicos personajes con los nuevos ( y no comentaremos la burda muerte de Han Solo). Ahora ya por fin, podemos ver a un Chewbacca que no es un comparsa, por fin sabemos de Lando, y por fin entendemos por qué Solo va de canalla pero es un «good guy» como le dice Emilia Clarke, nuestra mother of the dragons de Game of Thrones. Otro elemento fundamental era tener a un antagonista de peso, aquí no teníamos ningún personaje clásico en el reverso de la fuerza, por lo que el papelón de Paul Bettany con su lado physco a lo Manhunt: Unabomber (os recomiendo la miniserie en Netflix) era fundamental para nivelar la balanza dramática de la historia. Star Wars se creó contra viento y marea, en unos años 70 donde al ciencia ficción seguía siendo un producto de serial televisivo y poco más, George Lucas (ahora que me estoy leyendo su biografía por Brian Jay Jones) luchó contra los elementos porque creía en su idea, hasta en el rodaje todo fueron problemas técnicos y de actores «que no lo veían», pero él persistió. Han Solo: Una Historia de Star Wars (2018) tiene ese mismo germen. Disney rescindía el contrato a media película por discrepancias creativas con los directores Phil Lord y Chris Miller. Al recate vino Ron Howard, director con oficio que nos hizo disfrutar en los 80&#8217;s con dos joyas como fue Willow (1988) y Coccon (1985) pero si os tengo que recomendar dos películas actuales me quedo con la soberbia (y eso que no soy fan de la F1) de Rush (20013) y Frost/Nixon (2008). Volver a rodar escenas, cambiar el montaje y una de mis dudas sobre lo que yo considero el talón de Aquiles de este film: la partitura de John Powell, compositor británico de films de animación, que ha hecho un flaco favor a la saga. Desde el minuto uno, ves que la narración visual va por un lado y la música por otro. Es un desastre  absoluto y una pena porque las secuencias de acción se ven resentidas de una manera inmerecida, luego las transiciones de las escenas de acción a las íntimas son tan bruscas como el montaje&#8230;es una asintonía total que solo remonta el vuelo cuando suenan los leitmotifs clásicos de John Williams. Solo :A Star Wars Story es una película que respeta y amplia el universo canónico, que nos deja más de una sonrisa con muchas interpretaciones geniales y aunque no saltará al hiperespacio, para nada es la decepción que muchos vaticinaban, es ,simplemente&#8230;una historia de Star Wars y eso, todavía, es más que suficiente. &#160;]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[<p style="text-align: justify;">Lo que era un galaxia muy muy lejana, cada vez la tenemos a tocar más cerca, es decir, una película anual. Por una lado tenemos el <strong>Star Wars canon</strong>, la trama principal creada por<strong> George Lucas</strong>, y por el otro los <em>spinoffs</em> y presecuelas del <strong>universo expandido</strong> que seguirán los criterios creativos-financieros de <strong>Disney</strong>. Y remarco el término creativo-financiero porque dependiendo de la taquilla Solo tendrá compañía.</p>
<p style="text-align: justify;">El primer <em>spinoff</em> de la saga fue <em><strong>Rogue One (2016), </strong></em> donde poco nos importaban unos personajes muy planos y que a la postre no tendrían continuidad, en cambio con  <em><strong>Han Solo: Una Hª de Star Wars (2018) </strong></em>el script de los personajes me ha parecido de lo mejor, y es que el casting, visto lo visto (acabo de volver por segunda vez del cine) ha sido el primer acierto. Quién es Han Solo, cómo conoce a Chewbacca, cómo desean y consiguen el flamante y nuevecito Halcón Milenario. La construcción de los personajes gracias al guión literario nos explica al fan clásico por qué <strong>Han Solo es un cínico descreído con un desamor que arrastra a lo Rick de <em>Casablanca (1942)</em></strong>, por qué Chewbacca es casi su hermano de sangre, por qué el joven Lando Carlrissian (espectacular <strong>Donald Glover</strong>) es <strong>más granuja que todos los contrabandistas juntos de la cantina de Mos Eisley</strong>. Y aunque es una película coral, nuestro protagonista es el joven Han Solo interpretado y dirigido a la perfección: los gestos, las muecas, las respuestas cual nuestro icónico <strong>Harrison Ford</strong> hecho joven. ¿Os imagináis una película de Han Solo con un personaje que no tuviera nada que ver con el clásico?. Es <span class="description">la piedra de toque, por muy buen guión, por mucho corta y pega de <strong>Ron Howard</strong>, director salvador (luego lo contamos), la interpretación de <strong>Alden Ehrenreich es perfecta.</strong></span></p>
<p><a href="http://www.especialistamike.com/wp-content/uploads/2018/05/Han-Solo-critica.jpg" data-lightbox="gallery" ><img decoding="async" class="aligncenter size-large wp-image-11578" src="http://www.especialistamike.com/wp-content/uploads/2018/05/Han-Solo-critica-1024x559.jpg" alt="" width="1024" height="559" /></a></p>
<p style="text-align: justify;">El segundo argumento a favor es cómo lo conectan todo con el universo canon con un guión suficientemente sólido como para no echar de menos todo <strong>el universo de la fuerza</strong> donde se sustenta la saga de clásica. Y es que a diferencia de <strong><em>Rogue One (2016)</em></strong> donde los actores estaban al servicio de la acción, aquí los actores se sirven así mismos. Ahí es donde aparece la mano que da continuidad al canon de <strong>George Lucas</strong>, el guionista <strong>Lawrence Kasdan</strong> (<strong><em>Star Wars: Episode V &#8211; The Empire Strikes Back</em></strong><span class="description"><strong><em> (1980), Star Wars: Episode VI &#8211; Return of the Jedi (1983</em></strong>). </span><span class="description">Recuerdo cuando esperábamos la primera película de Disney<em><strong> Star Wars: Episode</strong><strong> VII &#8211; Th</strong><strong>e Force Awakens</strong></em>, lo tórpemente interrelacionados los clásicos personajes con los nuevos ( y no comentaremos la burda muerte de Han Solo). Ahora ya por fin, podemos ver a un Chewbacca que no es un comparsa, por fin sabemos de Lando, y por fin entendemos por qué <strong>Solo va de canalla pero es un «good guy» como le dice Emilia Clarke<em>,</em> nuestra <em>mother of the dragons</em> de <em>Game of Thrones</em>.</strong> Otro elemento fundamental era tener a un antagonista de peso, aquí no teníamos ningún personaje clásico en el reverso de la fuerza, por lo que el papelón de <strong>Paul Bettany</strong> con su lado <em>physco</em> a lo <strong><em>Manhunt: Unabomber </em></strong>(os recomiendo la miniserie en Netflix) era fundamental para nivelar la balanza dramática de la historia.</span></p>
<p style="text-align: justify;"><span class="description"><strong>Star Wars</strong> se creó contra viento y marea, en unos años 70 donde al ciencia ficción seguía siendo un producto de serial televisivo y poco más, George Lucas (ahora que me estoy leyendo su biografía por<strong> Brian Jay Jones</strong>) luchó contra los elementos porque creía en su idea, hasta en el rodaje todo fueron problemas técnicos y de actores «que no lo veían», pero él persistió. <em><strong>Han Solo: Una Historia de Star Wars (2018)</strong></em> tiene ese mismo germen. Disney rescindía el contrato a media película por discrepancias creativas con los directores</span><span class="description"> </span><strong>Phil Lord y Chris Miller. </strong>Al recate vino <strong>Ron Howard</strong>, director con oficio que nos hizo disfrutar en los 80&#8217;s con dos joyas como fue <em><strong>Willow (1988)</strong></em> y <strong><em>Coccon (1985) </em></strong>pero si os tengo que recomendar dos películas actuales me quedo con la soberbia (y eso que no soy fan de la F1) de <em><strong>Rush (20013)</strong></em> y <em><strong>Frost/Nixon (2008). </strong></em>Volver a rodar escenas, cambiar el montaje y una de mis dudas sobre lo que yo considero el talón de Aquiles de este film: la partitura de <strong>John Powell</strong>, compositor británico de films de animación, que ha hecho un flaco favor a la saga. Desde el minuto uno, ves que la narración visual va por un lado y la música por otro. Es un desastre  absoluto y una pena porque las secuencias de acción se ven resentidas de una manera inmerecida, luego las transiciones de las escenas de acción a las íntimas son tan bruscas como el montaje&#8230;es una asintonía total que solo remonta el vuelo cuando suenan los leitmotifs clásicos de <strong>John Williams</strong>.</p>
<p style="text-align: justify;"><strong>Solo :A Star Wars Story es una película que respeta y amplia el universo canónico, que nos deja más de una sonrisa con muchas interpretaciones geniales y aunque no saltará al hiperespacio, para nada es la decepción que muchos vaticinaban, es ,simplemente&#8230;una historia de Star Wars y eso, todavía, es más que suficiente.</strong></p>
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