Podríamos deducir que la primera da el toque de humor y la segunda el más serio, inquietante o lo que sea, ya que lógicamente no hay que contar nada de la trama. ‘La invitación’ sorprende por su frescura y a la vez su profundidad, tocando casi todos los temas, preocupaciones, miedos y realidades incómodas de muchas parejas, en este caso de mediana edad.

Y como tantas veces, qué mejor que un salón preparado para compartir una cena como escenario casi único de una magnífica sucesión de diálogos con toques a lo Woody Allen, algún gag siempre oportuno y nada banal, y el magnetismo de los cuatro protagonistas.

Anatomía de las fases del amor

Sí, lo de menos es el menú, y lo más importante es pasar buenos momentos con seres queridos o gente a la que quieres conocer, como en este caso, en una cena donde dos parejas de vecinos por fin se conocerán más allá del ascensor y de otra cuestión que será uno de los ejes centrales de la trama. ‘La invitación’ abre y cierra un círculo en la primera y última escena, uno de lo más virtuoso, donde Olivia Wilde construye una historia y personajes muy perfilados e interesantes, donde te interesa cada cosa que dicen y movimiento que hacen, sumado al otro toque de incertidumbre por cómo acabará la noche.

‘La invitación’ es un título perfecto para eso, para invitarte a ir al cine a verla y hacerlo en versión original, ya que sus pequeños toques en español es también parte importante del conjunto, donde todo afina bien, en un trasunto del tema a piano tan metafórico al abrir y cerrar esta película que, sin ser una obra maestra, es en fondo y forma un gran trabajo, hora y 47 minutos de sonrisas, pero también de reflexión, de quizá sentirse reflejado en los protagonistas y de salir de la sala con un recuerdo entrañable de dos parejas y cuatro personas con las que gran parte de la población de cualquier país puede sentirse reflejada.

Estreno: 16 de octubre de 2026.

Florence Pugh brilla como Yelena Belova, tomando claramente el liderazgo del grupo. David Harbour vuelve como el entrañable y desastroso Red Guardian, mientras que Sebastian Stan encarna a un Soldado de Invierno más serio y reflexivo, marcado por su pasado. Juntos, forman un escuadrón disfuncional que debe completar misiones que los Vengadores no harían… o no querrían hacer.

La película combina acción, humor negro y drama emocional. Aunque no tiene la espectacularidad visual de otros títulos del UCM, sí ofrece una historia más sucia, física y centrada en el combate cuerpo a cuerpo y las decisiones difíciles. Además, dos escenas postcréditos —una flojilla y otra muy prometedora— preparan el terreno para lo que viene.

En mi opinión, Thunderbolts funciona gracias a sus personajes y el tono diferente que propone. No es perfecta, pero sí una sorpresa dentro de la Fase 5. El giro final le da un buen empujón, y te deja con ganas de ver más de este peculiar equipo.

Y si quieres una sorpresa rápida, te dejo aquí mi short de YouTube con lo mejor y lo peor en menos de 60 segundos:

Nos presenta Daniela Forever, que dirige y escribe tras un parón de 8 años desde Colossal.

Daniela Forever: los sueños, sueños son

Vigalondo nos adentra en una película que cuenta como superar la pena a través de un tratamiento diferente, con el que tienes completo control sobre tus sueños.

Mezclando varios tipos de estilos de grabación para diferenciar sueños de lo que no lo son, en rueda de prensa ha contado que el video de la vida real, tenia tan mala calidad que ocupaba 600 megas.

Juega con las capas de manera interesante y acaba creando un pequeño drama con toques de Inception y El efecto Mariposa. Digo toques, porque se haberse parecido a esas dos películas sería locamente buena, pero se queda en una película interesante que suma más que resta.

Strange Darling: ya tengo favorita

Llevamos la mitad del festival y a esta le tenía muchas ganas. Strange Darling viene con muy buenas críticas de los USA, y ha sido tratada como una de las sorpresas del año.

Es de esas películas que como te cuenten algo estás muerto, pues Strange Darling basa su gran gracia en la sorpresa.

Siguiendo un esquema Tarantiniano, la película se divide en 6 capítulos que ves de manera desordenada y que giro tras giro te va dando más ingredientes para completar un puzzle que pieza a pieza acaba quedando espectacular.

Una de mis favoritas a ganar premios este año en Sitges sin duda.

Sew Torn: la costurera elige su propia aventura

Victor Esquirol, en Familia Mónguer nos recomendó un par de pelis. La que más, Sew Torn. Y la verdad es que no lo buscaremos para echárselo en cara.

La película simpática del festival. Una costurera de un pueblo perdido de Suiza se ve involucrada en un rollo de Mafias y debe elegir su propio destino. Siguiendo un hilo u otro y viendo que sucede.

Divertida, entretenida y muy cuqui (como ha dicho mi amiga Sandra). Su rollo Mcgyver con los hilos, lo mejor de la película.

Animale: pues en contra todo lo que pensaba…

Y para acabar otra de la sección oficial de Sitges. Todo era red flags: Película francesa, programada un martes a las 16’30, terror ganadero, recortadores y asesinatos nocturnos hechos por un toro.

Pues no se, supongo que si hay un sitio donde poner una película así es en Sitges, y más aún si la factura es buena y está muy bien dirigida.

Sorprendente y recomendable.

Mañana será otro día

Entre película y película me he paseado por los alrededores del Melià, y ya os digo que el viento que hacía no era ni medio normal. Me he resguardado en la carpa del Fnac y a pocas y aparecemos en el mundo de Oz. Locura.

A preparar el día de mañana.

La película de Greg Berlanti coge de nuevo algo tan atractivo que se podría tratar como comedia hilarante o thriller político, pero que se opta por un camino medio que siempre funciona: una mezcla de comedia romántica con dos estrellas que rezuma complicidad (Scarlett Johansson y Channing Tatum), grandes secundarios como Woody Harrelson (su papel es de lo mejor del film), drama familiar y dosis de comedia pura y dura.

Ingeniería, marketing y un «por si acaso»

‘La otra cara de la Luna’ da una vuelta de tuerca más a la llegada del Apolo 11 a nuestro satélite natural y propone dos vertientes más que interesantes: el lado comercial de las misiones, con un retrato de lo que es la publicidad a toda costa, los intereses comerciales y como al final todo depende de cómo lo vendas y no de lo que vendas, tanto al público como a los científicos o a los políticos; y por el otro la opción a medio camino de la conspiración: el montaje de la llegada a la Luna en un estudio pero solo por si falla la misión, es decir, que la película opta porque una posibilidad con más lógica, un plan B, aunque verás en el final como todo se lía algo más. Es sin duda la parte más ácida, de comedia incluso de gags, lo que puede parecer que desentone entre el conjunto más «suave» y centrado más en el tira y afloja típico entre una publicista con pasado oscuro, con mucha labia e inventiva, y un científico serio y retraído de pocas palabras y sólidas convicciones morales.

La película es perfecta para acudir a las salas veraniegas y disfrutar del cine a la antigua usanza: entretenimiento con dos estrellas que traspasan la pantalla, un tema que gusta a todos y que incluso en la parte más técnica y de lanzamiento en sí logra sorprender y emocionar, con todas las versiones que ya se han visto de la proeza, y la no forzada lectura entre líneas y crítica del marketing, la política y sus intereses, la situación americana de la época, el control de la opinión pública y la lucha por la supremacía mundial. Todo ello no queda en la cara oculta de la Luna, pero sí en zona de sombra para que brillen los protagonistas, su historia de amor-desamor, y prime la comedia ligera y agradable.

Estreno: 12 de julio.

Quizá pasado ese Rubicón pensaba que llegaría siempre a Roma aclamado, o quizá sintió que estaba perdiendo su esencia y quería volver a ‘Canino‘, ‘Alps‘, ‘El sacrificio de un ciervo sagrado‘ o ‘Langosta‘. De cualquier forma, ha vuelto el Lanthinos más heterogéneo, cruel, tétrico, crítico e inclasificable y lo hace retornando al guion Efthymis Filippou, que junto con Yorgos firman un film que son tres historias que nada tienen que ver entre sí argumentalmente pero que son interpretadas por los mismos protagonistas. Uno de los que también sale en los tres relatos (que juntos suman 2 horas y 45 minutos que se hacen largas) y secundario, R.F.M., sirve para dar título a los tres relatos: ‘La muerte de R.F.M‘; ‘R.F.M está volando‘; y ‘R.F.M se come un sándwich‘.

Tres historias que hablan de la naturaleza humana

Una vez más, Lanthinos hace algo más que diseccionar el comportamiento humano, centrándose en sus miserias, y lo hace lleno de crueldad, sarcasmo, humor negro, mala uva y frialdad, como si de un entomólogo mirando a sus insectos se tratara. Mejor no decir nada de cada una de las historias, que a unos os parecerán sublimes y a otros aburridas, excesivas y absurdas, pero que todas ellas parecen ser la excusa para hablar de los temas recurrentes de la filmografía del director: la angustia, el libre albedrío, el sometimiento y la opresión, la obsesión y la determinación…

Sin embargo, ese estilo entomológico y denso, a veces aburrido, con escenas, encuadres y música machacona de piano que recuerda a ‘Eyes Wide Shut‘ de Kubrick (sobre todo en el primer relato) o al cine de Paul Thomas Anderson, se torna muy frío y te hace desconectar de la película, aparte de los personajes, que en este caso intencionadamente parece que lo que Lanthinos pretendía al usar los mismos intérpretes para los roles de cada relato.

¿Pasado de frenada?

No se puede hablar de ese concepto hablando de Lanthinos, pero sí se puede comprender el sentimiento de muchos que vean la película, difícil de digerir, ya que entre las disquisiciones señaladas algunos solo verán violencia extrema y paranoias de alto voltaje. De ahí que a muchos les pueda parecer una obra de arte y a otros una tomadura de pelo o un soberano aburrimiento, aunque el elenco invita siempre a seguir las historias a ver en qué acaban, con Emma Stone, Jesse Plemons, Willem Dafoe, Margaret Qualley y Hong Chau totalmente entregados a la causa.

‘Kinds of Kindness‘ es una bofetada no ya al ser humano, sino a sus opciones de redención, de su naturaleza bondadosa o malvada, da igual. Yorgos Lanthinos deja claro que es capaz de lo peor y además justificarlo o encontrando acólitos. Sin embargo, también lo es al espectador, que se puede sentir no solo incómodo desde ese prisma, sino decepcionado tras sus magníficas ‘La favorita‘ y ‘Pobres criaturas‘, que no lo con por ser más comerciales digamos, a pesar de sus excesos, sino por su historia más convencional en la primera y su propuesta más atractiva, en forma de fábula, en la segunda.

Con la última película del cineasta griego, odiado y amado a partes iguales, se demuestra que, si bien está basada en la novela del mismo nombre del escocés Alasdair Gray, con influencias de esa idea prometeica, que bebe directamente de Frankestein, aún hay ideas frescas y enfoques diferentes en el cine actual. Un espectáculo visual apabullante y una interpretación sublime de Emma Stone, que lo da todo en uno de los papeles femeninos de lo que va de siglo en el cine.

Lo inclasificable de Pobres criaturas

Tras La Favorita, donde Lanthimos digamos que se volvía más ortodoxo, aunque no dejara los planos ampulosos y deformados o el ojo de pez, que en Pobres criaturas volvemos a ver, retorna a sus orígenes con un cine inclasificable pero fascinante, que a algunos irrita y a otros enamora. Pero si dejamos de lado los criterios estéticos, la delirante historia de Pobres criaturas, sus fascinantes personajes y sobre todo el análisis psicológico y sociológico del ser humano, entrarás de lleno en la película.

Pobres criaturas es una fábula y como tal comprendes desde el principio la adecuación de su universo atemporal, aunque aparentemente estemos en el final del siglo XIX, sus decorados y lugares pretendidamente inexistentes, aunque se refieran a ciudades concretas. Es un universo paralelo pero donde Lanthimos, por palabra y acción de Emma Stone, el centro absoluto del film, retrata fielmente el nuestro, con bofetadas continuas al comportamiento humano, a los convencionalismos sociales, la hipocresía, injusticia, desigualdad y la moral.

La creación y la evolución

Como una metáfora continua de la evolución personal y social, la protagonista, asistimos al crecimiento de Bella Baxter, desde su «creación» hasta su madurez, comprendiendo en cada tapa pero a gran velocidad el lenguaje, los modales, el sexo, los sentimientos, el conocimiento y la moral, a través de su viaje de exploración exterior e interior.

Lanthimos utiliza por tanto este mito para poner a cero el contador de una persona madura físicamente y ver cómo descubre lo que es el mundo, sus maravillas y sus miserias. El metraje se podría haber condensado más, pero está claro que el director griego quiere detenerse en diálogos acerados e inmisericordes y escenas tan explícitas como directas al mentón, en cada una de las fases por las que pasa Bella, desde su condición básica a la de mujer de mundo y que comprende con claridad cómo es y cómo cambiarlo.

Y alrededor de ella, unos personajes bien definidos e interesantes interpretados por estrellas de la talla de Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef o Christopher Abbott. Todos están espléndidos pero «bailan» alrededor de la impresionante interpretación de Emma Stone, llena de matices y fuerza, donde lidia con muchos registros al cual más complicado, sin complejo alguno. Su Bella Baxter es una creación que desde el principio anhela la libertad y el conocimiento, frente a la jaula física de la casa de su creador y posteriormente las jaulas continuas de las costumbres y convencionalismos sociales, donde la mujer sale mal parada. Su carácter indomable le llevará por derroteros insospechados, mientras asistimos a una crítica despiadada y satírica de los males sociales.

Premios hasta la fecha de Pobres criaturas: León de Oro a la Mejor Película; Globo de Oro a la Mejor Película en Comedia o Musical; Globo de Oro a la Mejor Actriz en Comedia o Musical para Emma Stone; AFI Movies of the Year; Premio de la Crítica Cinematográfica para Emma Stone.

Fecha de estreno: 26 de enero de 2024.

En el momento que se anunció una película live action sobre la muñeca Barbie quien mas quien menos torció el gesto. Ya todos sabemos de que va este mundillo y cualquier cosa aceptable ya les vale pra vender más muñecas.

Sin embargo, cuando pusieron a Greta Gerwig (Lady Bird) al mando y con Margot Robbie y Ryan Gosling como Barbie y Ken (seguramente lo más parecido en el mundo real a Barbie y Ken) la cosa cambió.

Con sus primeros trailers mostraron una película paródica que rozaba lo absurdo, pero igualmente algo no cuadraba. Gerwig tiene mucha mano y quizás solo ella fue capaz de ver el potencial de la historia de una muñeca que ha acompañado a niñas (principalemente) durante años.

Y allí empezó la campaña de marketing.

Marketing viral

Voy a hablar de mis sensaciones: no me parece una campaña demasiado agresiva. No tengo ninguna imagen mental de ver Barbies por todos lados, ni la tele me parece que haya machacado mucho, ni los carteles han ido llenos. Lo que si ha sido interesante ha sido el movimiento Barbenheimer en el que el equipo de las dos películas (Barbie y Oppenheimer) han hecho publicidad cruzada solo para que la gente vaya al cine. Y si le sumas a Tom Cruise que hizo lo mismo la cosa ya se volvió más seria.

Pero volvamos a la campaña. Al parecer, Mattel ha gestionado cerca de 100 licencias para que varios productos usen la imágen de Barbie. Y sobretodo el ROSA de barbie. Además en USA pintaron un pueblo de rosa hasta tal punto que agotaron la pintura de ese color. Además si buscas en Google “Barbie”, la pantalla se pone rosa y con brilli brilli. Magnífico. Imagino que estas cosas y esas noticias van calando.

Pero la gran victoria no es las campañas, sino que el boca-oreja ha sido loquísima.

Lo nunca visto (últimamente)

Fui al cine 6 días despues del estreno. Habia leído cosas muy buenas, algunas críticas malas pero muchas ganas de la gente de pertenecer a un movimiento: la revolución rosa.

Martes por la noche entré en la web de Kinepolis y mire las sesiones. Tras elegir a cual queriamos ir, abrí y vi la sala llena. LLENA. Unos cines que normalmente entro 10 minutos antes de la sesión y puedo elegir sin problemas. Cambié la sesión y fuimos nada más comer que habia algo más de sitio (aunque la sala seguía estando bastante llena).

Le dije a mi mujer: “nos vamos todos de rosa que se ve que la gente va de rosa a verla”. Me puse pantalon y camiseta rosa. No me costó ya que es un color que me gusta, pero si que por un momento pensé si mi look de algodoncito de azucar, con mis 41 años no iba a dar un poco el cante.

Aparcamos y nos metimos en el centro comercial. Y ahí me petó la cabeza. No es que no se sorprendieran de que yo fuera rosa… sino que TODO el centro comercial llevaba ropa rosa. Niños, niñas, abuelos, adultos… incluso adolescentes en edad de estar bastante atontados llevaban prendas rosa: camisas, camisetas, bandanas en la cabeza, faldas, vestidos, gorras y todo lo que puedas imaginar.

Y eso que eran las 16:00. El cine no habia abierto y en las puertas se agolpaban grandes cantidades de personas. De rosa.

Una vez vista la película, magnífica, solo empañada por un grupo de energumenos que se sentaron detrás nuestro al grito de “nosotros somos emos, no vamos de rosa” y no pararon de hablar toda la peli, salimos en hora punta del cine, media tarde.

La revolución rosa

Lo que antes habia sido un taste ahora era una locura: colas de cientos de personas, rosa por todos lados. ¡Por todos los lados!

A mi mente vinieron estrenos de vengadores en el Phenomena, o de Star Wars. Pero ni así la cosa se asemeja. Allí se disfrazaban 3/4 frikis y el resto llevabamos alguna camiseta al uso, pero es que con Barbie es la casi completa totalidad de la gente. Y en hordas de gente. Algo impresionante y que tengo pocos recuerdos parecidos.

Así que además de pasármelo bomba con la película, salí enamorado de este movimiento nuevo, la revolución rosa, que por encima de todo ayuda y mucho al cine que por tantas penurias está pasando hoy en día.

Y debo decir que estoy seguro que ese rollo super feminista de la película a más de uno se le ha cruzado (la mitad de españa ha votado eso, vamos), pero incluso esos, engañados o no, iban de rosa y pagaron una entrada para el cine.

Campaña de marketing exitosa a parte o no, vivan las colas en el cine, viva el rosa y viva Barbie. Y Ken.

Y es que está en la línea de ‘The Gentlemen: Los señores de la mafia’ y sobre todo la fantástica ‘Operación U.N.C.L.E’. No, no es una secuela de esta o una spin-off, aunque sus similitudes son evidentes. Así que últimamente Guy Ritchie parece decantarse por el cine de mafia, espionaje y acción, sin mayores pretensiones, con esos diálogos-metralleta, donde los personajes hablan demasiado para el perfil que tienen y lo que deben de hacer. Pero luego llega la acción y lo compensa.

VIRTUDES Y DEFECTOS DE ‘OPERACIÓN FORTUNE: EL GRAN ENGAÑO’

‘Operación Fortune: El gran engaño’ va de menos a más, con un inicio titubeante e incluso aburrido por momentos, sin apenas acción, con unos personajes que no te acaban de enganchar. Sin embargo, a medida que avanza la película, la cosa mejora bastante. Pero lo que le da un giro radical y lo convierte en una producto apetecible es la aparición en escena del malo, de Hugh Grant. Como le pasa al director, este actor británico tiene una legión de detractores, entre los que no estoy. Pero, aunque tuvieran razón, desde luego ya de persona madura nos está brindando en series y películas papeles memorables, con un perfil y manera de actuar muy diferente.

Aquí se come la pantalla y al resto cada vez que aparece. Un malo divertido, con luces y sombras, de lo más folletinesco a ratos o directamente de comedia a otros. Porque ‘Operación Fortune: El gran engaño’ se puede decir que es una comedia de acción, donde el argumento es lo de menos. De hecho, no está muy desarrollado ni es muy sorpresivo u original. Lo que importa son los diálogos, a veces divertidos, a veces cargantes y excesivos, la acción, y unos personajes que nos van calando, hasta un final muy notable que te deja con buen sabor de boca.

Una cinta donde Guy Ritiche se vuelve a rodear de habituales de su filmografía como Jason Statham (que protagonizaba su brutal anterior película ‘Despierta la furia’, al nivel de sus títulos de culto como su ópera prima ‘Lock & Stock’ y ‘Snatch. Cerdos y diamantes’), Eddie Marsan o el mismo Hugh Grant. Una película palomitera, entretenida, olvidable pero al mismo tiempo te dejará un buen recuerdo, sobre todo este malo tan «adorable» y un final lleno de acción y humor a la vez. Eso sí, ya nos apetece ver de nuevo al Guy Ritchie más comedido, inspirado y callejero, en modo ‘Despierta la furia’.

Fecha de estreno: 4 de enero de 2023.

Feed Me (2022, Adam Leader, Richard Oakes) es una comedia para paladares a prueba de bombas. Jed (Christopher Mulvin) es un hombre desesperado que no quiere seguir viviendo después de la muerte de su esposa. Lionel Flack (Neal Ward) es un caníbal colgado que se pasea por los funerales para conocer a personas hechas polvo y desesperadas como Jed. Cuando se conocen, Lionel le ofrece a Jed una solución que beneficiará a ambos: comérselo.

Pese a que no se toma muy en serio, la película flojea tanto en su trama principal como en sus historias paralelas que carecen de sentido. Si bien consigue ser todo lo repugnante que quiere, el humor es bastante básico y simplón. El personaje histriónico de Neal Ward, premio a mejor interpretación en la sección Bloody Madness del TerrorMolins 2022, es excesivo y ridículo. Su caracterización a modo de Beastie Boys (véase el videoclip de la grandísima Sabotage si se desconoce la referencia) impide que el personaje tenga ni un atisbo de credibilidad. Si la idea era crear una caricatura de un personaje grotesco, lo consigue en detrimento de la historia que se quiere contar.

Para el que se quiera acercar a esta película le recomendaría verla con colegas, pizzas y aderezos para que la experiencia tenga alguna gracia. Buena película para terminar una maratón de seis películas (para los que se queden dormidos o tengan el cerebro frito).

Sissy (2022, Hannah Barlow, Kane Senes) es una película fresca, con una protagonista acorde a los tiempos que corren. Cecilia (Sissy) es una chica joven que intenta ganarse la vida como influencer dando consejos a sus followers sobre como tener una salud mental equilibrada. La búsqueda de validación constante, en cambio, es lo que consigue equilibrar a la protagonista. Al encontrarse con su mejor amiga de la infancia y aceptar su invitación se verá fuera de su zona de confort, llegando a la incomodidad máxima al ver a su acosadora en la cabaña remota en la que tendrá que pasar el fin de semana.

La película conecta perfectamente con temas tan de actualidad como la salud mental, la dependencia a las redes sociales, la imagen que proyectamos en ellas, o el bullying. Aunque puede pecar a ratos de querer abarcar demasiado, el primer acto integra estos temas de manera inteligente.

En el segundo acto, con la tensión generada entorno al grupo cocida a fuego lento, todo se embrutecerá y a partir de ahí, solo queda huir hacia adelante con momentos memorables y situaciones risibles. Aisha Dee está soberbia en el papel de Cecilia (Sissy) así como su némesis Emily De Margheriti (Alex), aunque se echa de menos que no hayan profundizado un poco más en su papel para abordar el tema el acoso.

En suma, Sissy es una película disfrutable, bien dirigida, con un guion inteligente, buen reparto y que deja poso. Se agradece su satisfactoria resolución final. Premio del público en la sección Bloody Madness del Terror Molins 2022 bien merecido.