Es imposible no ver de qué va la ‘Dulce sabor a muerte’ (‘Ice Cream Man’) y no acordarse de la película de Chicho Ibáñez Serrador (el del ‘1, 2,3’), ‘Cómo matar a un niño’. Pero esa sí era una película terrorífica, inquietante, sin explicación alguna, de unos críos que se convierten en psicópatas y asesinos implacables en un pueblo costero.

La propuesta de Eli Roth (‘Hostel’, ‘Knock, knock’) no sabemos si quería beber de esa fuente, por otro lado, mucho menos sangrienta que esta. Es más, estamos ante un film que, por mucho que se adentre en el humor negro, no deja de impactar tanta sangre, vísceras y realismo atroz, sin duda, lo mejor de la película, no por lo que aporta, sino por lo bien que está hecho (abstenerse estómagos delicados). Lo curioso es que ese “realismo” era tanto, que el director confesó que se había hecho con IA.

Niños, eso no se hace

Entre tanto, asistimos a clichés de las películas de cine gore B, del terror ochentero y adolescente, y de sonrojantes referencias a una obra maestra de Alfred Hitchcock. Dicho todo eso, no significa que no sea entretenida, pero no hecha para el cine, sino para una tarde tonta palomitera en el sofá de tu casa.

No sabemos si ‘Dulce sabor a muerte’ pretendía llegar lejos en lo artístico y en la propuesta argumental, o simplemente es un divertimento gamberro con algo tan poco habitual en el cine como unos niños que se convierten en máquinas de matar y mutilar adultos. La realidad es que no pasará a la historia del terror, ni siquiera del gore, por esa sensación de tomarse, aunque solo sea en parte, muy en serio.

Estreno: 4 de septiembre de 2026.

‘La astronauta’ recupera la gravedad que no adquiere la película

La idea de central la trama en un astronauta que vuelve de su viaje espacial no es nuevo, ni las misteriosas consecuencias de un incidente que sin disimulo huele a contacto con otra civilización. El final tiene un giro radical e inesperado, tan propio del cine de hoy en día, donde no parece que un guion valga la pena sin ese «truco», pero claro, si se usa bien, porque en este caso provoca risa, indiferencia o perplejidad, más aún con unos planos «homenaje» a ‘E.T’. o a ‘Encuentros en la tercera fase’, que tras casi 90 minutos de metraje se antojan insultantes.

Es difícil de entender cómo un comienzo y planteamiento tan atractivo, con un género que siempre gusta al espectador, por mucho que le propongas ideas extrañas o formas diferentes, se derrumbe tan rápido, aburriendo de una manera tan radical, tanto, que no es exagerado afirmar que durante casi una hora no ocurre gran cosa, más allá de los efectos típicos y mal ejecutados en este caso del thriller, suspense o terror más convencional.

Poco más se puede decir de ‘La astronauta’, e incluso si tienes curiosidad por verla para enterarte de ese giro de la trama, igual te arrepientes por pensar que es una tomadura de pelo, tú decides, pero la subjetividad en el cine está siempre presente, y quizá te pueda parecer entretenida. Nunca se sabe.

Estreno: 26 de septiembre de 2025.

Terceras partes a veces son muy buenas

Seguro que te viene a la mente la segunda parte de ‘El Padrino’, aunque la comparación pueda ser exagerada, y en este caso la primera parte era otra obra maestra. Es el caso de la ‘saga 28’, si se puede llamar así. Seguramente la segunda seguirá siendo referente para muchos fans, más la nostalgia y «cariño» hacia la primera, que marcó una nueva forma de hacer cine de zombies. Sin embargo, ’28 años después’ no solo no desmerece a las otras dos, sino que para muchos podrá superarlas. Al menos, desde luego no se puede negar el riesgo -sí, aún más en un cineasta ya de por sí retador-, las nuevas propuestas y enfoques en un subgénero que parecería no dar más de sí en la vertiente lógica de terror, gore o excesos, y las numerosas reflexiones y posos que te deja tras terminar la película.

Y es que Danny Boyle una vez más emplea su eclecticismo, impredecibilidad y virtuosismo técnico para dar más vueltas de tuerca al género o subgénero y ofrecer momentos delirantes, conmovedores, inquietantes y trascendentes, no tanto mezclados como esparcidos a lo largo de la trama, mostrando un paralelismo con el verdadero protagonista infantil del film y su periplo de madurez acelerada, conociendo más mundo físico pero también todas las vertientes buenas y malas del ser humano y de la sociedad, a pesar de que se viva en una civilización que ha retrocedido siglos.

Comienza como siempre, acaba como nunca

No hay un 28 años después sino varios, mostrando así un puzle que se vuelve lógico al contarte una historia tras 28 años transcurridos desde la aparición del virus zombie. Comienza de la forma más plausible posible en este tipo de historias: una comunidad, un padre que enseña a su hijo a sobrevivir en un mundo hostil y una aventura.

Todo transcurría interesante y emocionante pero previsible y «académico», cuando el film da un giro con el gana enteros, incertidumbre y vuelve a sumergir al espectador en el «universo Boyle» que tanto gusta a muchos y repele a otros tantos. Sin embargo, no es algo caprichoso del director, sino coherente con el giro del chaval (sin destapar nada), con una nueva realidad y anhelos que incluso harán cambiar las tendencias hasta protagónicas.

A partir de ahí, un viaje por el peligro, la muerte, pero también la vida, el sentido de la misma y la aceptación de una realidad, así como de una trascendencia. Un tramo final maravilloso, aunque, eso sí, con un cierre marca de la casa, donde vuelve a advertir que todo esto es cine, es todo lo visto pero también caos, incertidumbre, locura, excentricidad, deduciendo una cuarta parte que se vislumbra muy diferente y un «desfase» definitivo, al menos a priori.

Sea como fuere, a nadie dejará indiferente, que es lo primero que tiene que lograr una obra visual, y ya hay «facciones» que van de gran película a nueva locura boyleiana. Mi termómetro va más bien a lo primero.

Estreno: 20 de junio.

El abismo secreto (The Gorge) es una película dirigida por Scott Derrickson, quien cuenta en su filmografía con títulos como Black Phone, El exorcismo de Emily Rose, Líbranos del mal y Sinister, todas ellas excelentes películas de terror. Además, es el responsable de Doctor Strange en el Universo Cinematográfico de Marvel. Es decir, no estamos ante un novato.

El amor entre tinieblas

La película, que se estrena el día de San Valentín (es decir, mañana) en Apple TV+, ofrece un buen entretenimiento que aprovecha la fecha para darle un giro al clásico “chico conoce a chica, chico se enamora de chica, chica se enamora de chico”. Sin embargo, su amor está marcado por un abismo que los separa. En este caso, dicho abismo no es una mera figura literaria, sino un abismo real y letal.

Un abismo que no figura en los mapas, del que nadie sabe nada, y por el que son reclutados los mejores francotiradores, soldados de élite, asesinos y sicarios con una habilidad común: una puntería impecable. ¿Su misión? Pasar 365 días asegurándose de que nada salga de ese lugar.

Del lado ruso, destaca la siempre brillante Anya Taylor-Joy, mientras que en el bando estadounidense tenemos a Miles Teller. Ambos están acompañados por la fugaz pero significativa aparición de Sigourney Weaver. En definitiva, un reparto reducido, como suele ser habitual en este tipo de historias, pero de gran calidad.

Un gran entretenimiento

Hace mucho tiempo me leí un libro llamado El Descenso, escrito por Jeff Long, en el que se plantea que el infierno es un lugar real y del que empiezan a escapar criaturas horripilantes y mortales. Es un libro que se me quedó grabado mientras lo leía en la parte de atrás de una Mercedes Vito mientras mi padre y mi tío conducían a través de España para llegar a Portugal a pasar nuestras vacaciones.

Pues el planteamiento de esta película es parecido. Sin embargo, buscando un toque más minimalista, dicho abismo no es conocido por nadie a excepción de las clásicas compañías que están por encima del conocimiento de los gobiernos. El juego con la idea de «¿qué debe haber allí abajo?» es algo que me gustó desde que vi el trailer.

Bien es cierto que la película, con la idea de no adormecer al espectador, decide desvelar la sorpresa relativamente rápido, mostrando un teaser de lo que puede salir de dicho abismo.

Del misterio a la locura

Cuando ya conocemos qué se esconde en las profundidades y cuando chico y chica consolidan su vínculo, llega el caos.

Y con él, casi una hora de acción desenfrenada, con un aire que recuerda a los videojuegos FPS, al estilo Half-Life o Resident Evil. Criaturas de todo tipo, incursiones en escenarios sombríos y una química sobresaliente entre los protagonistas.

En definitiva, dos horas de puro entretenimiento, con una dirección firme, un diseño visual muy cuidado y actuaciones que encajan a la perfección en esta aventura de terror para un San Valentín diferente.

No me sorprendería que surgieran secuelas o spin-offs.

‘Nosferatu’ era un proyecto acariciado por el director estadounidense desde el inicio de su carrera, y ahora, tras dirigir ‘La Bruja’, ‘El Faro’ o ‘El hombre del norte’, ya contaba con un bagaje suficiente para enfrentarse a un arma de muchos filos: compararla, por un lado, por una obra magna, más gótica y romántica, como la versión de Drácula de Francis Ford Coppola, y por otro, con la película muda de 1922, por no hablar de las múltiples versiones, muchas de ellas notables, sobre Drácula o sobre Nosferatu.

Eggers supera con nota la prueba, dándonos un Nosferatu y un mito draculiano diferente, expresionista, asfixiante y psicológico, estérico y antropológico, profundamente triste y descarnado, frío para algunos e hipnótico para otros. Como no podía ser de otra manera, los personajes y la trama se mantienen, añadiendo la subtrama de la peste, como ya hiciera otro director alemán como Murnau, Werner Herzog, en su versión setentera de Nosferatu protagonizada por Klaus Kinski. Lo demás difiere totalmente de ésta, no tanto de la de 1922, sobre todo por el uso de los claroscuros y de la fotografía.

Un festival de forma sin descuidar el fondo

Pero más allá de la forma, tan importante en este director, donde una vez más cada fotograma es un cuadro en sí mismo, lleno de fuerza y simetría, plagado de detalles, está el fondo, que muchos críticos han recriminado no atender tanto. Aquí la forma una vez más, más por su perfección que por un guion o interpretaciones que lastren lo primero, es apabullante, alcanzando cotas superiores, y aportando en los encuadres una explicación a lo que ocurre en otra escena incluso, como el paralelismo y el juego de posición del personaje de la amada esperando a su esposo y de éste acudiendo a la firma del contrato al castillo del Conde Orlok.

Y qué decir del leitmotiv de la película. Lo que en la mayoría de las versiones de Drácula es el amor más allá de la muerte, que incluso era el lema del film de Coppola, el romanticismo, aquí Eggers teje un fresco y un estudio sobre la sociedad de la época y lugar en que sitúa la obra, la Alemania de 1838. Todo ello sirve para tejer un guion y situaciones que difieren de los films anteriores sobre el mito. Nosferatu es el mal puro, el deseo y el control, que infunde miedos y supersticiones en la población en general, y pulsiones y pesadillas en las mujeres y hombres, respectivamente, en particular.

‘Nosferatu’ va más allá

Aquí es donde entra la complejidad del film, que aparece en su impresionante inicio, y que cerrará con un aún más impresionante final y último plano para la historia. La Mina Harker de Drácula es aquí Ellen Hutter (Lily-Rose Depp está de Oscar tanto en interpretación del rostro como fisicidad), que se muestra atraída y atrapada desde adolescente por el influjo del Conde Orlok. Se intuye el componente sexual pero se esconde, propio de la época, bajo el mando de la enfermedad mental y otros males del espíritu. No es amor sino deseo, poderoso por el influjo del mal, aunque insuficiente para que Ellen no deje de amar a su esposo Thomas, el Jonathan Harker de la novela de Stoker.

A partir de esta premisa, que a su vez es crítica velada a la encorsetamiento, nunca mejor dicho, de la mujer de la época, Eggers avanza por la superchería, religiosidad, costumbres y paganismo de la época, con sus sombras, tan alargadas como la de la mano de Nosferatu, en un metáfora perfecta de la podredumbre del mal, pero también del ser humano en si.

Por eso en esta versión la apariencia de Nosferatu, que se ha logrado mantener en secreto, es lo de menos, y de hecho a muchos sorprenderá y no repelerá tanto como se podría esperar. Lejos de dar una vuelta de tuerca, Robert Eggers opta por crear una apariencia siniestra pero más realista acorde a la época, aunque igualmente repulsiva y sobrehumana en ocasiones.

Además, el personaje se beneficia de aparecer la mitad de la película como una mera sombra o bajo casi total oscuridad o contraluz, para irle «descubriendo» muy poco a poco, al igual que toda la trama, que toma su tiempo, como le gusta a Eggers, y que muchos, acostumbrados al cine veloz de hoy en día, les podrá resultar lento o con lagunas de ritmo. Bill Skarsgård arma un Conde Orlok inquietante y diferente, sin resultar totalmente terrorífico, sino más bien desasosegante, basado casi enteramente en su terrorífica voz, para la que bajó una octava practicando con un profesor de canto.

Eggers a lo suyo

Otra novedad que añade el director, tan interesado en el tema durante toda su filmografía, es el tema esotérico y de mitos culturales y ancestrales. Nosferatu parece perder aquí el origen totémico de la novela original y de tantas versiones, y ser un elemento más de los misterios malvados que teme la humanidad, y así es como deriva en el tramo final de la película, donde el protagonismo no es el de la lucha de Hutter (Harker), su amigo Friedrich Harding y el profesor Eberhart Von Franz (Van Helsing) contra el Conde Orlok, sino lo que hará Ellen para liberar del mal a su esposo y a la comarca.

‘Nosferatu’ se convierte así en una versión definitiva del mito, añadiendo elementos poco tratados, como la peste, en un trasunto de castigo de las fuerzas del mal por no seguir el ser humano sus designios, y otros nunca atisbados, quizá por no atreverse o por querer seguir con el elemento romántico o de puro terror, como el aspecto sexual y de dominación, las debilidades humanas como la otra cara del mal y no como consecuencia de ella (como pasa con el tremendo personaje de Herr Knock, que en Drácula sería Renfield, que «se come» literalmente sus escenas).

Estamos ante la mejor película de terror del año, junto a ‘Longless’ y una de las obras cinematográficas más inmersivas y artísticas de lo que va de siglo, tan personal como hipnótica, que te hace sumergirte, a través también de la, tan del gusto del director, toma con el personaje mirando a cámara, mirándote a ti, haciéndote partícipe del horror que lo impregna todo, del mal que nos rodea o que llevamos dentro, y de la redención que siempre es posible pero abriendo la mente, como hace Von Franz, a las fuerzas desconocidas, y no basando todo en la razón pura, como pretende Harding, o en la negación de realidades psicológicas y corporales enterradas bajo eufemismos, como hace el doctor que atiende a Ellen.

Abordar el tema de la vejez sin caer en territorios comunes es complicado, pero ya vimos en películas recientes como «Viejos» de Raúl Cerezo y Fernando González Gómez que se puede tratar temas universales como este y ser original. Este, lamentablemente, no es el caso. Desde el minuto cero en el que llega el anciano y se despide de la familia ya se intuye que ese es un lugar de estancia permanente. Enseguida se aprecia el esfuerzo en demostrar la tristeza del lugar y la sensación de abandono que acompañan al protagonista.

Ciertamente, la vejez es algo ineludible y los problemas de soledad y abandono son bien conocidos. Es terrorífico enfrentarse a algo así cuando además son los seres supuestamente más queridos los que te empujan a ello. Y verlo en pantalla no es agradable. El riesgo existe cuando se abusa de la pena convirtiendo el film en un relato plasta y aburrido del que fácilmente se acaba desconectando.

Si bien es cierto que hay que valorar el intento de añadir un elemento sobrenatural al asunto para darle interés, también es de recibo decir que es muy confuso y no está bien integrado en la historia. Hay muchas transiciones entre lo sobrenatural y lo real que son completamente anticlimáticas y la resolución final roza el absurdo. Sueños premonitorios, muerte, criaturas pesadillescas son ingredientes suficientemente interesantes como para darle salsa al asunto pero al final todo queda en agua de borrajas.

Sin duda es una película que no deja indiferente al espectador. Puede parecer una propuesta algo excesiva y absurda pero no deja de ser intrigante y original. Es un body horror sui generis bien conseguido con una trama interesante que es difícilmente previsible. Hay que dejarse llevar para disfrutar del viaje de ácido y de algunas escenas de humor (¿involuntario?) surrealistas y juguetonas.

Explora la relación de pareja desde una perspectiva un tanto naïf y edulcorada, pero también retrata esos primeros momentos de enamoramiento en los que la pasión, las dudas y ese halo de misterio envuelven a los amantes y que si uno se deja llevar acaba disfrutando. A medida que va avanzando la historia, los protagonistas tendrán que sumar a la convivencia forzada la supervivencia a un entorno que se va transformando y cada vez es más hostil entrando de lleno en un territorio casi de ensueño (o más bien de pesadilla) con sorprendente final.

En conjunto, hay buenas actuaciones, buena escenografía, buenos efectos especiales y una idea original sobre el amor y el romanticismo, pero hay que ponerle voluntad. Si no entras, la barrera puede ser infranqueable.

Esta no es una película sorprendente, de entrada ya da todos los ingredientes para que el espectador sepa qué le depara la hora y media de metraje. Es la típica historia del gato y el ratón, ambientada en un espacio desértico y abrumador con largas carreteras rectas y pocos lugares en los que detenerse. Cabe destacar el buen papel del villano interpretado por John Schwab que no puede dar más rabia ni ser más cabrón. Si hay una presunta crítica al abuso de poder policial en EEUU, acaba siendo tan exagerada que lo más probable es que sean imaginaciones de uno mismo. Interesante la actuación de la protagonista, Britni Camacho, como final girl.

En definitiva, Jacomelli no intenta reinventar la rueda y acaba creando una película resultona y entretenida aunque poco original. Ideal para amantes de la linealidad.

Una fórmula interesante que curiosamente compartía sesión en el TerrorMolins 2024 con la multipremiada El Baño del Diablo, y que, sin duda, bebe de la misma fuente. Es como la hermana pequeña, menos pausada y más fantástica de esta última.

En esta ocasión tenemos a Frieda (Anneke Sluiters), una joven con carácter, prometida con un hombre que está a dos mechones en la cara de convertirse en Teen Wolf. Paralelamente tenemos a un carnicero cabrón al que chica que ve, chica que acosa, y a un cura que se erige como juez y verdugo de todo lo que ocurre en el poblado. Ante las dificultades para concebir de la pareja, la responsabilidad, el peso y la culpa recae en Frieda. A raíz de esto, la protagonista se verá envuelta en un altercado del que solamente puede escapar huyendo al bosque. Un bosque oscuro y frondoso al que todo aldeano teme y del que nadie duda de que mora el diablo.

Sin querer desvelar demasiado, hay una clara denuncia a la presión social y a la violencia ejercida hacia las mujeres desde las personas que ostentan el poder y también desde una sociedad cómplice y claramente machista y fanática religiosa. En este caso, esa violencia recae sobre todo (pero no únicamente) sobre el personaje de Frieda. Buena puesta en escena, buenas interpretaciones y buen uso del fantástico en este pequeño film que deja buen sabor de boca hasta el final e invita a la reflexión.

Después de un breve resumen de la pasada edición, de la presentación del spot de este año y de un sentido In Memoriam – ¡qué de leyendas nos han dejado este 2024! -, daba comienzo la inauguración con el corto ultraindie «Un dia al camp» de Albert Portal, aperitivo para el plato fuerte de la noche: la cinta francesa «La Damnée» del jovencísimo director Abel Danan.

Yara (Lina El Arabi) es una joven marroquí que se muda a un pequeño apartamento en París con motivo de proseguir sus estudios. Al parecer no ha llevado su medicación y a raíz de eso empieza a notar unos síntomas extraños que le provocan vívidas alucinaciones, además una nueva pandemia azota el mundo y el encierro no ayuda a la protagonista. Claustrofobia, traumas y ecos del pasado aúnan una historia interesante pero un tanto pesada con un ritmo irregular y repetitiva en algunos momentos.

ATENCIÓN SPOILERS A CONTINUACIÓN:

Entiendo que para acrecentar la sensación de claustrofobia sea necesario que el personaje no sea demasiado ordenado pero es que aquí es tan exagerado que parece que no haya cogido una escoba en su puta vida. Mucha brocha gorda torpe, lamentablemente.